Flora

9 de mayo - 28 de junio de 2015

Nancy Macko: La abeja frágil

Galería principal

Terry Arena: Crisis simbiótica: noreste

Terraza en la azotea y atrio de entrada

Gary Brewer: secretos y emanaciones

Galería de Wells Fargo

Debi Cable: resplandor

Galería Sur

Candice Gawne : Esencia de lumen

Galería Sur

Lisa Schulte: Esencia del tiempo

Galería sur, parte superior de las escaleras y joyero

Barón de barro: #flowersonyourhead

Galería de la bóveda

Jamie Sweetman: afinidades

Galería de educación

8.000 años de historia de Antelope Valley

Curado por el antropólogo Dr. Bruce Love

Galería Este

Nancy Macko

Nancy Macko

Terry Arena

Terry Arena

Jamie Sweetman

Jamie Sweetman

Gary Brewer

Gary Brewer

Debi Cable

Debi Cable

Lisa Schulte

Lisa Schulte

Mud Baron

Mud Baron

Candice Gawne

Candice Gawne

8,000 Years of AV History

8,000 Years of AV History

Installation Shot

Nancy Macko: La abeja frágil

Desde principios de los noventa, Nancy Macko se ha basado en imágenes de la naturaleza, en particular la sociedad de las abejas, para explorar las relaciones entre el arte, la ciencia, la tecnología y las antiguas culturas matriarcales. Hasta hace poco, combinaba elementos de pintura, grabado, medios digitales, fotografía, video e instalación para crear un lenguaje visual único. Esta combinación de medios le permitió examinar y responder a cuestiones relacionadas con el ecofeminismo, la naturaleza y la importancia de las antiguas culturas matriarcales, así como explorar su interés por las matemáticas y los números primos en particular, en los que se esforzó por hacer explícito, las conexiones implícitas entre naturaleza y tecnología. Desde 2005 desarrolla un cuerpo de trabajo puramente fotográfico que lleva al espectador a un espacio de luz, aire y texturas desconocidas. Usando una lente macro para fotografiar sujetos de la naturaleza desde su jardín a corta distancia, las imágenes se realizan como trabajos fotográficos a gran escala.

Como práctica social, el trabajo de Macko aborda las cuestiones fundamentales de la vida. Ella fotografía el proceso de vida y muerte de las plantas que son una metáfora de nuestra breve existencia. Cada vez más amenazadas por la invasión del desarrollo, las plantas nos recuerdan lo frágil que es todo el ecosistema; por ejemplo, todavía existe una preocupación muy seria sobre la longevidad de las abejas.

Durante dos décadas, Macko ha trabajado con imágenes de abejas y medios de comunicación para imaginar una utopía donde el poder y la fuerza de las mujeres serían reconocidos y celebrados. Las abejas se convirtieron en la metáfora debido a su naturaleza cooperativa y unificada al crear literalmente la colmena, proteger a la reina y buscar comida para alimentar a todos. En 2009, su enfoque se centró en examinar la flora de la que se nutren y con tanta atención a través del proceso de polinización. En esencia, las abejas experimentan pérdida de memoria cuando "desaparecen". La investigación global ha determinado que los pesticidas y fungicidas que contienen neonicotinoides ingresan al sistema nervioso de las abejas cuando polinizan, lo que las hace experimentar una forma de demencia, que luego les impide encontrar el camino de regreso a la colmena.

Grupos de base como SumOfUs han organizado protestas y reuniones para alzar la voz contra los pesticidas que matan las abejas y las corporaciones que los fabrican. Estamos llegando al punto en que nuestro ecosistema global se está esforzando y la amenaza para las abejas se está convirtiendo en una amenaza para todos nosotros. A medida que las abejas mueren, hasta un tercio de los alimentos que consumimos se ven amenazados y los precios de los alimentos ya se ven afectados en todo el mundo.

Friends of the Earth y el Pesticide Research Institute publicaron un informe en agosto de 2013 que detalla cómo algunas plantas de huerto doméstico "aptas para las abejas", como los girasoles, que se venden en Home Depot, Lowe's y otros centros de jardinería han sido pretratadas con pesticidas muy neónicos. demostrado dañar y matar abejas. “La Ley de Polinizadores Save America” está incluida en la próxima Ley Agrícola en el Congreso y la EPA ha publicado reglas y nuevas etiquetas para pesticidas que contienen neonicotinoides (imidacloprid, dinotefuran, clotianidina y tiametoxam). Estas etiquetas incluyen una advertencia especial y prohíben el uso de estos productos donde hay abejas. Si bien esta es una buena señal, no es suficiente. Sabemos que las abejas necesitan más protección y necesitamos más investigación para poder comprender mejor los impactos de estos y otros pesticidas en el hábitat de los polinizadores. A medida que nuestras granjas se convierten en monocultivos de cultivos básicos como el trigo y el maíz, plantas que proporcionan poco polen para las abejas recolectoras, las abejas están literalmente muriendo de hambre. Si no hacemos algo, es posible que no haya suficientes abejas para satisfacer las demandas de polinización de cultivos valiosos.

A medida que la desaparición de las abejas se vuelve cada vez más terrible, el sentido de responsabilidad de Macko para salvarlas y a todos nosotros también ha crecido. Como artista, una de las formas en que Macko aborda este tema es estudiar y fotografiar las plantas que atraen a las abejas en el sur de California y en diferentes regiones del país. Trabajando con plantas nativas del Jardín Botánico Rancho Santa Ana en Claremont, CA, está completando una serie de "retratos" fotográficos. Como jardinera ávida, Macko también ha creado un espacio tolerante a la sequía en su jardín para que estas plantas atraigan a las abejas. En el futuro, quiere continuar documentando y entendiendo la desaparición de las abejas en términos de documentación visual comparativa visitando jardines botánicos en todo Estados Unidos y hablando con curadores, botánicos y horticultores al respecto.

Originaria de Nueva York, Macko recibió sus títulos de posgrado de la Universidad de California, Berkeley. Artista en ejercicio desde principios de la década de 1980, ha producido más de 20 exposiciones individuales y participado en más de 150 exposiciones, tanto a nivel nacional como internacional. Ha recibido más de 30 premios de investigación y logros por su arte. Ha viajado mucho y ha tenido residencias de artistas altamente productivas en el Centro de las Artes de Banff en Canadá y el Musee d'Pont Aven en Bretaña, Francia. El trabajo de Macko se encuentra en numerosas colecciones públicas que incluyen: la Biblioteca Denison y la Colección de Arte Contemporáneo de Samella Lewis en Scripps College; la Fundación Achenbach de Arte Gráfico, Museos de Bellas Artes de San Francisco; Bell Gallery de la Brown University; el Centro Grunwald para las Artes Gráficas, UCLA Hammer Museum; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; Museo de Arte de Mount Holyoke College; la Biblioteca Pública de Nueva York; el Museo de Arte de Dakota del Norte; Museo de Arte de Pomona College; Gilkey Center for Graphic Art, Portland Art Museum y RISD Museum of Art. Macko es profesor de arte en Scripps College en Claremont, CA.

Terry Arena: Crisis simbiótica: noreste

Terry Arena explora la vulnerabilidad de la abeja y, a su vez, nuestras fuentes de alimento a través de dibujos renderizados altamente técnicos. El crecimiento de un tercio de los cultivos que comemos está respaldado por la polinización de las abejas. Esto debe incluir consumibles directos como frutas, verduras y nueces e indirectamente en los cultivos que se cultivan para facilitar la producción de carne y productos lácteos. El papel de la abeja es tan integral para la propagación de cultivos que las abejas son transportadas en camiones a las tierras de cultivo que necesitan polinización. Recientemente, la misteriosa desaparición de las abejas ha sido cubierta en los medios públicos. Aunque se han realizado estudios, las causas de la disminución de la población de abejas aún no son definitivas.

Teniendo en cuenta las ideas de nuestra relación con el medio ambiente y el impacto que tienen las abejas en nuestras fuentes de alimentos, las representaciones detalladas de Arena están dibujadas en latas de comida y materiales reutilizados. La naturaleza reductiva pero analítica de los dibujos de grafito recuerda a los estudios de la naturaleza y los dibujos botánicos de los viejos maestros. Aunque la apariencia y la cantidad de dibujos está algo mecanizada, cada uno es único y está hecho a mano a partir de materiales de origen recolectados.

Terry Arena recibió su maestría en pintura en la Universidad Estatal de California, Northridge en 2009. Recientemente, el trabajo de Arena fue parte de una exhibición de dos personas en el Museo de Arte Carnegie en Oxnard, California y completó una serie de instalaciones móviles ubicadas en un camión de caja el otoño pasado. Además, ha realizado tres exposiciones individuales de sus representaciones de bodegones en grafito en Sinclair College en Ohio y Ventura y Moorpark Colleges en California. Su trabajo ha sido incluido en varias exhibiciones colectivas como Sweet Subversives: Contemporary California Drawings en el Long Beach Museum of Art en Long Beach, City and Self en Red Pipe Gallery en Chinatown, Chain Letter en Shoshana Wayne Gallery en Santa Monica y Revisiting Beauty en el Centro de Arte Contemporáneo del Condado de Orange en Santa Ana. Arena actualmente vive y trabaja en Ventura.

Gary Brewer: secretos y emanaciones

Durante muchos años, Gary Brewer ha estado desarrollando un vocabulario para articular a través de imágenes y metáforas, el misterio y la historia de la vida. Sus vívidas pinturas al óleo presentan temas como: orquídeas, líquenes, corales, polen y semillas, formas de vida biológicas suspendidas en el espacio. Brewer utiliza su complejo diseño y su atractiva arquitectura como metáforas de la historia de la vida en la tierra y de la conciencia humana.

En sus trabajos más recientes, Brewer ha incluido el mapeo de “Materia Oscura”, una estructura gravitacional similar a una red: ordena y organiza las galaxias en cúmulos, una red invisible que estructura el universo conocido. Para Brewer, nuestras vidas son como un entramado en la red oculta de conexiones que nos unen a nuestro pasado y envían zarcillos hacia un futuro resonante con significado.

Brewer afirma: “Me crié en Lancaster. Mi padre fue piloto de pruebas y luego se convirtió en ingeniero en la industria aeroespacial, trabajando para llevar a un hombre a la luna. Cuando éramos niños, caminábamos hasta el final de nuestra calle, que terminaba en el borde del desierto para ver cómo el X-15 llegaba para aterrizar después de bordear el borde de la atmósfera. Fue aquí donde surgieron las primeras reflexiones filosóficas en mi joven mente. Cuando me paré en el pavimento de nuestra calle, estaba en 'civilización', pero simplemente al cruzar el borde hacia la arena del desierto estaba de vuelta en la 'naturaleza' entre los corredores de la carretera, los conejos, los sapos cachondos y las ratas canguro que eran mis compañeros en mis excursiones a la selva. Hay algo extrañamente poético en mi regreso a Lancaster, donde pasé mi juventud, para exhibir obras de arte que aún vibran con esas reflexiones filosóficas de un niño parado al borde del desierto, mirando las estrellas y explorando el universo a sus pies. pies."

Brewer es un artista autodidacta criado en el desierto de Mojave. Ha comisariado dos exposiciones importantes, Ellos; Artistas, científicos y diseñadores preocupados por el mundo entomológico SOMARTS, San Francisco, CA en 1999 y The Age of Wonder; Artist's Engaged with the Natural World Turtle Bay Museum, Redding, CA en 2011. Su trabajo ha sido exhibido en galerías ubicadas en Nueva York, Los Ángeles y San Francisco y están en colecciones privadas, corporativas y de museos en todo Estados Unidos. Vive y trabaja en Los Ángeles.

Debi Cable: resplandor

Debi Cable crea coloridas experiencias de arte inmersivo a través de sus murales fluorescentes pintados a mano. Los temas que a menudo se incorporan incluyen flores, mariposas, geishas y dragones. También crea entornos completos como visiones submarinas, viajes por el espacio y el país de las maravillas de Alicia. Además, sus murales pintados a mano saltan del lienzo a través de su accesorio característico, las gafas 3D ChromaDepth®.

El arte de Debi Cable fue reconocido al principio de su carrera, cuando la nativa de California fue invitada a participar en el prestigioso “Festival of Arts”, en Laguna Beach, California. Luego, después de perfeccionar sus talentos durante varias temporadas en el Laguna Beach Sawdust Festival, las habilidades de acabado falso de Debi se hicieron famosas y fue invitada a Las Vegas para pintar algunos de los hoteles, casinos y residencias privadas más increíbles del mundo. El regreso de Cable a Los Ángeles ha llevado a la restauración detallada de muchos lugares emblemáticos, incluidos Los Ángeles y Palace Theatre en Broadway. Su último proyecto personal, un deslumbrante mural de peces koi con luz negra de 120 pies de largo, está ubicado en el corazón del centro de Los Ángeles en 4th y Main Street.

Debi Cable actualmente vive en la colonia de artistas de cervecería de renombre mundial y es una de las artistas de luz negra más prominentes y emergentes del país. Debi también apoya el crecimiento de sus compañeros artistas al participar en varios comités que promueven y comercializan la vibrante escena artística del centro de Los Ángeles. Anteriormente, cofundadora y curadora de arte de Pershing Square, ahora es la directora de arte de Burning Man Regional para Los Ángeles, lo que le permite atraer una gran atención pública a algunos de los artistas más populares de la actualidad.

Candice Gawne: Esencia de lumen

Candice Gawne es una artista de Los Ángeles que vive y trabaja en San Pedro, California. Desde 1975, sus pinturas al óleo, esculturas de neón y muebles de arte se han exhibido en galerías y museos en Los Ángeles, Nueva York, Washington DC, Berlín, Tokio y Taiwán.

Sus esculturas de neón están inspiradas en la gracia fluida y la variación infinita de formas que se encuentran en los habitantes de los mares y reinos botánicos. A través de la electricidad, los gases nobles criptón, neón, xenón y argón se transforman para iluminar esculturas de vidrio que muestran el color y la energía de la vida. El vidrio, a la vez translúcido y reflectante, contiene la luz a medida que se revelan la forma y la energía. Así, Gawne afirma que “mis sentimientos invisibles de amor por el mundo natural aparecen como 'joyas de luz' en vidrio”.

Para Gawne, la luz también crea un tipo especial de energía abstracta dentro del espacio que describe. Ella usa la luz que entra en la oscuridad para simbolizar un punto de transformación.

Candice Gawne estudió arte en El Camino College y UCLA y se ha desempeñado como educadora de arte en MOCA, LACMA, OTIS College of Art and Design, ISOMATA, Los Angeles Union School District, el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad de Los Angeles y muchos otros. escuelas e instituciones públicas y privadas. Actualmente es una artista docente residente del Arts Council of Long Beach. Tiene trabajos originales en muchas colecciones corporativas, públicas y privadas, incluidas las de Frederick R. Weisman, The Corning Museum of Glass, Charles y Lydia Levy, Doug Simay, Janine Smith, Dr. Cassie Jones, el Cabrillo Marine Aquarium en el puerto de Los Ángeles, el fallecido actor Robin Williams, la bailarina Paula Abdul, la directora Penny Marshall, Stephen Reip y los artistas Eric Johnson, Lili Lakich y DJ Hall.

Lisa Schulte: Esencia del tiempo

Essence of Time (Hidden Beauty) es un cuerpo de trabajo de neón que comenzó como una forma de catarsis para la artista de neón autodidacta Lisa Schulte. Durante un momento de reflexión en su vida, reflexionó sobre lo que era importante para ella y lo que no lo era. Ella cuestionó qué cosas, energías y personas necesitaban colocarse en el pasado para permitirle avanzar hacia el futuro. Reflexionando sobre estas preguntas durante un paseo por la playa, Schulte quedó cautivado por la belleza siempre cambiante de los trozos de madera que habían caído a la orilla. Los cambios fueron infinitos; influenciado por el agua, la arena, las nubes y, por supuesto, la luz. Con estas imágenes en mente, se propuso crear un cuerpo de trabajo que trascendiera ese mismo sentido de cambio y contraste en la experiencia humana.

Schulte afirma: “De principio a fin, la vida es un viaje extraordinario y hermoso lleno de contrastes y contradicciones. Como seres humanos, somos muy parecidos a nivel anatómico, pero únicamente diferentes en función de nuestras experiencias e influencias. Essence of Time es una mirada a este viaje ".

Las obras de arte de neón se crearon con tubos de vidrio de neón de diferentes tamaños que muestran la fuerza y ​​la suavidad de cada pieza de madera seca. Para Schulte, las raíces, ramas y otros materiales "muertos" utilizados, representan el paso del tiempo y nuestra similitud básica. También refleja que hay una belleza en todas las cosas, independientemente de la edad. El gas noble, el argón, refleja cómo la vida nos afecta de manera diferente a cada uno de nosotros; Mientras que cada pieza de vidrio se bombea con argón, con una pequeña gota de mercurio agregado, los colores del blanco, que van desde los blancos más cálidos a los blancos más fríos, muestran que simplemente cambiando el color y la temperatura, una personalidad y / o sensación diferente se consigue a partir de cada pieza.

Para Schulte, la elección de utilizar únicamente neón blanco en esta obra es “un símbolo del comienzo, lo nuevo, la ligereza, el bien y la inocencia, así como la madera elegida representa la belleza del envejecimiento y la fuerza que perdura. "

Nacida en Nueva York y criada en el sur de California, Schulte actualmente reside en Hollywood y trabaja desde su estudio en North Hollywood, California. Su trabajo se ha exhibido en muchas galerías de los Estados Unidos, incluidas exhibiciones en el Museo de Arte de Neón y piezas encargadas para el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. Las imágenes de su obra de arte también se han publicado en muchas revistas de arte en línea, varios libros, revistas y un libro de texto de ciencias para estudiantes de décimo grado. Las esculturas de neón de Schulte también aparecen en muchas colecciones privadas.

Barón de barro: #flowersonyourhead

Mud Baron es agricultor, maestro, activista, artista y genio de las redes sociales. Como director ejecutivo de la granja comunitaria urbana de John Muir High School, Muir Ranch, dirige la única granja de enseñanza práctica de su tipo en el Distrito Escolar Unificado de Los Ángeles. La granja hace que los productos orgánicos frescos y hermosas flores sean accesibles para las comunidades desatendidas e introduce el amor por la agricultura en el sistema de educación pública. Baron y sus estudiantes venden en mercados de agricultores, organizan cenas de la granja a la mesa y ofrecen diseños florales originales de creciente popularidad. Como creador de Plug Mob, un programa gratuito de plántulas principalmente para estudiantes jóvenes, Baron aprovecha las donaciones de las principales empresas de jardinería para ayudar a cultivar más huertos escolares en todo el sur de California.

Ayuda a correr la voz de que este granjero y aficionado a las dalias también tiene una habilidad especial para aprovechar las redes sociales. Ganó el premio Shorty (piense en los Oscar de las redes sociales) en 2012 en la categoría #Comida; y sus cuentas de Twitter e Instagram @cocoxochitl tienen unos 32.000 seguidores combinados. Es una superestrella en la comunidad de Internet de “fotos de flores hermosas”; y eso se debe a que Mud Baron también es artista.

Su proyecto fotográfico interactivo basado en performance, #flowersonyourhead, se desarrolló a partir de la simple comprensión de que todo tipo de personas aman las flores. Lleva ramos exóticos y fragantes de Muir Ranch a lugares públicos, convenciendo a amigos y extraños para que los fotografíen con, como su nombre indica, flores en la cabeza. Desarmante, íntima e históricamente evocadora del arte, esta serie de retratos en curso demuestra que las flores son alimento para el alma y que las semillas del cambio pueden echar raíces en cualquier lugar.

Baron afirma: “Si nos fijamos en las decisiones de desarrollo que toman las empresas y los políticos locales, lo que obtenemos constantemente es un torrente de centros comerciales y concreto. No puedes comer eso. Otras especies tampoco comen eso. Lo que podría parecer un esfuerzo trivial al estilo de Martha Stewart, no lo es. Con #flowersonyourhead, estoy haciendo [el artista ambiental] Andy Goldsworthy, pero incluyo a la gente en mi arte ".

En el futuro, a Baron le gustaría desarrollar una escuela autónoma con un plan de estudios de creación y actualmente está trabajando para recaudar fondos para instalar un nuevo sistema acuapónico en Muir Ranch.

Jamie Sweetman: afinidades

Como jardinero ávido y ex ilustrador biomédico, el mundo natural sirve como una influencia principal en la obra de arte de Jamie Sweetman. Recientemente, se ha centrado en el dibujo, utilizando monotipos en mylar con lápiz de color, tinta y rotulador. Sweetman busca forma y estructura en la complejidad de la naturaleza a través de dibujos en capas que a menudo fusionan la anatomía humana con la vida vegetal. Este proceso se originó con la experiencia y los estudios de Sweetman en disección humana. Ella afirma: “La estructura del patrón de crecimiento de una enredadera de glicina o kiwi es similar a las venas y arterias del sistema circulatorio humano. Ver una sección transversal del cerebelo del cerebro humano revela la forma de un árbol. La similitud continúa cuando miras las ramas de los árboles, los sistemas de raíces, los lechos de los ríos vistos desde el cielo y los relámpagos ". Sweetman también se basa en la geometría fractal como una explicación para estos fenómenos. Según Benoit Mandelbrot, "la geometría fractal juega dos roles. Es la geometría del caos determinista y también puede describir la geometría de montañas, nubes y galaxias".

Sweetman obtuvo una licenciatura en Artes de la Universidad de California, Los Ángeles y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California, Long Beach (CSULB). Ha expuesto en todo el sur de California y está en varias colecciones públicas y privadas, incluidas Paramount Pictures y Saxum Vineyards. Sweetman enseña Anatomía para Artistas en CSULB y la Universidad del Sur de California y Grabado en la Universidad Azusa Pacific. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.

Bruce Love, Ph.D .: 8.000 años de historia de Antelope Valley

Los pueblos nativos están aquí y siempre estuvieron aquí, un hecho fácil de olvidar si pensamos que los indios de California vivieron en el pasado, pero solo han pasado unas pocas generaciones desde que las misiones de California trasladaron a las personas de sus países de origen, y los ganaderos y agricultores se hicieron cargo de los nativos. terrenos de caza y recolección.

Mucho antes del período de la misión de hace solo 200 años, que se remonta a 8000 años (¡y posiblemente 12,000!), Antelope Valley era el hogar de diversos grupos lingüísticos que practicaban el comercio a larga distancia, las redes sociales, la religión, el comercio, la vida del pueblo y todas las señas de identidad. de la sociedad civilizada, incluida la gestión de la tierra y el cuidado de los recursos naturales.

La evidencia de milenios distantes es escasa y muchas veces solo es reconocida por arqueólogos capacitados, pero las tradiciones y culturas de tiempos más recientes son mejor entendidas por los propios pueblos nativos. Esta exhibición intenta salvar ese enorme lapso de tiempo y presentar al visitante los artefactos y la gente, la historia y la cultura, el arqueólogo y el nativo.

El organizador de la exhibición, el Dr. Bruce Love, residente de Antelope Valley que vive en Juniper Hills, tiene un doctorado. de UCLA en antropología y tiene más de treinta y cinco años de experiencia en el sur de California, así como en arqueología, historia y antropología cultural mesoamericana.

Agradecimientos: Wanda Deal, David Earle, David Em, John Fleeman, Dr. Roger Grace, John Kneifl, Roscoe Loetzerich, Lorence, Stevie Love, Rudy Ortega, Jr., Charlee Reasor, Ray Rivera, Jim Rocchio, Peggy Ronning, Carol Sevilla , Richard Suarez, Del Troy, Charles White, Darcy Wiewall, personal de MOAH, voluntarios de AVC.

 
 
 
 
 
 
 
 
 
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