10 de agosto - 20 de octubre de 2019

LA Pintura

Encuesta de cinco años comisariada por Cooper Johnson

En la galería principal de MOAH, Five Year Survey , comisariada por Cooper Johnson, presenta a importantes pintores de Los Ángeles durante los últimos cinco años. Sus pinturas van desde obras figurativas con conciencia social hasta la abstracción "pura" y todo lo demás. La exposición rezuma alegría pura en la pintura como material, con pinceladas de empaste espeso, marcaciones enérgicas y paletas de colores brillantes y frescos. Pero la pintura no es el único material que utilizan estos artistas; la fotografía, la reproducción digital y el grabado se abren paso en el trabajo para romper el molde de la tradición y subvertir las expectativas de lo que es y significa la pintura.

Five Year Survey es una muestra representativa de la pintura de Los Ángeles de los últimos cinco años, ejemplificada por 15 artistas que están moviendo el medio en nuevas direcciones. Ya sea que los artistas de la encuesta salgan de la refriega sociopolítica, doblen la lógica de la composición, revitalicen la marca o empujen la pintura hacia lo digital, todos tienen un dominio del material y el concepto que permite un trabajo multifacético. Más importante aún, su trabajo refleja aspectos sobresalientes de la vida en el momento presente: una mayor conciencia de identidad, hiperconexión y abundancia de información, y una mayor sensibilidad a lo que es falso y lo que es real. Y en este contexto, surgen tres temas a lo largo de la encuesta.

Primero, muchas de las pinturas de la encuesta abordan ideas en torno a la identidad. En conjunto, estos trabajos sugieren cómo la identidad puede verse simplemente como un constructo, pero al mismo tiempo, la causa de serios problemas relacionados con la propia experiencia. Algo fabricado pero real. En la Encuesta de cinco años , la identidad no se trata de nuestras características físicas o cualidades inherentes, sino de los significados que creamos para ellos y almacenamos a través de objetos, símbolos y marcas. Y cómo esos significados, generalmente con impulso histórico y cultural, se imponen, infligen o otorgan a cada uno de nosotros. La encuesta de cinco años nos impulsa a considerar no solo cómo estos significados adjuntos afectan nuestra vida cotidiana, sino lo contrario: si hay algo que realmente somos sin nuestras fabricaciones.

Un segundo tema a lo largo de la encuesta es el uso de pintura para confundir cómo definimos y experimentamos lo que es "real". Ya sea abordando el tema desde la tradición de la ilusión de la pintura o su deriva hacia lo digital, estos artistas manipulan las funciones naturales de la mente, que van desde la creación de sentido a nivel básico hasta el deseo de tratar la ilusión como real. Los artistas manejan esto de diversas formas en la encuesta. Los objetos en un paisaje pueden revelarse simultáneamente como escenificados, meros accesorios en un diorama, pero permanecen envueltos en la ilusión de la representación. Las formas pueden ser ambivalentemente representativas y abstractas, provocando la necesidad de la mente de reconocer patrones, pero negándola certeza. El "espacio" en una pintura puede estar estructurado para contener objetos incompatibles, lo que obliga a la mente a reconciliar lo que no debería existir en el mismo espacio. Incluso la luz misma, pintada sin textura y pura como lo sublime, permite que se filtren leves desviaciones de la mano. Estas obras dejan al espectador en estados aparentemente contradictorios: experimentando la pintura como "real", pero al mismo tiempo, escuchando sus confesiones a el contrario.

En tercer lugar, está el tema de la pluralidad y la pureza en la pintura: pinturas que no se concentran en ningún concepto, lógica o estilo únicos, sino que están más interesadas en cómo diferentes conjuntos de reglas pueden coexistir en una sola imagen. Como se ve en los ciclos históricos de “purificación” (y posterior complicación) de la pintura, reducir una imagen o proceso a su esencia construye simultáneamente reglas sobre la lógica de su creación e interpretación. Aunque esto no es nuevo, la tendencia actual de alejarse de la pintura "pura" parece encajar en el contexto de cuán conectados estamos tecnológicamente: no solo tenemos un acceso cada vez mayor a una variedad más amplia de trabajos, sino también el papel de los guardianes tradicionales. no es tan crítico. En la Encuesta de cinco años , por ejemplo, esto podría incluir: cargar abstracciones geométricas con agencia o narrativa; imbuir marcas con algo más que el movimiento o gesto inmediato, a veces incluso elementos de la identidad del pintor; distorsionar la lógica de la creación del cuadro; anidar estilos dispares entre sí; o adoptando irónicamente las reglas de estilos anteriores pero contribuyendo conceptualmente a ellas.

Si bien la Encuesta de cinco años no tiene un concepto unificador, estos tres temas tienen estructuras analíticas similares que se combinan, resuenan y se asignan a los demás. Ya sea nuestra identidad, nuestra realidad o nuestras reglas de construcción de imágenes, la encuesta le pide al espectador que explore las relaciones que tenemos con nuestras propias fabricaciones: la medida en que solo existen porque las creamos y la medida en que sin embargo están vinculados a ellos.

Exposición individual

DAVID ALLAN PETERS

David Allan Peters crea un trabajo que explota con innumerables capas de color y textura intrincada, combinando la pintura con cualidades escultóricas talladas a mano. Los diamantes, las cuadrículas y los círculos crean composiciones caleidoscópicas que exploran vibrantemente la geometría, la intuición y el azar. Se ha hecho conocido por su innovador proceso de construcción de material que luego se pela y se corta exponiendo lo que está debajo de la superficie inicial, revelando varios colores a diferentes profundidades. Peters a veces trabaja durante 15 años en una sola pintura, aplicando minuciosamente capa sobre capa de pintura acrílica y luego cortando, raspando, lijando y tallando en las capas para mostrar el paso del tiempo similar a los anillos de un tronco de árbol. A partir de los subproductos de sus pinturas, Peters recicla los restos tallados en ladrillos formando instalaciones minimalistas. Empuja los límites de la pintura acrílica y los procesos de pintura tradicionales, mientras disuelve el límite entre la segunda y la tercera dimensión.

Arraigada en la historia de la abstracción temprana de la Costa Oeste, la génesis de la carrera de Peters se inspiró en las densas capas que se encuentran en otros artistas abstractos como Jay DeFeo. Experimentando continuamente con patrones y diversas técnicas, el último cuerpo de trabajo de David Allan Peters explora tanto los diseños audaces de los textiles nativos americanos como las abstracciones geométricas postpinturas. Peters recibió su maestría en Bellas Artes de Claremont Graduate University luego de su licenciatura en el Art Institute en San Francisco. El artista ha aparecido en el perfil de la revista WhiteWall en la Colección Anderson, así como en Los Angeles Times, Huffington Post, The New York Times y un perfil de artista en Elle Decor.

Instalación específica del sitio
ERIKA LIZÉE

La instalación específica del sitio Infinite Love / Flesh and Blood de Erika Lizée se extiende por tres pisos en el atrio de MOAH. Erika Lizée utiliza trampantojo y pintura acrílica escultórica para crear imágenes que parecen "reaccionar" a la luz y las sombras reales del espacio en el que residen. Sus instalaciones mágicamente biomórficas son extrañas pero familiares, y parecen retroceder detrás de la pared de la galería y extenderse hacia el espectador simultáneamente. Lizée imagina la superficie de la pared como un umbral simbólico entre diferentes reinos o estados de existencia. También se inspira en la Alegoría de la cueva de Platón, una historia de la percepción humana y cómo nuestras percepciones y experiencias dan forma a nuestra realidad personal.

“La función visionaria, que satisface la necesidad del alma de ubicarse en el vasto esquema de las cosas, ha sido suprimida, con el resultado de que, como cultura, hemos perdido el don de la visión”, afirma Lizée. Ella cree que hay un “impulso universal y siempre presente por la trascendencia, por ir más allá de lo mundano para experimentar lo sublime. Espero brindar una experiencia de otro mundo ".

El trabajo reciente de Lizée se basa en sus estudios de los números del 1 al 10, así como en la geometría sagrada. Infinite Love / Flesh and Blood en MOAH está inspirado en el número 8, con referencias visuales a la forma de la flor de clemátide, oxígeno (el octavo elemento en la tabla periódica), octavas musicales (hay ocho notas en una octava) y la símbolo de infinito (que parece un número "8"). Criada en una familia de cuatro y ahora con su propia familia de cuatro, la número ocho tiene un gran poder simbólico para Lizée mientras reflexiona sobre el amor y la vida.

Erika Lizée obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en Pintura de la Universidad de Carolina del Norte en Asheville y su Maestría en Bellas Artes en Pintura de la Universidad Estatal de California en Northridge. Actualmente es profesora titular en Moorpark College y directora de la Galería de Arte de Moorpark College.

Un juego visual de “teléfono” 49 obras de arte creadas por 49 artistas contemporáneos en absoluto secreto durante un período de nueve años.

El proyecto curatorial de Laura Hipke y el pintor Shane Guffogg Circle of Truth in the South Gallery está compuesto por obras de Ed Ruscha, Shane Guffogg, Billy Al Bengston, Lita Albuquerque, Jim Morphesis, Charles Arnoldi, Robert Williams, Ruth Weisberg y otros 41 artistas en una versión moderna y visual de un juego infantil común llamado "Teléfono". El proyecto del Círculo de la Verdad abre un diálogo sobre la naturaleza de lo que se considera "verdad" y los defectos inherentes de recibir y retransmitir información de una persona a otra.

El proceso para el proyecto del Círculo de la Verdad fue simple: la primera pintura, creada por Shane Guffogg, se entregó a un segundo artista en el Círculo junto con un lienzo en blanco. El segundo artista recibió instrucciones de encontrar la "verdad" en la primera pintura y responder con su propia creación. Luego, esa pintura pasó al siguiente artista. Como regla general, se pidió a cada artista que mantuviera su participación en secreto hasta que se completara el proyecto.

Circle of Truth, lanzado en 2009, se completó en 2016 e incluye pinturas de 49 artistas participantes diferentes, todos los cuales provienen de una variedad de orígenes y utilizan estilos de pintura que van desde el hiperrealismo hasta la abstracción pura. Las pinturas se colgarán en orden cronológico para que los visitantes puedan ver la progresión de la "verdad" a lo largo del tiempo.

A cada artista también se le pidió que escribiera un ensayo sobre su experiencia. Los extractos de los ensayos estarán disponibles en el catálogo de la exposición titulado Circle of Truth (disponible para su compra en MOAH) y se pueden autografiar durante la firma del libro el 7 de septiembre a la 1 pm

Video teaser del Círculo de la Verdad

Kaye Freeman en colaboración con Amy Kaps
La anatomía de una pintura

Kaye Freeman, en colaboración con Amy Kaps: The Anatomy of a Painting , examina el acto performativo de aplicar pintura mientras se expande el plano de pintura para incluir toda la East Gallery del museo. El papel de Kaps como curadora se transformó rápidamente en el de cohorte, catalizador y colaborador cuando le pidió a la artista Kaye Freeman que participara en la creación de la instalación de pintura inmersiva. Juntos, exploran el cuerpo en relación con el proceso y el producto de la pintura.

La visión curatorial de La anatomía de una pintura es contar la historia de la "creación" desde el punto de vista del artista utilizando la paleta de colores brillantes de Freeman y las marcas de pincel intuitivas. Inspirado en las antropometrías de Yves Klein, Freeman pinta directamente sobre el cuerpo d