Hecho en America

13 de agosto - 30 de octubre de 2016
Karen Nyberg

Karen Nyberg

Star Quilt (detail)

Jae Yong Kim

Jae Yong Kim

Donut Rush

Nike

Nike

MOAH Collections

Alex Yanes

Alex Yanes

Going, Going, Gone

Scott Listfield

Scott Listfield

Moons

Gerald Clarke

Gerald Clarke

To the Anthropologists

Pre-Astronauts Armstrong

Pre-Astronauts Armstrong

Courtesy of Cam Martin

Manifest

Manifest

Gerald Clarke

Gerald Clarke

Galería Este

La nueva vanguardia: exposición colectiva

Curado por Thinkspace

Galería Sur

Albrigo examina Pettibon y el béisbol

Galería de Wells Fargo

Jae Young Kim: Bla, bla, bla

Galería de educación

Los presidentes cableados

Joyero

Los nuevos murales de vanguardia: Bumblebeelovesyou y MEGGS

Pared de la ventana del aula

La nueva vanguardia: instalación de Alex Yanes

Parte superior de las escaleras

Investigación de vuelo de la NASA: sondeando el cielo

A fines de 1946, 13 ingenieros del Laboratorio Aeronáutico Langley Memorial en Virginia llegaron a la Base de la Fuerza Aérea Edwards para establecer lo que ahora se conoce como el Centro de Investigación de Vuelo Armstrong de la NASA, participando en los primeros vuelos de investigación supersónicos del avión cohete Bell X-1. Solo un año después, el 14 de octubre de 1947, Chuck Yeager voló su Bell X-1 sobre Rogers Dry Lake en Edwards, alcanzando una altitud de 40,000 pies y superando velocidades de 662 mph, rompiendo la barrera del sonido por primera vez en la historia de la aviación. . Hoy en día, el Centro de Investigación de Vuelo Armstrong de la NASA es el centro principal de investigación y operaciones de vuelo atmosférico en los Estados Unidos, y alberga algunas de las aeronaves más avanzadas del mundo. El Centro, fundamental para llevar a cabo misiones de exploración espacial e investigación y desarrollo aeronáuticos, sigue acelerando los avances y realizando importantes descubrimientos en los campos de la ciencia, la tecnología, las operaciones y las pruebas. El Centro también alberga una flota de aeronaves de ciencias ambientales tripuladas y no tripuladas que respaldan los nuevos desarrollos en los campos de la astrofísica y las ciencias de la tierra, cumpliendo los objetivos de la NASA de mejorar la educación, el conocimiento, la innovación, la vitalidad económica y la administración de la Tierra.

Probing the Sky presenta más de 50 piezas tomadas de la colección del Flight Research Center, que detallan la ilustre historia de la innovación de la aviación en el sur de California. Las obras destacadas incluyen "The Apollo Story" del fallecido artista aeroespacial Dr. Robert T. McCall, los retratos pintados por Robert Schaar de los pilotos de la NACA / NASA incluidos en el Paseo de Honor Aeroespacial en el BLVD y varias pinturas, dibujos y esculturas de artistas conocidos. por su trabajo en y sobre la industria aeroespacial. “The Apollo Story” del Dr. Robert T. McCall es un conjunto de cinco litografías originales en piedra fría que representan el legado del programa de aterrizaje lunar del Apolo. La litografía en piedra fría es un proceso de impresión en el que los artistas utilizan materiales de dibujo grasosos para hacer imágenes originales en piedra caliza, que luego se graba químicamente. El artista expositor Robert Schaar es un retratista de gran prestigio que forma parte de un grupo de artistas de élite que comprende el Programa de Arte de la NASA; su trabajo fue incluido en el programa Visions of Flight de la NASA, visto en museos de todo el mundo. Los retratos de "Walk of Honor" de Schaar presentan a pilotos de prueba cuyas carreras en la aviación estuvieron marcadas por logros significativos más allá de un logro. Mostrados juntos, estos trabajos comprenden un recuento vívido de algunas de las figuras y logros más significativos de la aeronáutica.

Colección MOAH: Adquisiciones recientes

Como institución, el MOAH se dedica a fortalecer la conciencia, mejorar la accesibilidad y encender la apreciación del arte, la historia y la cultura a través de una colección cada vez mayor de artefactos y arte. Una de las funciones principales de un museo es la administración: la planificación y gestión responsable de los recursos. En MOAH, este objetivo se implementa a través de un enfoque en la preservación de la historia única del sur de California a través de la extensa colección del Museo. Como tal, el arte en esta retrospectiva incluye contribuciones de artistas de renombre local e internacional, con piezas que representan nuestra región tanto literalmente, con la inclusión de los primeros paisajes de California, como conceptualmente, con un guiño a la participación de la comunidad en la industria aeroespacial y los artistas. 'uso de nuevos materiales, resinas y plásticos. A partir de 2012, el Museo desarrolló su Colección Juried, que presenta el trabajo de artistas locales que obtuvieron los máximos premios en la exposición anual All-Media Juried del MOAH. A través de su colección dinámica, MOAH celebra la riqueza de la región y las cualidades únicas que abarcan el Valle del Antílope.

Karen Nyberg: edredón de estrellas

Cuando la astronauta Karen Nyberg se lanzó para su misión a bordo de la Estación Espacial Internacional, trajo consigo algunos artículos inusuales, entre ellos: un carrete de hilo de marfil, cinco agujas y tres "gruesos cuartos" de tela. Durante los cinco meses que pasó viviendo a bordo de la Estación Espacial como ingeniera de vuelo, Nyberg se convirtió en la primera persona en edredón mientras estaba en órbita. Como uno podría imaginar, la astronauta y la artista se encontraron con algunas dificultades únicas mientras se esforzaban por completar su proyecto de gravedad cero, incluida la forma de almacenar mejor sus suministros de costura (las bolsas de velcro y Ziploc evitaban que las agujas y tiras de tela flotaran) y cómo cortar tela flotante. De lo último, Nyberg afirma: “Imagínese si toma un trozo de tela y lo sostiene frente a usted. Ahora, toma tus tijeras e intenta cortarlo y así es exactamente. Porque no se puede tumbar en el suelo y no se puede utilizar un cortador giratorio, solo hay que cortar ". A pesar de estas dificultades, Nyberg completó con éxito un cuadrado de colcha de nueve por nueve pulgadas, rojo, blanco y azul. Al regresar a la Tierra, Nyberg amplió su "Colcha Astronómica", pidiendo a los edredones de todo el mundo que envíen bloques de tela con temática de estrellas para que se incluyan en el producto final. Nyberg recibió más de 2200 presentaciones, que se cosieron para crear 28 paneles de colchas, con la estrella original en el centro. “Con un proyecto como este, lo que creo que es realmente genial, es que puedes tomar a alguien de todas partes de este mundo y encontrar algo que tengas en común con ellos. Y realmente tenemos algo en común con personas de todas partes ”, dijo Nyberg.

Nacida en Vining, Minnesota, Karen Nyberg se graduó summa cum laude de la Universidad de Dakota del Norte, donde recibió una licenciatura en Ingeniería Mecánica. Luego obtuvo un doctorado de la Universidad de Texas en Austin, por su trabajo de investigación de termorregulación humana y pruebas metabólicas en el Austin Bioheat Transfer Laboratory, con especial énfasis en la termo neutralidad en trajes espaciales. Nyberg es actualmente un ingeniero mecánico estadounidense y astronauta de la NASA.

Scott Listfield: una vez astronauta

Scott Listfield es un artista contemporáneo conocido por sus pinturas que muestran a un astronauta explorador solitario perdido en un paisaje repleto de íconos de la cultura pop, logotipos corporativos y referencias irónicas a la ciencia ficción. Inspirado por Stanley Kubrick 2001: A Space Odyssey, una visión del futuro que nunca llegó a suceder, Listfield combina imágenes de paisajes modernos con su astronauta característico, completamente vestido con atuendos espaciales. Habiendo crecido con la percepción de la era espacial del futuro representada en los medios populares, Listfield considera que nuestro presente es extraño e inusual, que vale la pena explorar por derecho propio. Se acerca a la existencia moderna de una manera que la hace parecer extraña y ajena, lo que permite al público la rara oportunidad de interpretar la sociedad contemporánea en la que vivimos desde el punto de vista de un extraño.

Scott Listfield nació en Boston y estudió arte en Dartmouth College en New Hampshire. En 2000, después de un tiempo en el extranjero, Scott regresó a Estados Unidos, donde comenzó a pintar astronautas y, a veces, dinosaurios. Listfield ha aparecido en Wired Magazine, Juxtapoz, Boston Globe, New American Paintings y WBZ-TV Boston. Ha expuesto su obra en Los Ángeles, Chicago, Londres, Nueva York, San Francisco, Miami y Boston.

Gerald Clarke: Destino manifiesto

Gerald Clarke es un artista nativo americano del sur de California cuya obra de arte se centra en llamar la atención sobre la existencia contemporánea de los pueblos indígenas. Con opiniones de la cultura nativa americana impulsadas por estereotipos populares, Clarke tiene como objetivo devolver la esencia de la humanidad a estos grupos. Busca la belleza no convencional en el mundo, que a menudo se encuentra explorando su realidad como hombre nativo contemporáneo. La artesanía de Clarke transmite orgullo, respeto y autoridad, celebrando y lamentando lo que se revela en su búsqueda de una nueva apreciación del mundo. El artista busca enseñar a través de su trabajo, intentando expresar la pasión, el dolor y la reverencia de la vida indígena contemporánea, invocando una mayor comprensión de estos grupos marginados a través de una respuesta emocional de su audiencia. Clarke, un artista autoproclamado de “fregadero de cocina”, no tiene un género visual definitivo, y utiliza cualquier formato, herramientas o técnicas que expresen de manera más efectiva el mensaje deseado. A menudo explora aspectos de la instalación, los medios mixtos, el video y la actuación, al tiempo que incorpora técnicas artesanales de los nativos americanos como el tejido de cestas tradicional.

Gerald Clarke es miembro de la banda de indios Cahuilla, ubicada a unas 40 millas al suroeste de Palm Springs, California. Es artista, educador, ganadero y propietario de una pequeña empresa, y participa activamente en la preservación de las lenguas y la cultura nativas. Clarke enseña escultura y nuevos medios en Idyllwild Arts Academy, donde es el presidente del departamento de artes visuales, y comenzará a enseñar estudios étnicos en la Universidad de California, Riverside. En el pasado, se ha desempeñado como profesor asistente de arte en la East Central University en Ada, Oklahoma. Además de enseñar, Clarke ha sido parte de una variedad de exposiciones presentadas tanto a nivel nacional como en el extranjero. En 2007, recibió la Beca del Museo Eiteljorg para Bellas Artes Nativas Americanas. Clarke reside en Anza, California, cuidando el rancho de su familia en la reserva nativa, donde se desempeñó como vicepresidente del Consejo Tribal de 2006 a 2012. Aprende más

La nueva vanguardia

El Museo de Arte e Historia de Lancaster, en colaboración con la Galería Thinkspace de Los Ángeles, se complace en presentar The New Vanguard, con obras de más de 55 artistas del Nuevo Movimiento Contemporáneo. La exposición presentará una de las secciones representativas más grandes de artistas que trabajan dentro de las diversas lenguas vernáculas del movimiento, que se haya mostrado hasta la fecha en un contexto museológico en California. Una compilación ambiciosa, The New Vanguard reunirá a algunos de los artistas más relevantes y dinámicos que practican actualmente en todo el mundo. La exposición, que se inaugurará el 13 de agosto, se llevará a cabo en conjunto con la entrega de este año de POW! ¡GUAU! Valle del antílope.

La exposición contará con murales e instalaciones específicas del sitio dentro del museo de Alex Yanes, Bumblebeelovesyou, Meggs y Yoskay Yamamoto, una presentación individual de obras de Scott Listfield en la Galería Vault y una exposición colectiva diversa de obras en la Galería Sur. incluyendo piezas de Aaron Li-Hill, Adam Caldwell, Alex Garant, Amandalynn, Amy Sol, Brett Amory, Brian Viveros, C215, Carl Cashman, Casey Weldon, Chie Yoshii, Cinta Vidal, Craig 'Skibs' Barker, Cryptik, Dan Lydersen, Dan-ah Kim, Derek Gores, Dulk, Erik Siador, Felipe Pantone, Fernando Chamarelli, Glennray Tutor, Henrik Aa. Uldalen, Icy and Sot, Jacub Gagnon, Jaime Molina, James Bullough, James Reka, Jana & JS, Jean Labourdette (también conocido como Turf One), Jeremy Hush, Joel Daniel Phillips, Josie Morway, Juan Travieso, Kyle Stewart, Linnea Strid, Lisa Ericson, Low Bros, Año Nuevo Lunar, Mando Marie, Marco Mazzoni, Mark Dean Veca, Mark Warren Jacques, Martin Whatson, Mary Iverson, Matt Linares, Matthew Grabelsky, Meggs, Mike Egan, Nosego, Pam Glew, Ricky Lee Gordon, Scott Radke, Sean Norvet, Tony Philipppou, Wiley Wallace, XO y Yosuke Ueno.

¡El prisionero de guerra! ¡GUAU! El proyecto de Antelope Valley incluirá obras públicas de Amandalynn, Andrew Schoultz, Bumblebeelovesyou, David Flores, Julius Eastman, Kris Holladay, Mando Marie, Mark Dean Veca, Meggs, Michael Jones y Yoskay Yamamoto. Todas las obras se centrarán en el área del museo, con David Flores adornando la parte trasera del museo con un nuevo mural enorme.

Históricamente, el movimiento Nuevo Contemporáneo ha sido relegado en gran medida a espacios fuera de las instituciones de arte y otros árbitros de lo "alto", ya sean espacios urbanos o lugares subculturales. El movimiento, habiendo tenido que crear contextos para la recepción de su trabajo y el apoyo de su comunidad, nunca ha tenido la fijeza de un género singular - o sus limitaciones para el caso - sino que ha prosperado bajo una fluidez, expandiéndose a todo tipo de género. técnicas, expresiones, medios y espacios. Esta exposición es significativa porque marca un período de transición en la visibilidad examinada de este movimiento y sus artistas, ya que se ha vuelto cada vez más célebre y reconocido, no solo en el contexto de la cultura popular, sino también en el marco institucional de los espacios de los museos. Ningún movimiento artístico en la memoria reciente ha crecido tan exponencialmente en aceptación, visibilidad y popularidad en un período relativamente corto, un fenómeno que da fe del poder y la influencia de su presencia cultural.

Quizás más unificado por su falta de exclusión estilística, el movimiento Nuevo Contemporáneo, liderado durante mucho tiempo por su abrazo simultáneo de múltiples elementos, incorpora lo narrativo, lo surrealista, lo gestual, lo abstracto, lo figurativo y lo ilustrativo. Sin una armadura formal o conceptual única que la defina, el trabajo producido por esta nueva generación de artistas es receptivo, reactivo, emotivo y se basa en lo social. The New Vanguard destaca la amplitud imaginativa de estos artistas del Nuevo Contemporáneo, mostrando el potencial ilimitado de un movimiento artístico que comenzó sin paredes y ahora se ha infiltrado en galerías y museos de todo el mundo.

Daniel Albrigo: Albrigo examina Pettibon y el béisbol

Daniel Albrigo es un artista que vive en el sur de California y se inspira en aspectos de la cultura estadounidense moderna. Albrigo trabaja predominantemente con el medio de la pintura, pero también incluye la fotografía, el dibujo y varios métodos de impresión en su práctica laboral. En su mayoría autodidacta, explora temas clásicos y contemporáneos del realismo, tocando la cultura estadounidense tanto apropiada como observada. En lugar del uso más tradicional de la fotografía como referencia para sus pinturas, comenzó a tomar retratos de artistas en sus espacios de estudio como parte de un proyecto en curso de nuevas imágenes estadounidenses. A partir de abril de 2015, Albrigo se centró en el artista Raymond Pettibon y lo fotografió en su estudio de la ciudad de Nueva York. En el transcurso de algunas visitas, Albrigo capturó a Pettibon con varios equipos deportivos y fue guiado a través de la vasta colección de recuerdos deportivos que tenía, llenando casi todos los rincones de su estudio. En esta serie de fotos, el público estará al tanto de la cruda pasión por el gran deporte estadounidense del béisbol en el espacio de trabajo de un icónico artista estadounidense. Baseball with Pettibon es el comienzo de una serie en curso de Raymond Pettibon y su colección de equipos diversos, destacando los deportes al revelar su influencia de larga data en la cultura estadounidense.

Daniel Albrigo nació en Pomona, California en 1982. Albrigo ha tenido exposiciones individuales en Guerrero Gallery en San Francisco, Muddguts Gallery en la ciudad de Nueva York, y una muestra dividida en Western Exhibitions en Chicago con Genesis Breyer P-Orridge. El trabajo colaborativo que creó con P-Orridge se ha exhibido en el Museo de Arte Contemporáneo de Utah en Salt Lake City, el Museo Andy Warhol en Pittsburgh y el Museo de Arte Rubin en la ciudad de Nueva York. Albrigo actualmente reside y trabaja en Long Beach, California.

Jae Yong Kim: Bla, bla, bla

Jae Yong Kim es un nativo de Corea que ha pasado la mayor parte de su vida viajando, observando y desarrollando los temas de su arte. Su trabajo refleja en gran medida la confusión de una existencia altamente móvil, con la cuestión del "hogar" que aparece como un tema recurrente mientras explora lo que este concepto significa para él. Sobre el tema de su arte, Kim afirma: “Vivimos en una cultura de ritmo increíblemente rápido que alienta y requiere que las personas tengan confianza y fuerza, y rara vez hay lugar para el fracaso y la duda, a pesar de que estos son elementos esenciales en la vida y absolutamente necesario para el crecimiento ". Kim trabaja principalmente con cerámica e instalaciones, mostrando un estilo consistente, peculiar y excéntrico que refleja con precisión la propia personalidad del artista, lo que hace que su trabajo sea verdaderamente reconocible.

Donuts apareció por primera vez en el trabajo de Kim como un símbolo de codicia y glotonería, representativo de sus experiencias algo negativas mientras se esforzaba por comprender el mundo financiero de la ciudad de Nueva York. “Las donas las veo como una posibilidad de resolver situaciones problemáticas en mi vida y abordar cómo se maneja y trata el dinero en Estados Unidos”, dijo Kim. En lugar de centrarse en cómo ganar dinero y aprender una jerga basada en los negocios que al artista no le importaba particularmente entender, Kim decidió crear su propio lenguaje para decir lo que pensaba que era importante. “Empecé a hacer más donas porque esto es lo que me hizo feliz”, dijo Kim. “Las donas son una delicia, pero no todas son buenas”, dijo, “las donas, los dulces y la comida chatarra son platos típicos para quienes viven en la pobreza o justo por encima de ella. Baratos y deliciosos, los donuts también brindan una rápida explosión de energía que te permite seguir adelante. También pueden proporcionar un bálsamo satisfactorio cuando la vida y tratar de sobrevivir es difícil ". Creadas a partir de arcilla cocida con tres tipos diferentes de vidriado, estas esculturas vienen en varias formas y acabados, representando las variedades de la delicia real, así como el interés del artista en rendir homenaje a las obras de importantes figuras de la historia del arte como Yayoi Kusama y Jackson Pollock. Kim, autoproclamada perfeccionista, ha declarado que cada dona es única y lleva la marca de la mano del artista.

Jae Yong Kim pasó una parte importante de su infancia viajando, habiendo vivido en Kuwait y Arabia Saudita antes de regresar a Corea del Sur. Después de la secundaria, se mudó a los Estados Unidos solo para obtener una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Hartford. A partir de ahí, pasó a obtener una Maestría en Bellas Artes para Cerámica de la Academia de Arte Cranbrook en Michigan. Kim ha participado en exposiciones colectivas e individuales y se ha mostrado internacionalmente en escenarios como el Museo de Arte de Cerámica Mashiko en Japón, la Galería de la Fundación de Promoción de Artesanía Coreana en Seúl, la Galería de Arte e Industria en San Diego, la Galería Lyons Wier, Marshall M Frederick's Sculpture Museum, The Dennos Museum Center, Hunterdon Art Museum, Kate Shin Gallery en Waterfall Mansion y Philadelphia Art Alliance, así como numerosas exposiciones colectivas en todo el mundo. Kim vive y trabaja tanto en Seúl, Corea del Sur como en el área de la ciudad de Nueva York; Actualmente es profesor en la Universidad Nacional de Ciencia y Tecnología de Seúl.

Los presidentes cableados

Los artistas que han producido este trabajo son un colectivo anónimo de creadores locales que buscan promover interacciones basadas en la investigación en el arte. Estas preguntas se exploran en la colección de obras de este grupo de artistas, que provienen de diversos orígenes y especialidades. Sus experiencias van desde películas de gran éxito hasta efectos especiales, utilería, títeres, videojuegos, juguetes y tecnología.

¿Qué efecto tiene la tecnología en el proceso electoral o en la presidencia?

¿Cómo elabora la información y la tecnología nuestra narrativa de lo que constituye un candidato perfecto?

¿Por qué Abraham Lincoln es considerado uno de los líderes favoritos de Estados Unidos?

¿Qué cualidades tenía que justificaran esa categorización?

¿Cómo impactó la tecnología de la época de Lincoln en la conversación pública?

¿Diseñamos nuestro propio líder ideal dentro de una sociedad basada en la información? ¿Cómo afecta eso nuestras expectativas?

Abejorro

Nacido y criado en el sureste del condado de Los Ángeles, Bumblebee toma las partes de la ciudad en gran parte ignoradas y las usa como su lienzo personal remodelando muebles urbanos, como cajas de periódicos y cabinas telefónicas, para contar historias de la vida cotidiana y comentar sobre el colapso de la población de abejas a través del aumento del uso de teléfonos celulares. También utiliza la técnica de estarcido y medios mixtos para crear imágenes de niños en las paredes desiertas y no amadas de su ciudad natal en Downey. Considerado y reflexivo, el trabajo de Bumblebee también aborda temas como la falta de vivienda de los niños y el impacto que la modernidad tiene en la naturaleza. A pesar de la seriedad de su tema, sus obras no son pesadas para el espectador. En cambio, son caprichosos, juguetones y exudan una sensación de inocencia, libertad y alegría infantiles.

Bumblebee ha participado en numerosas exposiciones colectivas en varias instituciones, que incluyen: Carmichael Gallery, Thinkspace Gallery, Barnsdall Art Park, Street AKA Museum junto con el Portsmouth Museum of Art y Outside / In, una asociación con Art Center College of Design. Su arte ha sido cubierto por numerosos medios de comunicación, incluidos LA Weekly, TedX Illinois, Complex Magazine, Unurth, Arrested Motion y Downey Beat. En 2015, recibió el premio Readers 'Choice al Mejor Artista Callejero en LA Weekly.

MEGGS

David “MEGGS” Hooke es uno de los artistas callejeros y bellas artes más progresistas de Australia, reconocido por su estilo único, expresivo y enérgico con referencias a la cultura pop, el mundo natural y los problemas socioculturales. Su uso técnico del color y el movimiento combina elementos claros, audaces e ilustrativos con un diseño intuitivo, texturizado y fluido. Al buscar constantemente la armonía entre la forma, la abstracción, el orden y el caos, MEGGS vierte su personalidad de todo o nada en cada centímetro de su trabajo. Su manifiesto de vida es que el “viaje es la recompensa” y su obra refleja esta eterna búsqueda del equilibrio. El énfasis de MEGGS en el crecimiento constante y la pasión por los viajes se demuestra en su exploración continua de técnicas y medios artísticos.

La adaptación de su arte callejero y graffiti a las bellas artes le ha brindado a MEGGS amplias oportunidades para viajar, exhibir profesionalmente su trabajo y participar en festivales de murales en todo el mundo. Sus obras de arte callejero y galerías son reconocidas a nivel nacional e internacional en ciudades como Melbourne, Sydney, Londres, San Francisco, París, Tokio, Hawái, México, Los Ángeles y Hong Kong. Las obras de arte de MEGGS están incluidas en las colecciones de papel permanente de la National Gallery of Australia y el Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres.

MEGGS ha viajado y contribuido con su arte para apoyar las ambiciones de numerosas organizaciones sin fines de lucro, incluidas Fareshare, Pangeaseed y POW! ¡GUAU! HAWAI. Sus prácticas cooperativas le han llevado a colaboraciones con varios artistas y marcas de culturas de todo el mundo. Su trabajo comercial con empresas como Nike, Stussy, Addict, New Balance, Burton y Endeavor Snowboards ha contribuido a la constante evolución de su talento y a ampliar su gama de diseños e ideas.

MEGGS nació y se crió en los suburbios del este de Melbourne, Australia y completó su licenciatura en Diseño de la Escuela de Diseño de la Universidad de Swinburne en 2000. Es miembro fundador del equipo Everfresh, un colectivo único de pioneros del arte callejero que abrió el mundo. El renombrado Everfresh Studio en 2004. La adoración de MEGGS por el arte de los cómics, la fantasía de ciencia ficción, el skate, la cultura del graffiti, el heavy metal y la música punk rock son el núcleo de lo que lo inspiró a seguir su carrera en las bellas artes. Actualmente reside en Los Ángeles, California.

Alex Yanes

Alex Yanes es un artista de Miami que se inspira en las raíces cubanas de su familia a través de su exploración de la cultura local de Miami. Fue allí donde estuvo expuesto a la naturaleza valiente, vertiginosa y en constante evolución del arte. Gran parte de su trabajo se relaciona estrechamente con su exposición a la cultura del skate, el tatuaje, el hip-hop y el rock presente en Miami durante las décadas de 1980 y 1990, creando su propia forma de realidad a través de combinaciones de materiales como madera, acrílico, resina y esmalte en Piezas de instalación tridimensionales que buscan revelar elementos de la propia historia personal de Yanes y los impactos de la acelerada vida de la ciudad. En este sentido, su arte sirve como una autobiografía, directamente asociada con las experiencias individuales de Yanes a lo largo de su vida. A través del uso innovador del color y su estilo caprichoso e imaginativo, el arte de Yanes adquiere una forma que es ampliamente identificable, hablando mucho tanto para los coleccionistas como para los nuevos amantes del arte.

Alex Yanes nació y se crió en Miami, Florida. Se ha interesado por el arte desde pequeño, habiendo ganado su primer premio a la edad de seis años. Yanes comenzó a dedicarse al arte a tiempo completo en 2006. Desde entonces, ha trabajado con Adidas, Red Bull, Sony, The Learning Channel, Vans, Kidrobot, Neiman Marcus, St. Jude's Hospital, The Dan Morino Foundation, Miami Children's Museum, NBA Cares y The Children's Trust, difundiendo su arte a tantos rincones del mundo como sea posible. El trabajo de Yanes es ahora un elemento básico en Wynwood, el distrito de arte de Miami, y espera las próximas exposiciones para mostrar su arte en todo el mundo en lugares como Nueva York, Illinois, California, Alemania, Reino Unido, Australia y Brasil.

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
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