Revolución verde

13 de febrero - 17 de abril de 2016
Jeremy Kidd

Jeremy Kidd

Jeremy Kidd: The Interrupted Landscape

Fawn Rogers

Fawn Rogers

Lynn Aldrich

Lynn Aldrich

Coleen Sterritt

Coleen Sterritt

Christine Mugnolo

Christine Mugnolo

Ann Weber

Ann Weber

LAGI

LAGI

Charles Hood

Charles Hood

HCA

HCA

Green Revolution utiliza el arte y la educación ambiental como un catalizador creativo para llevar vidas más verdes y sostenibles. Patrocinado por Lancaster Choice Energy y sPower, las diversas obras de arte en exhibición incorporarán materiales reciclados; Abordar la agricultura y la jardinería urbanas, el diseño sostenible, la captación de agua y las energías renovables como la eólica y la solar.

Jeremy Kidd: El paisaje interrumpido
 

El artista nacido en Gran Bretaña y residente en Los Ángeles Jeremy Kidd aborda la fotografía de paisajes de manera innovadora, combinando elementos escultóricos y condensando hasta 100 fotografías de larga exposición en una sola obra. Él cree que esta es una forma más cohesiva de expresar un paisaje pictóricamente a una audiencia. La incorporación de elementos escultóricos vigoriza la experiencia visual. A través de este proceso, Kidd explora el movimiento y el tiempo condensado; todo el tiempo ejemplificando lo trascendental y la esencia del lugar en el paisaje urbano o desértico.

“Parece poco realista esperar que una sola toma fotográfica, un solo momento en el tiempo, transmita la experiencia humana de ver”. - Jeremy Kidd

Su obra de arte presenta una visión condensada de múltiples fotografías como metáfora de repetidas miradas perceptivas. Esto, a su vez, atrae al espectador al transmitir una experiencia animada de la dinámica infraestructura natural o urbana. El trabajo actual de Kidd explora la presencia de turbinas de parques eólicos cuya ubicación interrumpe el paisaje natural con una hermosa variedad de formas verticales que poseen una presencia y escala surrealistas. Kidd cree que la combinación de los componentes del parque eólico con su proceso fotográfico generará conciencia sobre las artes y la energía alternativa y pondrá en tela de juicio su ubicación estética. Integrando la escultura con sus fotografías, Kidd incluye réplicas de los molinos de viento que se mueven hacia adelante fuera de las imágenes como objetos sublimes que abrazan e interactúan con el espectador. Las obras intentan explorar nuestra relación con estos paisajes interrumpidos como lugares de renovación espiritual y utilidad funcional.

Jeremy Kidd recibió su licenciatura en Bellas Artes y Escultura en la Universidad Du Monfort en Leicester, Inglaterra. Su trabajo se ha exhibido en Estados Unidos y Europa. Ha aparecido en el New York Times, Los Angeles Times, Art LTD, Art & Text Wired Magazine y The Observer UK. Ha enseñado en el Instituto de Artes de California y en la Escuela de Artes Otis Parsons en Los Ángeles. Tiene próximas exposiciones individuales en Imago Gallery Palm Desert y Panorama Masdag Museum en los Países Bajos.

Lynn Aldrich: Característica del agua / Silver Lining
 

El arte de Lynn Aldrich se inspira en el paisaje, la luz y el color de la naturaleza y en aspectos de diversos entornos naturales, centrándose en objetos familiares del mundo cotidiano y transformándolos estructuralmente para crear un profundo sentido de misterio para el espectador. Los objetos se desvían de la función y se añaden aspectos imaginativos, alterando su estado a un mayor significado, pero no en un sentido teatral. Los objetos deben seguir siendo familiares para el espectador para celebrar y cuestionar lo ordinario en su nueva forma. Crea los nuevos objetos con referencias a la experiencia de vivir en una cultura fragmentada y orientada hacia la artificialidad y el consumismo. El incentivo para su obra de arte es aumentar la percepción y el asombro mientras instiga preguntas poderosas, para crear una plataforma tanto para el análisis conceptual como para la reflexión poética en la mente del espectador. Ella invoca una especie de alquimia transparente que permite que estos objetos ordinarios sigan siendo comunes incluso cuando pueden adquirir un valor más precioso, con un peso metafórico o un significado espiritual.

Lynn Aldrich recibió una licenciatura en Literatura Inglesa de la Universidad de Carolina del Norte, Chapel Hill, y una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California, Northridge y una Maestría en Bellas Artes del Art Center College of Design en Pasadena. Su trabajo se ha exhibido a nivel nacional y en toda Europa. Aldrich es parte de la colección pública del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles. En 2014, recibió el premio Guggenheim Fellowship Award in Creative Arts.

Fawn Rogers: Asunto
 

Fawn Rogers es un artista contemporáneo con sede en Los Ángeles. El interés de Rogers por la entropía, la antropología y la evolución se unen en una baraja de cartas titulada Asunto inspirado en el eje de transmisión de un camión de productos agrícolas y el suelo más fértil (Terra Petra) que se encuentra en California.


La instalación crea una composición proposicional de un sistema cerrado con objetos hechos por el hombre, la naturaleza y el subproducto de la biotecnología. El artista invita a los espectadores a ver crecer las súper malas hierbas del suelo debajo de los ejes de transmisión de camiones repavimentados donde los compuestos orgánicos e inorgánicos alcanzan lentamente el equilibrio químico a través de la sedimentación del tiempo, a medida que la naturaleza restablece gradualmente su equilibrio ecológico más allá de nuestra existencia.


Como parte de la instalación, Rogers invitó a 52 artistas de California a representar productos cultivados actualmente en California como obras de arte en una baraja de naipes de gran tamaño a través de sus propias interpretaciones sabiendo que el agua estaría representada en las cartas comodín. Los artistas representan un amplio espectro, desde muy establecidos hasta forasteros.
La amplia práctica de Fawn Rogers refleja y desafía las interrelaciones entre la naturaleza, las estructuras de poder ideológico y varios modelos de construcciones sociales. Su trabajo ha aparecido en ArtNET News, Forbes Magazine, The Creators Project, Italian Vogue y el Huffington Post.

Charles Hood: Bajo / Agua
 

“La asignación de recursos siempre es un asunto complicado. ¿Quién tiene prioridad si un bien es escaso? El Acueducto de Los Ángeles de 400 millas de largo atraviesa el extremo oeste del Valle del Antílope en su viaje a Los Ángeles, y a plena capacidad, 5,000 galones de agua por segundo rugen a través de sus tuberías bien atornilladas de 12 pies de diámetro. ¿Cuánto de eso se asigna para uso local? Ninguno. En un caso clásico de 'mirar pero no tocar', el agua pasa a toda velocidad y se dirige a ciudades más ricas ". - Charles Hood


Charles Hood busca considerar las declaraciones visuales y políticas que hace este proyecto de ingeniería; su instalación fotográfica examina una porción generosa del propio Acueducto. Las fotos documentales llenan 30 pies de pared de la galería en dos filas paralelas. La mitad superior captura la belleza austera y modernista de la tierra, la tubería y el cielo, creando a menudo dos bandas intensas de color abstracto. Debajo de eso, cada panel tiene un gemelo reflejado, y en esas tomas invertidas, el cielo se convierte en un río paralelo debajo del propio Acueducto principal: el recuerdo o eco de los recursos que se toman de un paisaje y se entregan a otro. La importancia del agua en nuestra vida diaria se explora más a fondo con un paisaje sonoro inmersivo. El sonido llena la galería de una manera sutil y se construye a partir de grabaciones de los usos cotidianos del agua en el hogar (lavarse las manos, cambiar el agua en una pecera) cuando se combina en una experiencia sonora, crea un río auditivo para complementar el visual.


Charles Hood enseña en Antelope Valley College y es investigador en el Center for Art Environment, Nevada Museum of Art. También ha sido artista residente en Playa Foundation, National Science Foundation, Center for Land Use Interpretation y Annenberg Beach House. Su décimo libro, ilustrado por Christine Mugnolo, ganó el premio Kenneth Patchen Innovation Fiction Award 2016 y será lanzado el próximo verano.

Christine Mugnolo: Hidroscape de California
 

Christine Mugnolo busca ayudar a los residentes, visitantes y grupos comunitarios a apreciar el valor del agua, y el ingenio y la complejidad de su infraestructura de suministro, a través de un mapa de acuarela del tamaño de una pared de la red de agua de California que muestra los principales recursos hídricos del estado, instalaciones de almacenamiento y distribución. sistemas. Con conjuntos de datos complejos en capas, este mapa intenta comunicar un concepto simple y apremiante: la enorme y engorrosa discrepancia entre la oferta y la demanda de agua del estado. Si bien los mapas afirman el conocimiento y la autoridad sobre los recursos, también funcionan como emblemas sentimentales del amor por el lugar. California Hydroscape se extiende a ambos lados y navega por ambas operaciones. Al girar el estado 90 grados hacia un lado, este mapa empuja contra dos conceptos implícitos en el icónico estado vertical de California: que California es orgullosamente autosuficiente y que el agua fluye lógicamente de norte a sur.


Este conjunto de paneles pintados a mano combina la práctica del mapeo con la estética de la pintura. Juntos, los paneles de papel crean un mapa legible de California al tiempo que muestran cómo el río Colorado, el acueducto de California, el acueducto de Los Ángeles y los acuíferos subterráneos se combinan para proporcionar agua que tiene entre tres y 10.000 años de antigüedad. La saturación se usa para indicar la edad del agua (colores vibrantes en la fuente y colores menos saturados para el destino final). Además, esto no funciona como un mapa puramente informativo, ya que las propiedades líquidas del medio se explotan para crear transiciones caóticas y dinámicas. Las propiedades de los líquidos están destinadas a hacer referencia a la animación del agua y llamar la atención sobre el mapa como una imagen de la vida útil del agua, más que como un registro objetivo de datos catalogados. Este lenguaje visual visceral compara a California con un cuerpo y sus sistemas de agua con operaciones vasculares que dan vida. De esta manera, Mugnolo utiliza las propiedades sensuales de la acuarela para ayudar a crear una conexión más personal e íntima con los sistemas de agua de California.


Christine Mugnolo es profesora asociada en el Departamento de Arte de Antelope Valley College. Recibió su Licenciatura en Historia del Arte de la Universidad de Princeton, una Maestría en Arte Británico Moderno Temprano del Courtauld Institute of Art en Londres, una Maestría en Bellas Artes concentrada en pintura y grabado de la Universidad de Connecticut y una Maestría en Bellas Artes en pintura de la Universidad de Indiana. Mugnolo se ha exhibido a nivel nacional.

Coleen Sterritt: obras seleccionadas de 2010 a 2016
 

Durante casi 40 años, el escultor Coleen Sterritt ha trabajado con una variedad de materiales que van desde yeso y alquitrán, piñas e hilo de pescar, muebles encontrados y desechos de estudio. Con esta gama de materiales, se centra en las interacciones entre las formas orgánicas y geométricas, el equilibrio y el desequilibrio, lo íntimo y lo remoto. Sterritt explica que su técnica es inmediata y estudiada, a la vez que abrupta y fluida. Las esculturas Sterritt crea un juego con el movimiento y el azar; duda, malestar y deseo, comenzando a veces en una dirección y luego volteado al terminar. Crea formas indicativas de una convergencia cultural de la naturaleza. Como proceso de recreación, el material se rehabilita y reinventa para ser redescubierto por el espectador e interactuar con él de una manera nueva. Ella modela un lenguaje visual tanto formal como evocador mientras explora las muchas posibilidades que la escultura en sí misma puede contener. Todos estos elementos combinados, actúan como un barómetro para las experiencias vividas que Sterritt espera que el espectador se familiarice a medida que interactúan con las piezas.


Coleen Sterritt nació en Morris, Illinois. Tiene una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Illinois, Urbana-Champaign y una Maestría en Bellas Artes del Otis Art Institute, Los Ángeles. Comenzó a enseñar en 1983, incluyendo puestos en Otis College of Art and Design, University of Southern California y Claremont Graduate University. Ha sido profesora y coordinadora de la facultad del programa de escultura en Long Beach City College desde 1998.


Sterritt recibió residencias, subvenciones y becas del National Endowment for the Arts en 1986, Art Matters en 1994, el programa Roswell Art-in-Residence en 1994, el Fondo Fiduciario J. Paul Getty para las artes visuales / comunidad de California Foundation en 1996 y la Beca de Artista Individual de la Ciudad de Los Ángeles en 2007. Su trabajo se ha mostrado en numerosas exposiciones en los Estados Unidos y Europa.

Ann Weber: sitio específico
 

Ann Weber comenzó su viaje artístico con la cerámica, creando cerámica funcional. Inspirada por sus días trabajando con Viola Frey en el Colegio de Artes y Oficios de California, la escala de su obra de arte cambió a formas monumentales. Comenzó a trabajar con cartón como una forma de crear formas ligeras, mientras eliminaba el engorroso proceso de la arcilla. Weber ve sus esculturas abstractas como metáforas de experiencias de la vida, como el acto de equilibrio que define la vida. En última instancia, el interés de Weber radica en ampliar las posibilidades de hacer belleza a partir de un material común y mundano. Considera el componente psicológico de su obra de arte como uno de los aspectos más importantes. Al estar entre lo representativo y lo abstracto, Weber invita a los espectadores a traer sus propias asociaciones a la obra de arte. La obra de arte está compuesta con una paleta de círculos simples y formas cilíndricas, que representan las formas simbólicas masculinas y femeninas en el mundo natural, y vinculan la arquitectura y las referencias históricas del arte para evocar recuerdos, relaciones y moralidad en las esculturas. Cuando se trata de su arte público, Weber convierte cartón ordinario en bronce y fibra de vidrio, lo que ilustra que las cosas no siempre son lo que parecen ser. Incluso cuando se echa en otros materiales, es fácil ver los detalles de la vida anterior de las cajas de cartón y las grapas individuales.
Nacida en Jackson, Michigan, Ann Weber ahora trabaja y reside entre Emeryville y Los Ángeles. Recibió una licenciatura en historia del arte de la Universidad de Purdue y una maestría en Bellas Artes de la Facultad de Artes y Oficios de California en Oakland. Weber ha sido artista residente en la Escuela Internacional de Beijing, China, y Schwandorf, Alemania, así como artista visitante en la Academia Americana de Roma. En 2004, fue galardonada con el Premio de Arte Público de Americans for the Arts. Su obra de arte ha sido elegida como parte de comisiones privadas y de arte público en los Estados Unidos.

LAGI: El futuro de la energía está aquí
 

El objetivo principal de Land Art Generator Initiative (LAGI) es diseñar y construir instalaciones de arte público que tengan el beneficio adicional de la generación de energía renovable a escala de servicios públicos. Cada escultura distribuye continuamente energía limpia en la red eléctrica, lo que da como resultado miles de hogares alimentados por el arte.


Presentar la planta de energía como obra de arte pública, mejorando simultáneamente el medio ambiente, aumentando la habitabilidad, proporcionando un lugar para el aprendizaje y estimulando el desarrollo económico local, es una forma de abordar una variedad de problemas desde la perspectiva del artista y diseñador ecológicamente preocupado. Por la naturaleza de su utilidad funcional, el trabajo también se enmarca en muchas otras disciplinas superpuestas, desde la arquitectura y el diseño urbano hasta la ingeniería mecánica y las ciencias ambientales. Este resultado interdisciplinario tiene el efecto de mejorar el nivel de innovación y ampliar la audiencia de la obra. La iniciativa Land Art Generator utiliza el modelo de competencia de diseño como una plataforma abierta y gratuita para involucrar a tantos equipos interdisciplinarios de artistas, arquitectos, científicos, ecologistas, arquitectos paisajistas e ingenieros de todo el mundo como sea posible para conceptualizar soluciones estéticas y pragmáticas para el siglo XXI. retos ambientales. Los resultados del concurso se hacen públicos en exposiciones, talleres, literatura y materiales educativos para inspirar al público en general sobre el potencial de nuestros paisajes energéticos.

HCA: Glue Zoo
 

Glue Zoo combina arte, diseño y ciencia en un programa único que sirve a múltiples comunidades de viviendas asequibles en Antelope Valley. Sin costo para los residentes y bajo la guía de instructores en el lugar, los participantes del Glue Zoo produjeron esculturas de papel maché de animales en peligro de extinción. Al crear versiones de tamaño natural de las especies que desaparecen de nuestro planeta, los estudiantes se enfocaron en desarrollar conjuntos de habilidades de ingeniería y diseño. Además de hacer esculturas, los estudiantes también aprendieron sobre los animales que se están creando, así como sobre los esfuerzos de conservación actuales y lo que pueden hacer en casa para ayudar a minimizar su huella de carbono. Se pidió a los participantes del programa que trajeran periódicos, cartón y otros materiales reciclados para ayudar a dar vida a las creaciones.

Vea o descargue el catálogo de la exposición de la Revolución Verde haciendo clic en la imagen de la portada o aquí.