Artista como sujeto

7 de mayo - 24 de julio de 2016

Rebecca Campbell:

Los comedores de patatas

Galería principal

Andrew Frieder:

Del espíritu al descubrimiento

Galería Sur

Mayordomo de Kent Anderson:

Ahogándose con la tierra aún a la vista

Galería Este

Eric Minh Swenson: estrellas del arte

Galería de Wells Fargo

Jane Szabo:

El sentido del yo y la reconstrucción del yo

Galería de la bóveda

Nataša Prosenc Stearns:

Primavera de noche

Galería de educación y parte superior de las escaleras

Rebecca Campbell

Eric Minh Swenson in collaboration with Coagula Art Journal

Andrew Frieder

Kent Anderson Butler

Jane Szabo

Natasha Prosenc Stearns

Rebecca Campbell: Los comedores de patatas
 

Rebecca Campbell es una artista figurativa, cuyo trabajo se centra en temas asociados con la existencia humana en la sociedad contemporánea. Adoptando tanto el realismo como la abstracción, Campbell realiza pinturas, dibujos y esculturas que con frecuencia giran en torno a la vida cotidiana de la gente promedio, a quienes otorga una cualidad heroica. La nueva serie de trabajos de Campbell, titulada The Potato Eaters , examina aspectos de la historia familiar y cultural, la memoria, la documentación y la nostalgia. El título está tomado de la obra maestra de Vincent van Gogh de 1885 que retrata a los campesinos holandeses reunidos en una comida exigua. Al igual que en el célebre trabajo de Van Gogh que aborda temas de la noble existencia humana y la conexión con la tierra, Campbell hace referencia a su historia familiar y parientes que vivieron en Idaho durante principios y mediados del siglo XX. La serie incluye pinturas que transmiten paisajes rurales y suburbanos en desaparición, así como obras figurativas inspiradas en fotografías antiguas en blanco y negro. Además, Campbell honra y reflexiona sobre las actividades domésticas a menudo ignoradas, como el enlatado y la limpieza, a través de varias instalaciones de esculturas.

Campbell obtuvo su licenciatura en pintura de la Pacific Northwest College of Art en Oregon en 1994, y su maestría en pintura y dibujo de la Universidad de California, Los Ángeles en 2001. Su trabajo ha sido exhibido a nivel nacional e internacional. en el Museo de Arte de Phoenix, Arizona; el Museo de Bellas Artes de Cornell, Winter Park, Florida; la Academia Estadounidense de Artes y Letras, Nueva York; El Museo de Arte de Portland, Oregon; el Centro de Artes de Utah Central y la Universidad Brigham Young, Utah; el UCLA Hammer Museum, Los Ángeles, y LA Louver, Venice, CA, entre otros. Campbell ha enseñado en Art Center College of Design, Claremont Graduate University y Vermont College of Fine Art, y actualmente es profesor asistente en la California State University, Fullerton. Rebecca Campbell vive y trabaja en Los Ángeles.

Andrew Frieder: esperando la inspiración divina
 

En el extremo occidental del desierto de Mojave, Lancaster no es una ciudad conocida por su escena artística, pero es donde Andrew Frieder pasó sus años más productivos como artista, trabajando día y noche durante varias décadas para producir un vasto cuerpo de trabajo en una variedad de medios. Andrew representaba con frecuencia escenas de la mitología clásica y las escrituras del Antiguo Testamento con las que estaba tan familiarizado: figuras que luchan con serpientes, comulgan con calaveras y luchan con rocas, así como bestias híbridas de su propio diseño. Una coloración suave y sutil de pasteles suaves y tonos tierra apagados distingue la obra, a veces garabateada con texto ("¿Valió la pena? Vencer a la serpiente: ¿se puede hacer?") Y con frecuencia perforada, perforada, cosida, pegada y de otra manera. conducido a la sumisión estética, resultando en una combinación extrañamente armoniosa de lo visceral y meticuloso. Andrew tenía un extraordinario sentido del diseño. Reconstruyó y reparó varias máquinas de coser industriales, algunas modificadas mecánicamente para funcionar a pedal, con las que cosía intrincados edredones de algodón y construía sus propios sombreros alegres, 'chapeaux', como él los llamaba. Era un barbero con licencia. Zapatero aficionado, hizo y reparó zapatos. Un incesante manipulador que continuamente rediseñaba todo tipo de objetos, pulía, soldaba y mecanizaba sus propias herramientas personalizadas y una miríada de objetos tanto escultóricos como prácticos. Andrew había encontrado un poco de paz con cualquier impresión que el mundo pudiera haber tenido de él, cortando una figura única mientras rodaba su carro personalizado para obtener materiales como chatarra y madera para sus proyectos, descubiertos en todas partes, desde callejones hasta ventas de garaje, artículos de segunda mano. tiendas y depósitos de chatarra.

Cuando era adolescente, Andrew hablaba francés con fluidez y era un esgrimista de torneo clasificado a nivel nacional, un deporte al que abandonó debido a lesiones y a medida que se involucró más en el arte. Un colapso mental interrumpió su educación en la escuela de arte y comenzó a experimentar la esquizofrenia con la que luchó durante gran parte de su vida adulta. A través del caos y el dolor de su enfermedad, Andrew destruyó todo su trabajo tres veces, así como varias novelas terminadas. Sin embargo, en las dos décadas de vida que precedieron a su muerte, se había estabilizado y no había experimentado episodios u hospitalizaciones, un proceso de curación facilitado en gran parte por la inmersión profunda en su arte, y solo después de su muerte se descubrió la gama completa de su producción. . Andy admiró el trabajo de artistas desde Vermeer hasta Basquiat. El museo presentó una muestra individual de su obra en 2014.

Además de un enorme archivo de obras de arte, Andy también dejó muchos relatos escritos que expresan una aguda conciencia de su propio trabajo y estado mental, así como ensayos rigurosos y compasivos sobre historia y religión; se preocupaba profundamente por la injusticia política y reflexionaba sobre su trabajo con tanto esmero como cualquier artista profesional.

 
Kent Anderson Butler: Ahogándose con la tierra aún a la vista

Kent Anderson Butler es un artista con sede en Los Ángeles que centra su trabajo en las experiencias espirituales, mentales y físicas que encuentra el cuerpo. Anderson Butler trabaja con múltiples medios, incluida la instalación de video, la fotografía y la interpretación. Drowning with Land Still in Sight es una serie que comunica dolor, placer, lucha, redención y restauración del cuerpo a través de técnicas mixtas, que incluyen instalación, fotografía de retrato, escultura, performance y video. Inspirado por el filósofo religioso Teilhard De Chardin, Anderson Butler expone su pensamiento religioso personal en términos de vida, muerte y trascendencia a través de esta colección. A través de su obra de arte, pretende expresar y enfatizar la importancia de la experiencia humana y, a su vez, mostrar cómo vivimos en nuestro propio cuerpo.

Kent Anderson Butler estudió video y cine, recibió su licenciatura de la Universidad de Biola y su Maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California, Fullerton. Anderson Butler es director de artes visuales y profesor de la Universidad Azusa Pacific, y enseña arte tanto a nivel de pregrado como de posgrado, con énfasis en fotografía. También ha estado involucrado en una variedad de exposiciones que incluyen tanto exposiciones individuales como exposiciones colectivas. Sus piezas han sido expuestas tanto a nivel nacional como internacional, siendo exhibidas en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Venezuela, la Cave Gallery de Brooklyn, Nueva York, el Pasadena Museum of California Art, entre muchas otras. En 2012, la Galería de Arte de la Universidad Kellogg en Cal Poly Pomona presentó una exposición con una década de trabajo de Anderson Butler. En 2014, Anderson Butler fue elegido Artista residente en el Hambidge Center for Creative Arts en Rabun Gap, Georgia.

Eric Minh Swenson: estrellas del arte
 

Art Stars , el último trabajo de Eric Minh Swenson se centra en celebrar la influencia y el impacto de las mujeres en el mundo del arte. En colaboración con Coagula Art Journal , Art Stars , es una serie expansiva de más de 200 fotografías que crean conciencia pública y celebran las contribuciones femeninas como artistas, curadoras, galeristas, etc.

Eric Minh Swenson creció en San Antonio, Texas y a través de su padre descubrió el oficio de la fotografía. Swenson captura momentos que son espontáneos e improvisados mientras utiliza el color y la textura para expandir su horizonte artístico. Él comparte que la inspiración proviene de la arquitectura, hitos vibrantes, música y varias otras formas de arte, relacionadas con las técnicas fauvistas. Después de mudarse a Hollywood en la década de 1990, Swenson encontró una pasión en el cine y comenzó a producir documentales y promociones para otros artistas, curadores y coleccionistas de bellas artes. Su arte se enfoca en celebrar la cultura y el arte del sur de California y cómo siempre se está desarrollando como él.

Swenson nació en Honolulu, Hawaii, pero se mudó poco después. Aunque nunca tomó una clase de arte antes de la universidad, se graduó con un título en Bellas Artes después de asistir tanto a la Universidad de Texas en San Antonio como a la Universidad Brigham Young en Utah. Al recibir su título, Swenson pasó a formar una sociedad cinematográfica, produciendo más de 600 cortometrajes, además de producir y dirigir cuatro largometrajes narrativos y un documental. Swenson también ha fotografiado incansablemente inauguraciones de arte en Southland, llevando ardientemente el medio a la vista del público mientras captura a artistas, coleccionistas y entusiastas in situ. En 2001, se mudó al sur de California. A través de su énfasis en la documentación de la escena artística de Los Ángeles, Swenson centra gran parte de su atención en llevar la conciencia pública al ámbito del arte como una experiencia cultural.

Jane Szabo: sentido del yo y reconstrucción del yo
 

Jane Szabo siente pasión por la condición humana y estudia las formas en que vivimos hoy, cómo nos relacionamos entre nosotros, cómo nos sentimos acerca de nuestra identidad como individuos y cómo encaja colectivamente como comunidad. Szabo fusiona las fabricaciones cotidianas con la fotografía conceptual en una serie de autorretratos como un medio para interpretar la complejidad psicológica de lo que es ser humano. En su serie Sense of Self, Szabo utiliza autorretratos en movimiento contra una pared con patrón de arlequín para transmitir problemas de control sobre sí misma y sobre el entorno externo, revelando su propia vulnerabilidad. Mediante el uso de elementos como la luz y el movimiento, pretende capturar una sensación de caos y la lucha interna por mantener el orden, así como los conflictos que ocurren en el proceso. También crea imágenes de naturaleza muerta, utilizando objetos inanimados para retratar una historia que invita a los espectadores a dibujar su propia interpretación del significado, generalmente relacionado con sentimientos de alienación y soledad. Explora cuestiones de identidad a través de la yuxtaposición de moda, escultura, instalación y fotografía, buscando resaltar el equilibrio necesario entre uno mismo y el mundo exterior en su serie Reconstructing Self. Szabo tiene experiencia como pintora y artista de instalación con algo de experiencia en la creación de decorados y decorados personalizados, lo que continúa contribuyendo a su estilo artístico.

Jane Szabo es una fotógrafa de Los Ángeles conocida por su galardonada fotografía de bellas artes. Su trabajo ha sido publicado y revisado en The Huffington Post y Los Angeles Times. La fotografía de Szabo se ha mostrado en múltiples exposiciones en instituciones como: Oceanside Museum of Art, Griffin Museum of Photography, Colorado Center for Photographic Arts, PhotoSpiva, San Diego Art Institute, The Los Angeles Center for Photography, Orange County Center for Contemporary Art y Gallery 825 en Los Ángeles. En 2014, su trabajo Sense of Self se presentó como una exposición individual en el Centro de Arte Digital de Los Ángeles. En 2016, su trabajo Sense of Self y Reconstructing Self se mostraron como un conjunto combinado en Arizona bajo el título Investigating Self.

 
Nataša Prosenc Stearns: Primavera nocturna

La artista local de California, Nataša Prosenc Stearns, trabaja con películas, videoarte, instalaciones y grabados para explorar el cuerpo humano en yuxtaposición con los mundos natural y tecnológico. Stearns entrega piezas gravitantes que revelan su pasión y deseo por el potencial no descubierto del cuerpo humano. Trabajando con los efectos de la ansiedad y la angustia con un ciberespacio sin cuerpo, el enfoque de Stearns en el cuerpo humano se profundiza a medida que continúa encontrando un significado más complejo que relaciona la tecnología con la vida física. A medida que su estilo progresaba, gradualmente comenzó a involucrar a su propio cuerpo, descubriendo nuevas ideas para su creciente pasión. Night Spring , presentado en la Bienal de Venecia 2015, consiste en un video HD monocanal con una serie de impresiones digitales. El video está compuesto por un géiser que eventualmente se erosiona debido a los efectos naturales que revelan una forma humana. Combina formas orgánicas con inorgánicas que son ambos sujetos de transformación, al tiempo que exhibe sus abstracciones simultáneas.

Nataša Prosenc Stearns nació en Eslovenia y comenzó sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Eslovenia. Se mudó a California como becaria Fulbright para seguir su Maestría en Bellas Artes en el Instituto de Artes de California. Desde que completó su educación, ha recibido la Beca Soros y la Beca de la Fundación Durfee, entre otras. Stearns ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, así como proyecciones de películas y conferencias. Su trabajo se ha mostrado a nivel internacional en la Feria ARCO de España, el Museo de Arte Douloun en Shanghai, el Museo de Arte de Tel Aviv en Israel y numerosos espacios en los Estados Unidos. Stearns reside actualmente en el sur de California, donde continúa trabajando.

Vea o descargue el catálogo de la exposición Artista como tema haciendo clic en la imagen de portada o aquí .