Paisaje Contemporáneo:

Del desierto al mar

22 de noviembre de 2014-11 de enero de 2015
J. Bennett Fitts

J. Bennett Fitts

Sant Khalsa

Sant Khalsa

Carol Sears

Carol Sears

Jill Sykes

Jill Sykes

Kim Abeles

Kim Abeles

Hollis Cooper

Hollis Cooper

Julius Eastman

Julius Eastman

Kelly Berg

Kelly Berg

 
 
 
 
 
 
 
 
Estar aquí y allá comisariada por Sant Khalsa

Estar aquí y allá presenta obras fotográficas de veintiséis artistas cuyas imágenes se derivan de su experiencia individual y contemplativa del lugar. Situadas entre una variedad de topografías y ecosistemas desde el desierto hasta el mar, cada una de sus obras creativas nos brinda una vista y perspectiva únicas de un paisaje espectacular, como ningún otro. Estos artistas son topógrafos contemporáneos, que buscan representar y dar sentido a este lugar donde vivimos.

Para muchos artistas, el “lugar” influye profundamente en sus ideas, procesos y producción y esto sin duda se refleja en el trabajo de estos artistas. Su visión es diversa y vasta como el paisaje y la gente del sur de California, que se caracteriza por conglomerados urbanos poblados y expansión suburbana, autopistas congestionadas, lugares de trabajo abarrotados, centros comerciales y parques de diversiones en contraste con el océano aparentemente infinito, montañas imponentes, desiertos expansivos, inmensos cielos azules y tranquila soledad. Vivimos en un clima delicioso donde la vida al aire libre se da por sentado, pero nos preocupan los terremotos, las sequías, los incendios y las inundaciones. El destino que hemos manifestado en el oeste americano, y más específicamente en el sur de California, está plagado de contradicciones y complejidades. Nos despertamos cada mañana sintiéndonos afortunados de vivir en el paraíso. Sin embargo, a medida que avanza nuestro día, recordamos las acciones de la historia y las cicatrices que dejaron en la tierra.

El trabajo de cada artista en la exposición es distinto en su concepto, contenido y enfoque, lo que nos brinda la oportunidad de ver y comprender el significado de lo cotidiano, lo que es extraordinario dentro de la experiencia de uno, así como lo ordinario y a menudo pasado por alto. Los temas de estas fotografías varían mucho con ciertos artistas obligados a abordar nuestro impacto humano en el mundo natural y los problemas ecológicos, incluido el uso y la escasez del agua, la calidad del aire, el desarrollo de la tierra y los detritos de nuestra cultura de consumo, mientras que otros se centran en la estética visual, la la belleza de la luz y el color y las yuxtaposiciones a veces armoniosas de la naturaleza y el entorno construido.

Para varios artistas, la experiencia del tiempo, capturar el momento fugaz ilusorio o extenderlo, es primordial para sus preocupaciones artísticas. Las obras de arte que recuerdan historias y recuerdos junto con premoniciones del futuro sugieren que reflexionamos sobre nuestros actos e inacción humanos en la tierra y en nuestras comunidades. La demarcación y la creación de límites ambiguos también se exploran a medida que atravesamos terrenos en disputa. Si bien la mayoría de los artistas optan por dejar intactos los sitios de sus fotografías, hay algunos que alteran la escena o intervienen de distintas formas o incluso se colocan dentro de la imagen. Además, se incluyen artistas que han alterado y agregado a la superficie de la fotografía, cortando, raspando y cosiendo para definir mejor sus ideas, el tema y el carácter de su trabajo para demostrar la amplitud de enfoques entre los artistas que trabajan hoy. Finalmente, las imágenes se componen a la perfección para presentar detalles asombrosos y espacios expansivos, mientras que otras obras se producen con múltiples fotografías ensambladas para replicar la experiencia visual y perceptiva del artista del tiempo y el espacio.

Estas obras fotográficas se desarrollaron a partir del impulso creativo de cada artista para articular visualmente y transmitir su visión independiente de nuestro extraordinario paisaje del sur de California. Claramente evidente es su experiencia como observadores perspicaces y poetas visuales que saborean y capturan artísticamente la experiencia de estar presentes en este lugar que llamamos hogar.

- Sant Khalsa

Sant Khalsa: Pavimentación del paraíso

A menudo me refiero al río Santa Ana como "mi río". Nunca pretendiendo "mi" aludir a la propiedad o al control, sino más bien a una relación íntima que uno desarrolla con el tiempo con un amante o un viejo amigo querido. El río Santa Ana sirve como fuente de sustento vital para mi cuerpo, mente y espíritu creativo. El río es la fuente de vida que nutre la tierra y cada célula viva de la comunidad donde resido. El río me ha enseñado la interdependencia crítica entre los humanos y el mundo natural y me inspira a hacer un arte que refleje mi experiencia de vida y mi relación con el lugar.

He estado fotografiando el río Santa Ana de 96 millas de largo y su extensa cuenca durante casi tres décadas. Mi trabajo tiene como objetivo crear un espacio contemplativo donde uno pueda sentir las conexiones sutiles y profundas entre ellos, el mundo natural y nuestros entornos construidos. Mis fotografías, a menudo inquietantes, abordan problemas ambientales y sociales complejos y reflexionan sobre mis diversas ideas sobre mi / nuestra relación con el río, como lugar de comunidad, recurso económico, sitio recreativo, hábitat natural, santuario y fuente de vida y destrucción.

Paving Paradise se refiere al estado actual del río y al terreno conflictivo de lechos de ríos naturales y presas, llanuras aluviales y comunidades de hogares, humedales ribereños y canales de concreto. Primero me atrajo Santa Ana por su belleza natural: el vasto paisaje abierto, la crudeza de sus lechos de ríos a menudo secos y el poder de sus ocasionales aguas torrenciales. El río sigue siendo una fuente de inspiración creativa mientras sigo representando el papel fundamental que desempeña en la región, mi hogar desde 1975.

—Sant Khalsa

Carol Sears: Paisajes lineales

La artista Carol Sears, residente en Los Ángeles, nació en Sydney, Australia en 1942. A principios de la década de 1960 estudió en el prestigioso Julian Ashton Studio de Sydney. Sears se mudó a San Diego en 1965, donde trabajó en el departamento de arte recién establecido de la Universidad de California en San Diego. Allí entró en contacto con artistas experimentales como John Baldessari, Miriam Schapiro, Harold Cohen y Newton & Helen Harrison. Desde 1972, cuando se mudó a Los Ángeles, Sears estudió dibujo natural en UCLA y escultura en el estudio de Claire Hanzakas mientras exhibía y perseguía su propio trabajo de estudio independiente.

La educación artística clásica de Sears en Australia y su formación en idiomas más modernos en California se traducen en obras de arte muy expresivas superpuestas con la influencia de maestros modernos como Matisse, Picasso y de Kooning. Pintó una amplia gama de temas: desde retratos y figuras hasta paisajes de estudio y al aire libre, temas florales y de vida silvestre y cualquier otra cosa que pensara que a los demás les gustaría. Sears señala que “fue una carga poder trabajar en cualquier estilo o medio que quisiera y busqué redefinir mi camino en base a mis primeros años como joven artista que apareció por primera vez en la Escuela de Arte Julian Ashton en Sydney, inocente, idealista y libre de equipaje ".

MOAH se complace en presentar este nuevo cuerpo de trabajo, donde Sears se esfuerza por retener los tesoros de una vida larga, plena y creativa acumulada a través de décadas de experiencia, pero para usarlos con la claridad de la mente joven. Es un equilibrio que busca; estar centrado pero espontáneo; dar la bienvenida a los “accidentes” y ser intuitivo, en contacto con el inconsciente y el yo natural; para disfrutar del descubrimiento. Linescapes es un registro visual de este nuevo comienzo. La exposición engloba todo lo que ha hecho, visto y querido hacer a lo largo de su carrera artística, pero que nunca pudo darse el permiso antes de este momento. Sears no está solo en esta lucha. Al contar su historia y pintar sus pinturas, Sears da permiso a los artistas que pueden resistirse a encontrar sus propias voces en un mercado del arte impulsado por el comercialismo en lugar de la innovación. Las abstracciones de Sears representan su vocabulario personal, una voz independiente de luz, escala, color y textura notables que llega a través del espíritu de la intuición y camina hacia su propia luz.

Sears explica un profundo sentimiento de pertenencia cuando pinta en su estudio: “Me siento completa cuando estoy en mi estudio con mis lienzos y cuadernos de dibujo, interpolando y traduciendo los recuerdos e impresiones de mi Australia natal. Los símbolos y metáforas de mi arte reflejan las cualidades de textura, luz y color particulares del inmenso paisaje marino y paisaje australiano. A estas influencias he agregado mi aprecio por otros paisajes y la estética y valores de otras culturas obtenidas de mis viajes por el mundo ”.

Sears está representado por Coagula Curatorial en Chinatown, Los Ángeles y ha disfrutado de exposiciones individuales en Lawrence Fine Art - East Hampton, Nueva York y exposiciones grupales en Andrew Shire Gallery, Los Ángeles CA, TAG (The Artists Gallery) Santa Monica, CA y UCLA Departamento de arte. Sears sigue viviendo y trabajando en Los Ángeles.

Hollis Cooper: In Flux

El trabajo del artista con sede en Los Ángeles Hollis Cooper se extiende a ambos lados de la línea entre la instalación, el dibujo y la pintura específicos del lugar. La práctica de Cooper involucra el espacio perceptivo, pictórico y físico en formas influenciadas por conceptos de realidad virtual y el barroco, donde múltiples modelos espaciales que se han plegado y empalmado entre sí coexisten en armonía. En estos hiperespacios, Cooper reintroduce elementos de exceso y teatralidad barrocos, como el color intenso y las señales visuales que rompen el plano bidimensional. El enfoque de Cooper hacia la creación de un espacio pictórico está íntimamente relacionado con la capacidad del espectador para activar ese espacio, que incluye no solo las superficies planas de los elementos pintados, sino todo el espacio arquitectónico en el que reside la instalación. Se anima al espectador a interactuar de formas no convencionales; el movimiento, los cambios en la distancia y los cambios en la línea de visión son recompensados. De una manera que recuerda al ilusionismo barroco, se crean múltiples miradores privilegiados donde la obra se asienta en configuraciones perceptuales predeterminadas. Estas pinturas no se quedan quietas; en cambio, existen dentro de una matriz receptiva que rechaza un compromiso tradicional y más fijo con la idea del objeto pintado.

La práctica actual de Cooper se basa en los principios del supermodernismo; específicamente, ideas de "no lugar". Su material de origen proviene de dibujos digitales de arquitectura teórica: representaciones de salas de chat en 3D, entornos de videojuegos y "no lugares" físicos como aeropuertos y estaciones de tren. En lugar de considerar los "no lugares" como espacios transitorios que carecen de contenido o significado, los considera como lugares de posibilidad infinita.

A través del proceso de digitalización, Cooper separa estos dibujos originales de un estado fijo y se enfoca en su mutabilidad y evolución. Considera que estos dibujos son un lenguaje en sí mismos, un elemento fundamental utilizado universalmente a lo largo de su trabajo y explota la flexibilidad de su formato vectorial original para hacerlos funcionar a escalas extremas y en múltiples medios. Como paisajes expansivos, las instalaciones funcionan a la mayor escala, pero ensambladas modularmente in situ, responden al entorno arquitectónico interior en el que existen, activando el espacio de una manera que niega la "no-ubicación" del blanco del museo. paredes, aunque solo sea por la duración de la exposición. Las animaciones, en su constante estado de cambio, hacen referencia a la naturaleza transitoria de las fuentes originales y operan en el espectador de una manera decididamente diferente, ya que se convierten en mundos en sí mismos, sacando al espectador del momento, por un momento.

A lo largo de su trabajo hay una sensación de fractura, movimiento y reforma en la forma en que se superponen y pintan las instalaciones, así como en el caos controlado de la animación. Este ciclo también ocurre en el estudio, ya que ella remezcla iteraciones de forma a medida que se construye cada pieza. Así, a estas obras que comenzaron como una catalogación de no lugar se les imparte sentido a través de la (re) inscripción rítmica de su propia historia. Para todos los aspectos del trabajo, ya sean físicos o virtuales, existe una sensación de capacidad de respuesta, de negociación, de empujar y tirar. Cooper tiene la intención de que estas obras tengan una estética tanto de máquina como humana, convirtiéndose en una especie de creación de cyborg que no es solo una exploración formal de conceptos espaciales, sino la progenie orgánica de ellos: una evolución de la forma, en respuesta a la computadora, a su yo. y su entorno.

Kim Abeles: cielos compartidos

El trabajo del artista multidisciplinario radicado en Los Ángeles, Kim Abeles, incluye muchos géneros e involucra a especialistas en diversos campos de estudio y grupos comunitarios de todas las edades. Trabaja en proyectos en todo el mundo y mantiene una mente abierta a múltiples modos de arte visual. Abeles se centra en temas que incluyen el medio ambiente urbano, el feminismo, el envejecimiento, el VIH / SIDA, el trabajo, la salud mental y la memoria colectiva.

A lo largo de los años, Abeles ha adquirido un conjunto de habilidades excepcionalmente amplio para la creación artística. Técnicamente, crea a través de una gama ilimitada de materiales y, conceptualmente, el desarrollo de su trabajo aumentó su interés en la comunidad, los espacios públicos y la relevancia del arte para la sociedad. En 2012, sus revistas, libros de artistas y objetos relacionados con el proceso se archivaron en el Centro de Arte + Medio Ambiente de renombre internacional en el Museo de Arte de Nevada. La preparación de estos materiales le dio una nueva perspectiva sobre la relación entre los temas biográficos y ambientales en su trabajo. A medida que avanzaba su trabajo, la interrelación entre el arte y la comunidad se ha vuelto fluida. Abeles señala: “El arte que proporciona al espectador representaciones significativas de la naturaleza y la sociedad está al servicio de volver a involucrar a una persona con el mundo físico; aquí es donde el cambio positivo tiene la posibilidad de tener lugar. Si uno no ama al mundo, esa misma persona no imaginará la necesidad de protegerlo ".

En la serie Shared Skies, Abeles invita a personas de todos los ámbitos de la vida, de todo el mundo, a enviar una fotografía del cielo en su parte del mundo. Abeles selecciona de las presentaciones y crea las franjas horizontales del cielo como una especie de archivo de la atmósfera y el elemento que todos compartimos: el aire. Shared Skies habla de las conexiones entre lo global, lo local y lo personal. Cuando las personas miran hacia el cielo cada mañana, durante el día o cada noche, el cielo habla de sus preocupaciones personales y locales. En un sentido global, observamos los efectos de nuestras decisiones ambientales y podemos encontrar una comunidad a través de un cielo sin fisuras. Desde las salinas de Bolivia hasta Grand Forks en los Estados Unidos y Maasai Mara, Kenia hasta Pine Ridge, la tribu Oglala Sioux, nuestros cielos retratan las partes conectadas de nuestro lugar en esta tierra.

Las fotografías del cielo para el proyecto se recopilaron a través de los viajes de Kim Abeles; de artistas que participaron mientras viajaban; y amigos internacionales a través de las redes sociales. Cada cielo se identifica con la ubicación específica y el nombre de la persona que tomó la fotografía. Las fotografías del cielo representan países desde el Ártico hasta la Antártida y todos los continentes.

El proyecto fue originalmente encargado por la YMCA, en asociación con la antigua Agencia de Reurbanización Comunitaria de la Ciudad de Los Ángeles, California, para una obra de arte pública. Las esculturas suspendidas con los cielos están instaladas permanentemente en el vestíbulo y la entrada al nuevo YMCA de la familia Anderson-Munger en Koreatown. El arte describe literalmente la naturaleza global de la YMCA y las conexiones de las personas en todo el mundo al tener en su núcleo imágenes de cielos que se encuentran en todo el mundo. La exposición de grabados se exhibió en la galería del Centro Nacional de Investigación Atmosférica ubicada en el edificio IM Pei en Boulder, Colorado durante la primavera de 2014.

Abeles creó 60 Days of Los Angeles Sky Patch (Vista hacia el este) mediante la construcción de un artilugio simple para ver una sección del cielo a través de una pequeña abertura. Cada día, durante sesenta días, hizo una pintura para que coincidiera con el color del cielo de este lugar del cielo mirando desde el centro de Los Ángeles hacia Riverside, California. Las sesenta pinturas son el resultado de ese proceso y una curiosidad por el azul celeste.

Entre sus muchos honores, Abeles ha recibido la Beca Conmemorativa Guggenheim, el Fondo Fiduciario J. Paul Getty para las Artes Visuales, la Fundación Comunitaria de California, la Fundación Pollack-Krasner y el Consejo de las Artes de California. Es becaria de artes visuales Lucas 2014/15 en el Montalvo Arts Center. Ha creado obras de arte junto con una gama única de colaboradores, como la Oficina de Reparación Automotriz de California, el Centro de Ciencias de California, el Departamento de Salud Mental y los museos de historia natural en California, Colorado y Florida. En 1987, innovó un método para crear imágenes a partir del smog en el aire, y Smog Collectors llevó su trabajo a la atención nacional e internacional. Ha expuesto en más de 20 países, incluidas instalaciones a gran escala en Vietnam, Tailandia, República Checa, Inglaterra, China y Corea del Sur. Kim Abeles: Encyclopedia Persona AZ realizó una gira por Estados Unidos y Sudamérica patrocinada por la Agencia de Información de Estados Unidos. Tiene una maestría en arte de estudio de la Universidad de California en Irvine y una licenciatura en pintura de la Universidad de Ohio.

Preguntas y respuestas con Julius Eastman: State of Wonder

P: ¿Cuál es su experiencia?

Como artista autodidacta, el arte siempre ha sido un escape para mí, algo que te aleja. Ha sido parte de mí desde que tengo memoria. Cuando era niño y crecía en el desierto alto, pasaba mucho tiempo al aire libre. El desierto era un lugar donde mis amigos y yo podíamos ir a cavar lugares subterráneos, esculpir complicados carriles para bicicletas; esencialmente hacer lo que queramos. Lancaster no siempre fue un lugar donde un adolescente realmente pudiera hacer mucho, especialmente por mí, ya que estaba en el borde más sórdido de la ciudad; el desierto era lo que había. He pasado toda mi vida en el desierto y todavía me fascina.

P: ¿En qué estás trabajando actualmente?

Para esta exposición estoy trabajando en nuevos paisajes con acrílicos sobre lienzo y Bristol. Uno en particular muestra la influencia que Los Ángeles, el graffiti y el arte urbano han tenido en mi trabajo; también describe la crisis del agua a la que nos enfrentamos como región. Además, estoy colaborando con un escritor en un conjunto de imágenes abstractas. La idea es emparejar cada una de las pinturas con el texto para crear una narrativa más específica. También estoy trabajando en un proyecto de instalación de tamaño decente; Otro esfuerzo colaborativo que será una combinación de muebles reutilizados cortados en pedazos, figuras diminutas y objetos a escala en una serie de habitaciones diminutas que representan la vida en el desierto con personas y animales.

P: ¿Qué fuentes usas para crear tus piezas?

La mayoría de las imágenes de mis piezas, y en numerosos casos, provienen de mi memoria colectiva de un área que estoy tratando de recrear en lugar de utilizar fotografías de archivo. Como pinto principalmente a partir de imágenes mentales y de memoria, trato de estar en esos elementos tan a menudo como puedo. Aunque admito que utilizo alguna referencia, colecciono fotos más para la memoria que para uso posterior. Estudio cosas y hago bocetos y dibujos de cosas que veo en la naturaleza, realmente disfruto creando una impresión de esas cosas. Vi este video de flores floreciendo en un tiempo acelerado y me parecieron fuegos artificiales estallando en el aire. Quería capturar eso y me hizo mirar las plantas y pintarlas de diferentes maneras. La memoria está sesgada y lo impregna todo de una capa saturante de sentimientos que no se pueden separar fácilmente de una imagen generada a partir de la memoria y a mano. Cuando una persona hace algo a mano, automáticamente está sujeta a la misma fragilidad y defectos que tiene la gente; es innatamente humano. Una foto puede capturar un momento o mostrarnos puntos de vista que la mayoría podría haber pasado por alto y también se necesita cierta mente para hacerlo, pero crear esa imagen a mano es un viaje completamente diferente. Desde mi punto de vista, la tecnología, una herramienta tan valiosa como se ha convertido, también nos está quitando algo. Es como si estuviéramos, conscientemente o no, usando la tecnología como una herramienta para eliminarnos de todos y cada uno de los aspectos de la vida cotidiana, incluso del arte.

P: ¿Qué temas persigue en su trabajo?

Como paisajista, los altos desiertos de la región occidental han tenido un gran impacto en mi trabajo. Aquí hay extraños microclimas y condiciones duras que producen plantas que tienen un carácter increíble en comparación con las plantas que han crecido en condiciones más estables. Tenemos vientos fuertes, temperaturas extremas y sequías; Combine eso con el El Niño ocasional y tiene organismos que han sido moldeados por un entorno impredecible, organismos que han pasado por algo y se parecen a él. He estado en casi todos los parques estatales de California y en todos los principales parques nacionales de la región y, en mi opinión, no hay otro bioma que proporcione más interés. A simple vista, el desierto parece ser poco más que unos pocos arbustos de salvia o árboles de Josué y no mucho más, sin embargo, tiene una de las mayores densidades de vida de cualquier bioma. Nada se desperdicia ni se da por sentado y esa es la lección que la humanidad puede aprender. A medida que avanzamos hacia la tecnología y nos alejamos del instinto, estamos perdiendo nuestra conexión espiritual con la tierra. Cada pequeña cosa es parte de una red de vida infinitamente elaborada que está delicadamente equilibrada. Cómo la vida de una persona puede verse afectada por algo tan insignificante para nosotros como una hormiga puede parecer imposible y, sin embargo, la ciencia cotidiana lo justifica a medida que descubrimos cuán interconectados estamos y cuánto dependemos de la tierra y de sus criaturas; una forma de vida depende de otra y así sucesivamente. Todos los seres vivos eventualmente se vinculan con nosotros, sin mencionar que tenemos el mayor impacto de cualquier criatura y estamos entre los más numerosos.

P: ¿Cómo aparecen estos temas en su trabajo?

¿Cómo pueden no hacerlo? Por mucho que trato de tener una idea sólida de lo que quiero hacer como pieza, al final, cuando me despierto y corro las cortinas y está amenazando con llover, entra en la pieza. Es una reacción instantánea. El clima en el AV tiene un cierto brillo melancólico que siempre me ha atraído, así que lo pinto tratando de transmitir ese sentimiento. ¿Conoces la sensación de estar en el desierto y necesitar tanto la lluvia que podrías llorar cuando lo hace, o cómo el viento puede soplar en todas direcciones a la vez aquí de alguna manera? Siempre parecemos tener el límite de todos los patrones climáticos que nos rodean, pero nunca el golpe completo. Combina estos elementos con mi fascinación por la escena artística underground de Los Ángeles, o al menos todavía estaba bajo tierra en ese momento, y obtienes estas impresiones de un área con toques de Los Ángeles. Mi primera exposición al arte de "Los Ángeles" fue a través del arte del graffiti, recuerdo que fui a Hollywood a ver Melrose Ave. Estaba con algunos amigos y habíamos ido por un callejón justo al lado de Melrose y vi formas de expresión que no se "enseñaron" en clases de arte o discutido en los libros de arte que había visto. Me quedé asombrado. Tampoco se limitaba a los callejones, había arte en todas partes; parte de ella se encargó en tiendas y en los escaparates de las tiendas, y parte de ella se hizo al estilo de la guerrilla: lo que significa que se grabó en las aceras, se pegó en todas las superficies disponibles con adhesivos o se pegó como pequeños carteles y aunque eran miles de diferentes personas, había un hilo conductor que lo hacía urbano que realmente no puedo describir excepto para decir, que cuando lo viste sabías que era exclusivamente urbano. Ahora, por supuesto, estas cosas se han abierto camino en la sociedad en general, quiero decir, puedes ver arte de estilo graffiti en una lata de Mountain Dew o en un espectáculo para niños, está en todas partes. Ya no es clandestino, pero la misma mentalidad que generó el arte de guerrilla es el mismo movimiento que continúa empujando cada sobre desde los callejones hasta la pared de una galería.

P: ¿Cuáles son tus objetivos como artista?

Poder seguir pintando y mostrando trabajos tan a menudo como pueda. Creo que no soy diferente a cualquier artista en el sentido de que me encantaría que el arte sea algo que me apoye y planeo llevar esto tan lejos como pueda en ese sentido. En un nivel más personal, quiero perfeccionar la capacidad de expresar algo que pasa de mí a otra persona y no quiero que sea un valor de choque; Quiero que sea obvio y frágil como lo es la gente. Quiero hacer pinturas de paisajes que capturen la sensación de un área y que reflejen la belleza única que tienen tantas áreas de nuestra región. Quiero que la gente pueda oler el aire húmedo del desierto cuando vean una de mis obras. Quiero que el arte siga siendo algo que me cautive.

Jill Sykes: Bosque de Yucca

Jill Sykes se centra en las siluetas de las plantas y los espacios negativos entre las ramas y las hojas. Basándose en este trabajo, hace unos años recibió el encargo de diseñar un “patrón” general de sombras de hojas de sicomoro que se pulieron con chorro de arena en las paredes exteriores de una nueva casa, Sycamore House, en construcción en Pacific Palisades; los árboles de yuca MOAH siguen un concepto de diseño similar. Para las ventanas de la “Caja de joyas”, decidió centrarse específicamente en las plantas autóctonas del desierto de Mojave. Conduciendo de un lado a otro por las carreteras entre Los Ángeles y Lancaster, las yucas altas y majestuosas están por todas partes. Comenzando con algunas fotografías espontáneas de iPhone, Sykes acumuló docenas de imágenes de los árboles. Esta investigación fotográfica se convirtió en la base para los dibujos que finalmente se tradujeron en 18 siluetas de árboles de aproximadamente 10 'de altura recortadas en vinilo blanco y adheridas en el interior de las ventanas del “Joyero”. Agrupados en el vidrio, el artista imaginó un "Bosque de Yucca", con flores blancas enormes y de encaje en varias etapas de desarrollo flotando en el aire por encima y más allá de las yucas en flor. También estaba fascinada por los árboles esqueléticos altos y quemados, hermosos y retorcidos centinelas que mostraban la edad y la descomposición en el desierto. El contraste fue sensual y dramático. Mirando de cerca el interior del museo, el espectador podrá ver las formas abstractas y amorfas que finalmente forman los árboles individuales; vistas desde la distancia en la calle de abajo, las yucas recortadas se superpondrán entre sí y crearán más profundidad visual, cambiando siempre dependiendo de dónde se encuentre uno.

Sykes se siente atraído por los espacios negativos de ramas y hojas; la elegancia y la energía de las formas naturales y el diálogo visual entre figuración y abstracción. El patrón aleatorio de las sombras incumbentes y los contrastes inherentes proporciona un push-pull expresionista, creando un flujo lírico en las formas que tejen una red a través de una superficie sensual y translúcida. En última instancia, lo que Sykes se ha dado cuenta de su trabajo es que se trata de una búsqueda de una especie de serenidad, un lugar seguro. Rene Magritte dijo una vez: "Estoy pintando un lugar donde quiero estar".

Jill Sykes nació y se crió en Los Ángeles y completó su formación artística formal en Otis Art Institute en Los Ángeles y en la Academy of Art / Lone Mountain College en San Francisco. Trabajó como diseñadora gráfica e ilustradora en los campos del cine y la publicidad empresarial, la animación y los medios educativos, además de diseñar e implementar innumerables logotipos corporativos. Con el tiempo, su trabajo se centró en la pintura y, a finales de la década de 1990, se matriculó en la Escuela de Diseño, Arte y Arquitectura de Santa Mónica. Esto la llevó a su trabajo actual en óleos, grabado y ahora vinilo, todas exploraciones de color, forma, movimiento y estado de ánimo.

Kelly Berg: trascendencia peligrosa

En Dangerous Transcendence, las pinturas de la artista Kelly Berg recorren el borde irregular entre la belleza y la destrucción. Mediante el uso de pintura acrílica, Berg crea superficies gestuales texturizadas con acentos de delicadas líneas esmaltadas. Las pinturas invitan al espectador a misteriosas escenas cataclísmicas en paisajes locales y lejanos. El paisaje local se ve en Vasquez Inferno de Berg, un panorama de incendios forestales que envuelven Vasquez Rocks. Ubicada justo al final de la carretera del Museo de Arte e Historia de Lancaster, esta icónica formación geológica se hizo famosa por su historia de bandidos y la imaginación de la ciencia ficción de Hollywood. De manera similar, en El Diablo de Los Ángeles, el espectador está mirando a través de una ventana enmarcada en acrílico negro grueso y apuntando hacia las colinas ardientes y resplandecientes al este de Los Ángeles. Esta es una escena del verano de 2009 cuando Berg se mudó al oeste de Minnesota a su nuevo hogar en Echo Park. Recuerda salir a la calle por la noche y mirar a lo lejos las montañas detrás de Glendale "ardiendo como el fuego del infierno". Otras pinturas sugieren lugares lejanos: islas volcánicas en el Océano Pacífico, escenas abstractas de rayos y fisuras provocadas por terremotos. Ya sea que represente paisajes cercanos o lejanos, cada pintura presenta al espectador una vista personalizada que casi engaña a uno para que piense que los desastres son un poco más amigables que en la realidad.

La intención de Berg es presentar al público un tema global actual a través de un punto de vista autobiográfico. Los acrílicos iridiscentes y metálicos específicos de estas obras dan una calidad de joya a los fenómenos peligrosos, mientras que la pintura negra gruesa y esculpida sugiere las secuelas. La conexión de Berg con el clima extremo comenzó en su Minnesota natal. A los 12 años experimentó un accidente cercano con un tornado. La artista cita esta experiencia y otros encuentros cercanos como una gran influencia en la nueva dirección de su trabajo.

Además de reflexionar sobre su familiaridad personal con los fenómenos naturales, el conjunto de pinturas de Berg conecta con lo sublime. Definido como una sensación provocada por la percepción de extrema expansividad en la naturaleza, lo sublime a menudo se refiere a experimentar escenas y momentos trascendentes en el paisaje donde el asombro y la maravilla de la naturaleza empequeñece la propia imagen de uno mismo. Los efectos psicológicos de experimentar lo sublime se describen como sentimientos simultáneos de miedo y atracción por el peligro y la grandeza del mundo natural. Las nubes de tormenta premonitorias, los volcanes en erupción y las vistas abrumadoras han sido un tema para los artistas que trabajan con el concepto de lo sublime a lo largo de la historia del arte, como se ve en las obras de JMW Turner, (1775-1851), Albert Bierstadt (1830-1902) y otros de la Escuela del Río Hudson. Berg se basa en este legado al tiempo que lleva su trabajo al presente a través de sus paletas de colores monocromáticos, lienzos de textura profunda y narrativas autobiográficas.

Kelly Berg nació en Concord, Massachusetts en 1986. Su familia se mudó a Wayzata, Minnesota en 1989, donde creció dibujando y pintando desde una edad temprana. Cuando era una joven estudiante, Berg se inspiró en sus viajes a los Parques Nacionales y sus frecuentes visitas al Walker Art Center y al Minneapolis Institute of Art. Berg recibió su licenciatura en Bellas Artes de la Rhode Island School of Design en 2008. Como artista con sede en Los Ángeles desde 2009, Berg ha disfrutado de dos exposiciones individuales en Frank Pictures Gallery en Bergamot Station, Santa Monica. El trabajo de Bergs se presentó recientemente en dos exposiciones de museos "Art for Art's Sake: Selections from the Frederick R. Weisman Art Foundation" en The Barrick Museum (Las Vegas, NV), y "California Art: Selections from the Frederick R. Weisman Foundation" en el Carnegie Art Museum (Oxnard, CA). Berg fue uno de los ocho artistas de Los Ángeles seleccionados por la Asociación de Arte de Los Ángeles / Galería 825 para participar en Simply Perfect Art Project, una residencia artística en el icónico Roosevelt Hotel en Hollywood en 2011. Berg se publica en Whitehot Magazine, OC Weekly, y aparece en la serie de entrevistas Figure / Ground Artist y en la edición de artes del Venice Argonaut Newspaper. Berg es una colección de la Frederick R. Weisman Art Foundation y se encuentra en numerosas colecciones privadas.

Vea o descargue el catálogo de la exposición Paisaje contemporáneo: del desierto al mar haciendo clic en la imagen de portada o aquí.