Legado

24 de enero - 15 de marzo de 2015

Legacy analiza de cerca cómo los artistas de diferentes generaciones se influyen entre sí y en sus comunidades. El legado se define como algo transmitido por un predecesor; en el arte, ese “algo” puede abarcar desde técnicas materiales hasta sabiduría interior. El legado es el fruto de la pasión y la dedicación que se desborda de un individuo a la vida de muchos; el legado es inspirador.

Eric Johnson Installation at MOAH

Eric Johnson Installation at MOAH

DeWain Valentine

DeWain Valentine

Craig Kauffman

Craig Kauffman

John Paul Jones

John Paul Jones

Tony DeLap

Tony DeLap

Tom Jenkins

Tom Jenkins

Lisa Bartleson

Lisa Bartleson

Jennifer Faist

Jennifer Faist

Andrew Benson

Andrew Benson

Nelson Parrish

Nelson Parrish

Eric Johnson: LEGACY Una retrospectiva de 30 años

La ciencia y la ingeniería se han vuelto tan complejas, incluso fantásticas, que a veces olvido el hecho muy simple y aparentemente milagroso: que una ecuación de símbolos puede describir, incluso predecir, los fenómenos que definen y dan forma al mundo físico; que hay funciones subyacentes de algunas matemáticas oscuras esperando ser descubiertas. Sin embargo, las matemáticas son solo una construcción abstracta que imponemos al mundo circundante. Las cosas no son tan rígidas y perfectas como los modelos que las describen. Siempre hay alguna desviación, deformidad, alguna ligera desviación de lo perfecto, por infinitesimal que sea. La "cuadrícula" realmente no existe.

Pero esto se puede experimentar y explorar igualmente a través del arte. Al observar cualquiera de las esculturas de Eric Johnson individualmente, esto es evidente. Pero al mirar a través de los bocetos, estudios, modelos y obras completamente terminadas que abarcan más de treinta años, cualquier visitante de la retrospectiva de Eric desarrollará una mayor sensibilidad a la amplitud de ideas que influyen en un artista y cómo se desarrollan y se fusionan en un cuerpo entrelazado. de trabajo. Cómo se reitera y refina el interés naciente. El alcance de lo que desafía e influye a un artista en la realización de una pieza individual no siempre es evidente en una sola obra de arte, tal vez ni siquiera para el artista mismo. Sin embargo, extender el trabajo de un artista a lo largo de treinta años modela la enormidad del proceso subconsciente en cualquier momento dado en la creación de arte. Porque en un momento dado, en realidad no sabes todo lo que sabes.

El trabajo de Eric es genial para una retrospectiva por esta misma razón. Desde la primera pieza del lapso de treinta años de la retrospectiva, Two Towers, se pueden ver ideas que aún se repiten en sus trabajos más recientes. Primero, introduce a las estructuras matemáticas rígidas y que se ajustan a la cuadrícula (es decir, el prisma rectangular), la distorsión más mínima a la forma ordenada. También incita al espectador a preguntar sobre el material: ¿cómo se formó este giro? ¿Fue tallado de esa manera o fue moldeado por torsión? ¿El proceso es el mismo para el metal que para la madera? Incluso las primeras obras que parecen no estar relacionadas con sus piezas más recientes y desarrolladas comparten hilos o ideas comunes. Por ejemplo, sus primeros dibujos de tazas de té, suspendidas a mediados del otoño, demuestran tanto el interés de Eric por las leyes de la naturaleza (en este caso, la gravedad) como por las propiedades de los materiales (fragilidad). A medida que Eric se volvió más elocuente con la resina, la madera y la pintura, su capacidad para entrelazar y tejer múltiples conceptos a través de una sola obra también floreció.

Las piezas individuales más recientes de la obra de Eric evocan una variedad de formas e ideas. En sus "corazones" de resina compuesta, las alusiones van desde la concha marina desgastada hasta la llamarada solar; parecen robustas como vértebras, pero delicadas como platos de porcelana. También obtienes una sensación fantástica del material en sí. A medida que los discos se estrechan y se estrechan, revelan cómo se comporta el material con diferentes espesores. Y se necesita un maestro de un material para que un lego pueda explorarlo con la profundidad correspondiente. Otras obras, como Pasopna, parecen osificadas, pero marchitas; orgánico, pero formado por una cuadrícula; deformado, pero estructuralmente sólido. Otros tienen combinaciones aún más curiosas: caparazón y estructuras fluidodinámicas, cuernos y palos de avión.

La proximidad de MOAH a la industria aeroespacial hace que este sea un gran lugar para contemplar estas combinaciones de teoría matemática y superficie física manufacturada y orgánica. El sur de California también es un lugar apropiado para ver a Eric infundir

Los movimientos Light-and-Space y Finish Fetish del sur de California con biología y desviación, casi como si se estuviera moviendo hacia atrás, estirando la superficie inmaculada sobre la ecuación y el hueso.

-Andi Campognone, curadora

Craig Kauffman, Dewain Valentine, John Paul Jones, Tony DeLap, Tom Jenkins

La exposición de Johnson se combina con una exposición colectiva que muestra el trabajo realizado por sus mentores artísticos, DeWain Valentine, Tony DeLap, Craig Kauffman, Tom Jenkins y John Paul Jones. DeWain Valentine es mejor conocido por usar materiales industriales como fibra de vidrio, plexiglás, acrílico fundido y resina de poliéster para producir esculturas a gran escala que reflejan y distorsionan la luz a su alrededor. El trabajo de Tony DeLap es conocido por sus cualidades ilusionistas, influenciadas por su interés por la magia. Las pinturas de Craig Kauffman son conocidas por su apertura y uso dinámico de la línea y sus esculturas son conocidas por sus materiales experimentales y colores vivos. Tom Jenkins hace pinturas que se dibujan con peonzas y varios dispositivos de dibujo mecánicos hechos a mano. John Paul Jones fue un pintor, grabador y escultor ampliamente reconocido por su trabajo figurativo y abstracto. Todos estos artistas jugaron un papel importante en el desarrollo de la vida profesional y personal de Johnson.

Lisa Bartleson: Preguntas y respuestas con Andi Campognone, director / curador del MOAH

¿Cuál es su relación con el artista Eric Johnson? / ¿Cómo se conocieron por primera vez?

Bartleson: Eric es uno de mis amigos y confidentes más queridos; el es familia. Nuestro primer encuentro fue muy divertido, especialmente conociendo a Eric tan bien como yo ahora. Lo primero que me dijo fue: "Parece que te tragaste un billete de cinco dólares y se rompió en centavos", y pensé: "¿Quién es este artista loco?".

No pasó mucho tiempo después de este encuentro que supe que este loco artista era Eric Johnson, conocido por su dominio de la resina y la fabricación de moldes. Estaba en un punto de mi carrera en el que quería aprender a trabajar con resina. Le pregunté a una amiga en común si nos presentaría.

Llegué al estudio de Eric con una agenda específica, aprender a crear objetos con resina. Mi primera lección con Eric y probablemente la más importante fue que realmente no hay espacio para agendas, particularmente cuando estás aprendiendo un nuevo material. Aprendí que tenía que haber apertura al proceso de creación, renunciar a cualquier expectativa.

Como mentor, Eric me dio la orientación suficiente para que no me cayera de cara con demasiada fuerza. Para mí, esto fue perfecto. El verdadero aprendizaje provino de los errores que cometí, con los dos tratando de encontrar un camino a seguir.

Después de ser mentor con Eric, dejé el estudio con muchas más habilidades y conocimientos que cuando comencé. Más importante aún, me quedé con una mejor comprensión de cómo ser un artista, qué significa ser un artista y cómo pararse sobre dos pies y ser vulnerable en su pensamiento y fuerte en su práctica al mismo tiempo.

¿Cómo ha influido Johnson en la práctica de su estudio?

Bartleson: Muchas veces, cuando estoy lijando o tengo un problema con una pieza, creo que WWED (¿qué haría Eric)? La respuesta suele ser que tengo que hacer una pausa, volver al papel de lija 320 y volver a trabajar la superficie hasta que esté perfecta y lista para el siguiente nivel.

Algo que mucha gente tal vez no sepa sobre Eric es que está muy motivado. Siempre trato de canalizar esta energía mientras me preparo para las exposiciones.

Jennifer Faist: Preguntas y respuestas con Andi Campognone, director / curador del MOAH

¿Cuál es su relación con el artista Eric Johnson? / ¿Cómo se conocieron por primera vez?

Faist: Eric y yo nos conocimos a través de otro artista cuando asistí a una muestra de su trabajo en Simayspace en San Diego en 1996. En ese momento, yo era el director de la galería de Susan Street Fine Art en Solano Beach y estaba trabajando para llevar un viaje. exposición colectiva llamada, "Los nuevos estructuralistas", a la galería. Eric fue uno de los artistas en ese programa y lo conocí a él y a su trabajo. Permanecimos en contacto y seguimos el trabajo de los demás en los años siguientes. En 2004, fui curadora de una exposición colectiva en ANDLAB, "Suspension", que incluía su trabajo, y en 2005, estuvimos juntos en una exposición de dos personas en Palm Springs titulada, "Less a Thing ..." Desde agosto de 2006 Hasta abril de 2009, compartí el estudio de Eric en San Pedro. Mi esposo y yo vivíamos en el loft, y yo tenía la mitad del área de la tienda para espacio de estudio. Eric estaba usando el área del almacén para su espacio de estudio y compartimos la cabina de resina en el patio.

¿Cómo ha influido Johnson en la práctica de su estudio?

Faist: El estudio de Eric era el espacio más grande en el que había trabajado. Había espacio para fijar muestras de color y estudios de patrones. Podría colgar cuadros terminados en las paredes con espacio para retroceder y mirar y aún tener mucho espacio para mi mesa de trabajo y tendederos. Me permitió pensar en grande y hacer un trabajo más grande. Compartir un estudio también significaba tener otro artista con el que intercambiar ideas y obtener comentarios sobre mis pinturas. Durante mi tiempo allí, Eric estaba trabajando en "The Maize Project", así que pude ver sus procesos de casting en persona durante un período de tiempo prolongado. El aspecto social y las conexiones personales que se hicieron durante las fiestas de casting y las visitas al estudio también fueron influyentes. Incluso tuve la oportunidad de conocer a algunos de los pioneros de “California Light and Space” a través de Eric, como DeWain Valentine y Craig Kauffman.

¿Cómo se manifiesta esta influencia en tu trabajo?

Faist: Creo que la razón por la que hicimos buenos compañeros de estudio es que compartíamos una afinidad por el arte de resina Finish Fetish, los híbridos de pintura / escultura y un proceso de capas análogo. Eric me expuso a diferentes tipos de pigmentos como los que se usan en la industria automotriz. Creo que eso me permitió sentirme más libre para usar más pigmentos metálicos y de interferencia en mi proceso de capas de pintura que antes.

Andrew Benson: Preguntas y respuestas con Andi Campognone, director / curador del MOAH

¿Cuál es su relación con el artista Eric Johnson?

Benson: Trabajé para Eric como asistente de estudio aproximadamente desde 1997 hasta 2000, comenzando en su estudio de Santa Mónica hasta la construcción de su primer estudio en San Pedro. En ese momento tenía 17 años y me había escapado del desierto para averiguar cuál era mi propósito en el mundo. Eric era tanto un mentor, un padre sustituto y un amigo como mi jefe; incluso dormí en su sofá durante algún tiempo cuando mis precarias situaciones de vida fracasaron.

¿Cómo ha influido Johnson en la práctica de su estudio?

Benson: El tiempo que trabajé con Eric me impresionó con un enfoque específico de los materiales y herramientas que todavía llevo a cabo en mi práctica, a pesar de que mi trabajo ahora es principalmente video y animación digital. Con resina, un material sintético que conlleva un trasfondo químico y una práctica aceptada, Eric desarrolló un estilo de trabajo que tenía poco que ver con las etiquetas de instrucciones, pero que se desarrolló orgánicamente a partir de años de manipulación, observación y tacto del material. En cualquier pieza, a lo largo del trabajo, diseñamos plantillas, artilugios y herramientas improvisadas para hacer posible el trabajo. La forma en que Eric construyó el color de la superficie desde afuera hacia adentro fue un enfoque que nunca había visto antes y fue impresionante. Cada escultura fue el resultado de este proceso que fue tan mágico como química, ingeniería y trabajo práctico. Aprendí cómo se siente una lijadora radial en mi mano cuando está haciendo lo correcto, cómo mantener firme una pieza resbaladiza de resina dura pulida a una superficie de vidrio esmerilado mientras la máquina de hilar en mi otra mano elimina cualquier imperfección. La mejor comparación que se me ocurre para el trabajo es la de un panadero artesanal, aprendiendo el arte de amasar, fermentar, dar forma a la masa y saber con la práctica lo que necesita para ser absolutamente asombroso.

¿Cómo se manifiesta esta influencia en tu trabajo?

Benson: Para mi propio proceso de trabajo, he elegido principalmente el video y la animación creados con herramientas digitales, pero la forma en que pienso sobre la materialidad de los medios digitales se debe mucho a los años de formación con Eric. Creo mi trabajo retocando, ajustando y manipulando no solo los píxeles, sino los procesos que los generan y propagan. Paso mucho tiempo pensando e intentando reimaginar cómo se arma una representación digital, cuáles son todos los procesos involucrados y cuántas veces se traduce en el camino. He aprendido la ciencia gráfica lo suficiente como para profundizar en estos procesos, pero el núcleo del trabajo está en la persecución intuitiva del material, encontrar algo que funcione incluso cuando no lo entiendo y construir herramientas en torno a esos resultados mágicos. . La búsqueda de sentir y manipular su medio misterioso y comunicarse a través de estos medios es un enfoque poco común para los medios electrónicos en una era de CGI altamente pulido y producción hábil, pero está en mis venas en este momento.

R. Nelson Parrish: Preguntas y respuestas con Andi Campognone, director / curador del MOAH

¿Cuál es su relación con el artista Eric Johnson?

Nelson: Mi relación con Eric Johnson se basa estrictamente en el mito, la leyenda y la reputación. Me di cuenta de su trabajo por primera vez a través del Proyecto Maize cuando se exhibió en el Museo de Arte de Torrance en 2008. Recientemente había completado mi programa de posgrado y me sorprendió la producción modular del trabajo en contraste con su capacidad para crear piezas únicas e impresionantes. No pensé que fuera posible hacer piezas independientes, en múltiplos, utilizando la producción de moldes. Más importante aún, me impresionó cómo el Proyecto Maíz se basaba en la comunidad, ya que hay un componente clave de incluir a todo tipo de personas para que colaboren en la realización del trabajo. Tanto la comunidad de colaboradores como la producción modular, en mi opinión, son las señas de identidad de la pieza.

Volví a ver el Proyecto Maize en la William Turner Gallery 2012 y me acordé de la producción modular. Me influyó directamente en la creación del n. ° 100 (1A - 20E) y el n. ° 105 (Light Over the Pacific). Ambas piezas se componen de más de 90 piezas más pequeñas que son de naturaleza modular y sinérgica.

¿Cómo ha influido Johnson en la práctica de su estudio?

Nelson: Posiblemente la mayor influencia del trabajo de Johnson en mi práctica sea la ingeniería de su trabajo. Nunca he sido tan preciso o mecánico en la fabricación de mi trabajo. En el pasado, mi proceso ha sido más una mentalidad de “vaquero”. Simplemente hágalo y luego descubra cómo hacerlo mejor, más tarde. Cuanto más me involucro con el trabajo de Johnson, más entiendo lo bien diseñadas y planificadas que están sus piezas; hay belleza en eso. Más importante aún, me doy cuenta de que mientras se enfoca por igual en la ingeniería y la planificación, así como en el arte, uno puede hacer piezas muy superiores que simplemente disparar desde la cadera y pulirlas. Al final, es un sistema mucho mejor.

¿Cómo se manifiesta esta influencia en tu trabajo? Conceptualmente?

Nelson: Esta influencia ha afectado enormemente la progresión más reciente de mi trabajo. Cuando cambié a una resina de base biológica, tuve que fabricar moldes y ahora estoy usando aluminio aeroespacial como material central, todo esto requiere grandes cantidades de ingeniería y programación. Johnson y sus medios de producción han influido en mi flujo de trabajo. Impulsando constantemente los materiales, las herramientas y los límites para hacerlo bien y a tiempo. Se podría decir que es fabricación y manufactura artesanal, de la mejor manera posible. Tener una idea; cómo debe verse y sentirse algo a veces lleva años antes de que se ejecute correctamente. Eso requiere mucha tenacidad y paciencia. Puedo ver eso en el trabajo de Eric y es inspirador.

Conceptualmente, soy un gran tipo de color y movimiento. Me encanta la forma en que el trabajo de Johnson toma el pigmento y el tono simples pero, aunque estático, lo hace fluir a través de la forma y la forma: simple, elegante y sorprendente.

Charles Dickson: Legacy, A Lifetime Survey

Charles Dickson está consumido por cómo funcionan las cosas en un contexto mecánico, creativo, espiritual y político. Como escultor, abraza muchos medios, explora la naturaleza de los materiales que utiliza para comprender y desafiar sus propiedades en aplicaciones tradicionales y únicas. En el centro de este proceso, Dickson pregunta: "¿Cómo aprendo a hablar a través de los materiales, para descubrir la verdad sobre los materiales y expresar la belleza de mi visión artística?"

La obsesión de Dickson por encontrar la verdad de una forma ha sido documentada en su homenaje de 45 años a la mujer afroamericana. En lugar de trabajar desde una forma imaginada, se dio cuenta al principio de su carrera, que tenía que desnudarlo, para descubrir la verdad de su esencia. El trabajo de Dickson con desnudos negros también fue el precursor de un diálogo artístico mucho más amplio sobre la política de la belleza y cómo las consecuencias de la esclavitud repercutieron en la sociedad contemporánea que se ha extendido a lo largo de toda su carrera.

Dickson afirma: “Este diálogo me impulsó a sumergirme en la herencia artística de África, buscando el lenguaje, las herramientas y los símbolos, para recrear y recuperar la enorme influencia espiritual y la belleza indígena que esta tradición ha tenido en el mundo. También me ha animado a desarrollar trabajos que reflejen las circunstancias únicas de la experiencia afroamericana que se remonta a sus orígenes africanos ".

Charles Dickson es un artista autodidacta nacido en 1947 en Los Ángeles, CA. Tiene obras de arte públicas en Watts Towers, Los Angeles Metro Rail Green Line en El Segundo, Hope and Faith Park en South Los Angeles y el City of Costa Mesa Performing Arts Complex, entre otros. Actualmente es un artista residente en el campus del Watts Towers Arts Center y el cuidador de Watts Towers de Simon Rodia con el programa de preservación de LACMA. También está trabajando con Los Angeles Neighborhood Land Trust y las Oficinas de The Trust en Public Land LA River Center para crear esculturas dentro de la comunidad. Dickson vive y trabaja en South Central Los Angeles, CA.

 
 
 
 
 
 
 
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