13 de septiembre - 9 de noviembre de 2014

Guillermo Bert: texto codificado

Encoded Textiles de Guillermo Bert crea tapices tejidos a mano a gran escala que combinan códigos de escaneo electrónico con métodos de diseño indígenas y las voces en primera persona de los pueblos indígenas. La serie se inspiró en la observación del artista de que los códigos QR ("respuesta rápida"), que leen datos electrónicamente, se parecen mucho a los diseños gráficos de las artes textiles de los pueblos indígenas. Utilizando software que traduce palabras en patrones de códigos de barras, las historias personales de los participantes indígenas se entretejen en los tapices, formando nuevos diseños y relaciones. Combinando software de alta tecnología y procesos industriales con diseño indígena y técnicas de telar, y luego traduciendo narrativas habladas en tapices, el artista destaca la interacción de lo “antiguo” y lo “moderno” en nuestro mundo globalizado entrelazado. A través de los tejidos, cubos cortados con láser, podcasts y clips de películas que componen la exposición, el artista ofrece su comentario sobre los problemas de identidad y pérdida cultural en nuestra sociedad global.

Guillermo Bert y el Museo de Arte e Historia de Lancaster desean agradecer a Michael y Francis Weber y al Museo y Fundación de Arte Público de Lancaster por su apoyo para hacer posible esta exposición.

El hilo narrativo que forma la línea base del proyecto comenzó a través del viaje personal de Bert como artista chileno entre los mapuches de su país de origen. Allí, entrevistó a tejedores y otros miembros de la comunidad, sacando a la luz la relación de la cultura simbólica, las preocupaciones ambientales y el impacto de las intervenciones económicas en la base territorial indígena.

Al contar con la participación de tejedores indígenas para reinsertar los códigos en los motivos de diseño tradicionales, el artista colapsa la dualidad indígena / contemporáneo y permite que tenga lugar una conversación nueva y más oportuna. La conversión de un poema o pieza de historia hablada en un código de barras de alta tecnología, y luego su reconversión a un tejido tradicional, representa la creación de un artefacto cultural innovador que celebra y revive formas de arte tradicionales.

Los cubos Incubator que forman el elemento escultórico de la serie derivan de los mismos principios de reconocimiento y reconciliación. A partir de similitudes en símbolos antiguos y códigos de barras matriciales contemporáneos, los cubos cortados con láser y sus diseños asociados exploran el vínculo entre lo críptico y lo cotidiano.

Ingresando por el portal de los códigos de barras y códigos QR, el espectador se transporta al mundo de tradiciones orales, poemas y narrativas en primera persona de la comunidad mapuche del sur de Chile, tejedores zapotecas de Oaxaca, México, y Acoma Pueblo, Nueva México. En efecto, el artista Guillermo Bert sirve como visionario y curador de un proyecto mucho más grande, uno que conecta a las comunidades internacionales a través de las formas más conocidas de sus propias tradiciones, al tiempo que centra nuestros modos actuales de comunicación y comercialización tecnológica en una conciencia cada vez mayor de la realidad. Necesito usarlos para propósitos más amplios de interconexión.

Thomas McGovern y Juan Delgado: Signos vitales

Vital Signs es un proyecto colaborativo de fotografía / poesía sobre la región de Inland Empire del sur de California, comenzando con la ciudad de San Bernardino. La combinación de imágenes y palabras sugiere la naturaleza expansiva de la creación artística donde cosas, recuerdos, impresiones y relaciones aparentemente no relacionadas se fusionan a través de la sensibilidad compartida de los artistas y los espectadores.

El proyecto comenzó en 2006, cuando Thomas McGovern comenzó a fotografiar carteles y murales pintados a mano en todo el Inland Empire. Sus fotografías son emblemáticas del rico patrimonio cultural de la comunidad y la región y representan el pasado reciente, cuando los carteles pintados a mano eran una forma económica de publicitar un negocio y decorar un edificio. A medida que la tecnología digital reduce los costos de impresión y hace que los letreros de vinilo sean asequibles, estos íconos únicos se están volviendo obsoletos. Desafortunadamente, a medida que los vecindarios se desarrollan y prosperan, estos signos, y la vitalidad y el patrimonio cultural compartido que representan, se pintan o destruyen, homogeneizando lo que alguna vez fue único.

Al igual que Thomas McGovern, Juan Delgado ha vivido gran parte de su vida en San Bernardino, escribiendo sobre la región durante décadas. Su poesía para Signos Vitales evolucionó a través de extensas discusiones mientras los colaboradores conducían, caminaban y celebraban su ciudad. En la poesía de Delgado, los narradores se centran en lo no apreciado, explorando la relación entre identidad y lugar. Un poema celebra a las vecinas (mujeres del barrio) que luchan por recuperar sus calles. Otra narrativa apunta al cierre de una tienda de comestibles local y la carga del cambio para las familias. Algunos lamentan las trágicas vidas de personas profundamente arraigadas en este lugar, y otros cuentan los viajes de migrantes cuyas historias son edificantes porque encarnan lo mejor del espíritu humano.

La fusión de culturas y las sensibilidades compartidas de los artistas son evidentes tanto en el libro como en la exposición, que son un homenaje a la región y una celebración de la diversidad cultural, el ingenio y el espíritu empresarial.

McGovern es fotógrafo, escritor y profesor de arte en la Universidad Estatal de California en San Bernardino. Sus fotografías se encuentran en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Houston; El Museo de la Ciudad de Nueva York; y el Museo de Arte de Baltimore, entre otros. Recibió su BA de Empire State College, Nueva York y su MFA de California State University, Fullerton.

Delgado es profesor de inglés y director del programa MFA en escritura creativa en la Universidad Estatal de California, San Bernardino. Ganó el Concurso de poesía Embers Press por A Change of Worlds y recibió los premios Contemporary Poetry Series Awards por su colección de poesía Green Web. Recibió su BA de la Universidad Estatal de California, San Bernardino y su MFA de la Universidad de California, Irvine.

Los artistas agradecen a la Universidad Estatal de California, San Bernardino, por su apoyo, y al Museo de Arte Robert y Frances (RAFFMA) en San Bernardino por montar la primera encarnación de esta exposición.

Linda Vallejo: Make 'Em All Mexican

La artista Linda Vallejo, con sede en Los Ángeles, consolida múltiples influencias internacionales obtenidas de una vida de estudio y viajes por Europa, Estados Unidos y México para crear pinturas, esculturas e instalaciones que investigan temas culturales, políticos, espirituales y ambientales contemporáneos. Aclamado por la crítica como un trabajo revolucionario, Make 'Em All Mexican de Vallejo recontextualiza la iconografía familiar a través de una lente culturalmente personal al rediseñar objetos que van desde postales y carteles hasta estatuillas y estatuas. Karen Mary Davalos, profesora y directora del Departamento de Estudios Chicanos / Chicanos de la Universidad Loyola Marymount, señala:

“Vallejo ha producido una nueva serie provocativa que se reapropia de los iconos occidentales y estadounidenses. Usando imágenes ampliamente reconocidas, como celebridades de Hollywood, pinturas de Norman Rockwell, estatuillas victorianas, retratos europeos clásicos y la cartilla escolar, Dick y Jane , Vallejo vuelve a pintar las figuras como mexicanas. Desde una perspectiva, Vallejo crea el miedo de todo activista anti-inmigración y pinta el mundo con piel morena y cabello y ojos negros. Vallejo está realizando conceptualmente dos actos críticos, primero desfigura la obra que recolora, y segundo, toma la imagen (y su historia, poder y significado) y la cambia para su propio propósito ”.

Vallejo selecciona cuidadosamente sus objetos de tiendas de antigüedades, ventas de garaje y ventas de bienes y luego les da nuevas identidades con pinturas para carrocerías, acrílicos, pan de oro, óleo y Wite-Out. Al transformar figuras de íconos del pop como Elvis y Marilyn Monroe en El Vis y Mariela con piel de chocolate, Vallejo imbuye a sus figuras con las polaridades entre lo icónico y lo kitsch y el humor irónico mientras cuestiona la política del color. Estos personajes transformados ponen en primer plano las cuestiones de raza y clase.

Cada elemento es potencialmente cómico y desconocido, todo de un vistazo. Para Vallejo, estos problemas le afectan de cerca; afirma, “incluso como estadounidense de tercera generación, sigo siendo invisible en el panorama cultural. Así, Make 'Em All Mexican crea un espacio que incluye a la comunidad latina y al mismo tiempo expone su ausencia y las divisiones culturales que existen en nuestro país ”.

Altamente logrado, Vallejo ha disfrutado de numerosas exposiciones individuales de Make 'Em All Mexican en el Centro Cultural Soto Clemente Velez en Nueva York en 2014, la Galería George Lawson y la Galería de Arte de la Universidad de la Universidad Estatal de Nuevo México y en Arte Américas en colaboración con la Museo de Arte de Fresno y Museo de Arte Robert y Frances Fullerton de la Universidad Estatal de California, San Bernardino. En 2014, Vallejo recibió la Beca de Artista Individual COLA de Asuntos Culturales de la Ciudad de Los Ángeles. Ha expuesto en el Museo Nacional de Arte Mexicano, el Museo de Artesanía y Arte Popular de Los Ángeles, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de San Antonio y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Fue incluida en dos exposiciones asociadas con la iniciativa Pacific Standard Time: Art in LA 1945–1980 de la Fundación Getty: Mapping Another LA: The Chicano Art Movement , en el UCLA Fowler Museum; y Doin 'It in Public: Art and Feminism at the Woman's Building , en la Otis College of Art and Design Galería Ben Maltz. Su trabajo se encuentra en las colecciones permanentes del Museo Nacional de Arte Mexicano en Chicago, el Museo de Arte Carnegie en Oxnard, California, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, los Archivos Multiculturales y Étnicos de California en la Universidad de California, Santa Bárbara, y el Centro de Investigación de Estudios Chicanos de la Universidad de California, Los Ángeles. La Galería George Lawson en San Francisco, California representa actualmente a Vallejo.

Johnny Nicoloro: Virgen María

Johnny Nicoloro es un artista galardonado que crea capas coloridas de imágenes visuales utilizando su técnica característica de composiciones de doble exposición creadas completamente en su cámara. Recientemente, el artista dirigió su lente hacia la Virgen María, una de las figuras más veneradas e icónicas del mundo. En Virgen María , el artista superpuso imágenes de la Virgen María con signos, objetos y los artefactos comerciales de la urbanidad en collages que representan las dificultades y desafíos de nuestro tiempo. Cabe destacar sus títulos a menudo caprichosos que comparten su profunda devoción personal por la protección y la gracia por las que se honra a la Virgen María en las comunidades de todo el paisaje del sur de California y más allá. Su serie Virgen María , exhibida en el entorno íntimo de la Galería de la Educación, ofrece un espacio contemplativo donde el espectador puede asimilar sus manifestaciones personales y creativas de la Virgen en relación con los tiempos contemporáneos, tiempos con los que todos podemos relacionarnos.

El trabajo de Johnny Nicoloro se ha presentado en el Museo de Arte de Farmington en Farmington, Nuevo México; El Museo de Arte Latino en la Pomona Art Colony en Pomona, California; The Annex @ Core New Art Space en Denver, Colorado y el Los Ángeles Center for Digital Arts en Los Ángeles, California. Su trabajo también es parte de la colección permanente del Museo Latino de Historia, Arte y Cultura en Los Ángeles, California. Nicoloro, nativo de Los Ángeles con una licenciatura en teatro de UCLA y artista de cámara autodidacta, también ha enseñado Fotografía creativa para el crecimiento personal en The Village en Hollywood y ha sido instructor de arte y fotografía para CoachArt, una organización benéfica sin fines de lucro. Brindar lecciones gratuitas de arte a niños con enfermedades potencialmente mortales.

Luis Fileto: Pasajeros

La obra actual del artista Luis Fileto, residente en Palmdale, está impulsada por la acción, la emoción, la intuición y su búsqueda de significado a través de la pintura, la fotografía y los medios mixtos. Partiendo del legado de los pintores expresionistas abstractos, su aplicación material abarca desde el uso de esmalte de uñas hasta la pintura con los dedos y la pintura de acción. En su trabajo, Fileto abraza su conexión con la espiritualidad y la importancia de la familia, los amigos y el panorama general de la vida. Fileto ha realizado numerosas exposiciones en todo el sur de California, incluida la Galería KGB en Los Ángeles, la Galería SCA Project en Pomona y la Galería Garboushian en Beverly Hills.

Pompa: Roping, Riding, Escaramuza

Un gran espectáculo, una exhibición deslumbrante —de melenas voladoras y fosas nasales dilatadas, aire palpable y ríos de polvo, sol y sombra, seda y sudor, cuero gastado y plata reluciente— este es el atractivo visual del rodeo. En una fracción de segundo se captura el momento único, e incluso lo que la cámara no puede ver: el olor a piel húmeda, el estallido del bufido húmedo de un toro, la habilidad, el orgullo, los siglos de tradición, los años de práctica ... el fotógrafo lo sabe, y todos están presentes en la fotografía.

Pageantry: Roping, Riding, Escaramuza , invitado comisariado por el cineasta Robin Rosenthal, invita al espectador a experimentar estos detalles sensoriales y la belleza atemporal de nuestra herencia de rodeo compartida como se ve a través de los ojos de

fotógrafos Andrea Kaus, Leslie Mazoch, Omar Mireles

y Libby Wendt.

Andrea Kaus tomó por primera vez una cámara SLR bajo las instrucciones de su padre físico. "Esas primeras lecciones se olvidan en su mayoría, aparte de su frase introductoria de que la luz está formada por fotones y ondas y un presentimiento de que se vuelve mucho más complicado después de eso". Mientras realizaba un trabajo de campo para obtener un doctorado en antropología, Kaus usó fotos como una forma de conectarse con familias ganaderas en el norte de México. Le enseñaron que no se toma una fotografía, sino que es un momento aleatorio capturado como uno podría atrapar a un caballo salvaje. La emoción de la fotografía sigue siendo para ella la emoción de la búsqueda de una marca de verificación universalmente reconocible en el tiempo. Rodar rodeo permite a Kaus combinar su propia experiencia con caballos con observaciones de personas, en busca de momentos impredecibles e irrepetibles. Las fotos incluidas en esta exposición fueron tomadas en rodeos en todo el sur de California.

La fotoperiodista nacida en Texas, Leslie Mazoch, comenzó su carrera en la frontera mexicana con una temporada en The Brownsville Herald, y continuó hacia el sur como fotógrafa de Associated Press cubriendo temas políticos, financieros y sociales en Venezuela. Se convirtió en editora de fotografías en 2007 y ahora trabaja en la sede de AP para América Latina y el Caribe en la Ciudad de México. Convertirse en editora de fotografías le ha dado tiempo a Mazoch para trabajar en proyectos personales, entre los que destaca su serie de fotografía documental sobre la Escaramuza (“escaramuza”), el deporte femenino en La Charrería. Enraizada en la cultura ganadera del México colonial, Charrería combina las habilidades ecuestres, la tachuela artesanal, los trajes elegantes, la música y la comida de esa rica herencia en una tradición folclórica viva. Entre los concursos de cabalgatas y cuerdas, las escaramuzas charras interpretan sus peligrosos ballets de caballos de precisión, doblando y girando sus caballos galopantes riendo unos alrededor de otros en intrincados patrones sincronizados. Las fotografías de Escaramuza de Mazoch han sido galardonadas con premios de la Asociación Nacional de Fotografía de Prensa y pronto se publicarán en forma de libro. Diez imágenes de la serie están aquí en MOAH.

El cuerpo de trabajo de Omar Mireles documenta la tradición y cultura charrería con la que creció y ve a diario. En su ciudad natal de Jerez, Zacatecas, México, el abuelo de Mireles lo educó en todo lo charro: caballos, vida de rancho, coleaderos, charreadas. Cuando falleció su abuelo, Mireles se dedicó a fotografiar este estilo de vida en su honor. Desde su hogar actual en Oxnard, CA, comenzó siguiendo al equipo local de escaramuza Charras Unidas De Villa, y ahora es una presencia conocida en charreadas en todo el sur de California, capturando la combinación característica de habilidad y arte de todos los participantes: charras y charros por igual. Mireles regresa a Jerez cada primavera para la celebración del Sábado de Gloria (Sábado Santo) de su ciudad natal, una fiesta comparable al Mardi Gras. El sábado antes de Pascua, charros de todo México se reúnen para romper el ayuno de Cuaresma. El evento principal del día es una cabalgata (procesión) de charros montados que se cuentan por miles. Las fotografías que se muestran aquí pertenecen a una serie realizada en el Sábado de Gloria Jerez en 2014.

Un acompañamiento a la clase de fotografía para principiantes de su mejor amiga en Chaffey College en Alta Loma, CA inició a Libby Wendt en un camino de 35 años como fotógrafa, fotografiando de todo, desde fútbol americano profesional hasta deportes universitarios y de secundaria; artículos de periódicos a noticias de última hora; conciertos de música y carátulas de CD hasta retratos de animales. Cuando su hija comenzó a correr por los títulos de reina del rodeo, Wendt hizo un buen uso de su experiencia en fotografía deportiva y comenzó a buscar esos momentos especiales en los eventos de rodeo. Varias de estas fotografías fueron tomadas en el Rodeo de las Finales de California del año pasado en el Antelope Valley Fairgrounds, incluidos dos retratos del Acto Especializado del Año 2013 de PRCA y del Embajador Charro Tomas Garcilazo y su semental ídolo matinal "Hollywood".

El curador invitado Robin Rosenthal es un cineasta independiente que vive en Littlerock, California. Ávida amazona y fanática del rodeo, su documental más reciente, con Bill Yahraus, Escaramuza: Riding from the Heart , profundizó en la cultura ecuestre de La Charrería, profundizando su aprecio por las conexiones entre las tradiciones del rodeo mexicano y estadounidense. La práctica documental de Rosenthal se basa en su experiencia como artista, educadora y profesional de la industria cinematográfica. Rosenthal recibió su licenciatura de la Universidad de Pensilvania y continuó con su Maestría en Bellas Artes en Queens College, City University of New York. Enseñó arte de estudio en el San Antonio College y el San Antonio Art Institute, y exhibió su videoarte en todo el suroeste, antes de pasar al trabajo documental. Editó Chamoru Dreams for Pacific Islanders en la serie Pacific Diaries de Communications y la premiada Mary Jane Colter: House Made of Dawn , ambas transmitidas a nivel nacional por PBS. Con su socio de cine Bill Yahraus, realizó el largometraje documental A Circus Season: Travels with Tarzan (PBS) y la serie ganadora de Eclipse On the Muscle: Portrait of a Thoroughbred Racing Stable . Robin también supervisa un pequeño sector de distribución de nicho de mercado para su empresa Pony Highway Productions.