Hecho en el Mojave

13 de mayo - 30 de julio de 2017

Made in the Mojave celebra la belleza sutil, la rica historia y los abundantes recursos del desierto de Mojave. La exposición, que se centra en el paisaje interpretado a través de una variedad de medios, desde la pintura hasta la fotografía y la práctica social, seguramente despertará en los visitantes una nueva apreciación del esplendor matizado del desierto. Las exhibiciones individuales destacadas incluyen a los artistas Samantha Fields, Kim Stringfellow, Carol Es, Catherine Ruane, Aline Mare, Ron Pinkerton, Nicolas Shake, Randi Hokett y una instalación específica del sitio de la artista local Marthe Aponte. Made in the Mojave expande nuestra idea del desierto y su relevancia en nuestra vida diaria. Además de las presentaciones de artistas profesionales, el Museo tiene el honor de destacar el proyecto de los estudiantes de R. Rex Parris High School, Wasteland, en la terraza de la azotea. Como parte de la Iniciativa Verde de MOAH, este proyecto fue dirigido por el artista de Los Ángeles, Nicolas Shake, que trabajó en conjunto con la instructora de arte de R. Rex Parris High School, Kris Holladay y sus estudiantes.

Artistas
Samantha Fields

Samantha Fields

Take What You Need

Kim Stringfellow

Kim Stringfellow

The Mojave Project

Carol Es

Carol Es

The Exodus Project

Catherine Ruane

Catherine Ruane

Marthe Aponte

Marthe Aponte

Nicolas Shake

Nicolas Shake

Green

Ron Pinkerton

Ron Pinkerton

The Last Stand

Aline Mare

Aline Mare

Angle of Repose

Randi Hokett

Randi Hokett

Crystalworks

Samantha Fields: diez años

Si bien es cierto que Samantha Fields pasa mucho tiempo contemplando cómo se derrumban las cosas, ya sea por fuego, sequía, tornado, tifón, inundación o un simple error humano, decir que Fields está obsesionado con los desastres sería reduccionista. Hay un impulso central e infatigable hacia la belleza y la esperanza que subyace en el proceso de la artista, que es tan central para su imagen final como el agua para un río.

 

Las imágenes de Fields se extraen de nuestra conciencia humana colectiva. Son recuerdos de eventos que han pasado o que aún continúan, como en los incendios épicos que envuelven regularmente el paisaje de Los Ángeles, que el artista ha dibujado para crear una serie de imágenes sorprendentemente realistas de columnas de fuego, a la vez delicadas y de bordes duros. Fields crea estas pinturas en una especie de vacío, su mano nunca toca realmente el lienzo mientras aplica pintura acrílica a través de un pincel de aire, solo ocasionalmente agregando un gesto más surrealista con la mano.

 

Las imágenes de Fields son tanto metáforas del estado del mundo como pinturas de paisajes. El paisaje, para Fields, es simplemente el mejor y más luminoso vehículo para expresar estas ideas. Estas imágenes, extraídas del desastre, resaltan la mirada del espectador hacia el abismo, buscando un sentido de sí mismo en el caos y comenzando a comprender la complejidad de nuestra experiencia humana.

 

Samantha Fields es una pintora que vive en Los Ángeles, California. Recibió un premio sabático de la Universidad Estatal de California, Northridge en 2015, una beca de artista individual de la ciudad de Los Ángeles (COLA) en 2012, y recibió la beca de desarrollo profesional de la College Art Association en 1997.

 
Kim Stringfellow: El proyecto Mojave

El Proyecto Mojave es un proyecto documental y curatorial transmedia dirigido por Kim Stringfellow que explora el paisaje físico, geológico y cultural del desierto de Mojave. El Proyecto Mojave reconsidera y establece múltiples formas de interpretar este paisaje único y complejo, a través de la asociación y conexión de sitios, temas y temas aparentemente no relacionados, creando así una experiencia especulativa e inmersiva para su audiencia.

 

El Proyecto Mojave explora los siguientes temas: Desierto como páramo; Tiempo geológico versus tiempo humano; Sacrificio y Explotación; Peligro y consecuencia; Espacio y Percepción; Movilidad y Movimiento; Desierto como escenario; Transformación y Reinvención.

 

El Proyecto Mojave se materializó con el tiempo a través de una investigación profunda y una investigación de campo directa que incluyó entrevistas, reportajes y diarios personales respaldados con fotografías fijas, documentación de audio y video. Los despachos de campo se compartieron durante todo el período de producción en mojaveproject.org y a través de KCET Artbound. Esta fase inicial del proyecto fue diseñada para hacer transparente la investigación en curso, invitando a la audiencia a la conversación a medida que se desarrollaba el proyecto.

El Proyecto Mojave culmina como una instalación de video a gran escala que incorpora la revista de investigación digital, fotografías, documentos y mapas junto con otros objetos y objetos efímeros recopilados durante el período de producción de tres años. Lanzado en el MOAH, el proyecto completo, la exposición y las publicaciones correspondientes viajarán a múltiples instituciones durante un período de dos años.

 

La financiación para el Proyecto Mojave se proporciona a través de una subvención de producción del Proyecto Documental de California 2015 de Cal Humanities con el apoyo adicional de la Universidad Estatal de San Diego. El Proyecto Mojave es un proyecto del Programa EMERGE del Consejo de Artes de Pasadena. La Asociación Cultural y del Patrimonio del Desierto de Mojave y KCET Artbound son socios del proyecto.

 

Kim Stringfellow es artista, educadora y curadora independiente con sede en Joshua Tree, California. Es becaria curatorial de la Fundación Andy Warhol en 2016 y becaria de fotografía del Guggenheim en 2015. En 2012, se convirtió en la segunda ganadora del Premio Theo Westenberger a la Excelencia Artística. Otros premios incluyen una subvención para equipos “Investing in Artists” del Centro de Innovación Cultural (CCI) en 2010.

 
 
Carol Es: El proyecto Éxodo

Durante los últimos 15 años, Carol Es ha realizado varias peregrinaciones al Parque Nacional Joshua Tree. Durante una de estas visitas, una estadía prolongada de 10 días en un lugar apartado del parque, nació The Exodus Project. Mientras Es estudiaba el misticismo judío, meditaba y exploraba su entorno desértico, documentó cuidadosamente el proceso, dibujando, filmando y escribiendo en blogs sobre su experiencia en un esfuerzo por reunir tanto trabajo preliminar como pudo antes de regresar a su estudio en Los Ángeles, donde trabajaría en el proyecto durante el próximo año.

 

De vuelta en su estudio, uno de los primeros esfuerzos de Es fue un cortometraje, producido en colaboración con los artistas visuales y animadores Jonathan Nesmith y Susan Holloway. Juntos crearon Up to Now, una película de seis minutos con Yuddy, una criatura parecida a una jirafa que representa la búsqueda espiritual de Es y Moppet, que se asemeja a una muñeca de trapo, que simboliza el niño interior del artista. Es una historia corta, narrada por Es, sobre "liberarse del bagaje emocional". El corto aparece dentro de Camp Up to Now, una instalación multimedia que consiste en una gran carpa amarilla que actúa como un teatro en miniatura.

 

El Proyecto Exodus también abarca una serie de pinturas al óleo sobre lienzo y tableros de yeso, llamadas Joshua Tree Paintings, inspiradas en lugares reales mezclados con la imaginación del artista, así como una serie adicional, Rock and Refuge, que consta de pinturas más abstractas con collages. sobre paneles de abedul. Estas piezas están destinadas a representar los paisajes arquitectónicos únicos que solo se pueden encontrar en el desierto alto.

 

Carol Es ha recibido en dos ocasiones la Beca ARC de la Fundación Durfee y la Beca de Artistas en Nueva York. También recibió una beca Pollock-Krasner y un premio Wynn Newhouse. Además, escribe, ilustra y publica libros hechos a mano a través de su editorial independiente, Careless Press. También acaba de terminar sus memorias, Shrapnel in the San Fernando Valley.

Catherine Ruane: Dance Me to the Edge

Los visitantes del desierto de Mojave a menudo comentan cómo la amplia vista de su entorno azotado por el viento se siente como estar precariamente cerca del borde del mundo. Catherine Ruane creció en este "borde". El desierto de Mojave es un lugar salvaje lleno de misterio, desafíos, peligros y maravillas imposibles. Las plantas nativas no solo son milagrosas de contemplar, sino que son una metáfora de nuestra propia supervivencia. El conjunto de dibujos de Ruane está dedicado al icónico, inusual y omnipresente árbol de Joshua.

 

Dance Me to the Edge consta de 12 dibujos redondos, de 30 cm de diámetro cada uno, que dan un guiño a la cuenta del tiempo en la esfera de un reloj, así como el reconocimiento del equilibrio y la continuidad inherentes al paisaje inalterado del desierto. También hay un dibujo más grande, que representa un árbol de Josué en plena floración, que se erige como símbolo del continuo de la vida en las generaciones en curso: la vida engendra vida.

 

Los árboles de Joshua son de crecimiento lento y de larga vida, y varios alcanzan los mil años de edad. Esta planta cuenta una historia de supervivencia, resistencia y persistencia. Existe una relación simbiótica entre el árbol y una pequeña polilla en particular que poliniza la flor de Josué a cambio de sus provisiones alimenticias y protección para sus huevos maduros. La cooperación y el espacio de tiempo son importantes para la supervivencia de este árbol del desierto.

 

Ruane eligió usar carbón básico y lápiz de grafito para dibujar meticulosamente las características de esta planta prehistórica y su dependencia de un pequeño insecto del desierto. Es como si el árbol de Josué y su polilla estuvieran en una danza de perfecto equilibrio, reflejando la delicada relación entre la humanidad y el medio ambiente.

 

Catherine Ruane es miembro de Southern Graphics Council International, College Arts Association, West Coast Drawing y Los Angeles Art Association. También ha completado comisiones para varias grandes empresas, que incluyen: The Walt Disney Company, Citi Bank, Hyatt Hospitality Corporation y Ritz Carlton Hotel Development Company. Actualmente reside en San Diego, California.

 
 
Marthe Aponte: Memories of a Joshua Tree

Marthe Aponte se preocupa por la relación entre el tiempo y la mirada, buscando crear piezas en las que el artista y el espectador se transporten a otro mundo, donde uno se anima a saborear el momento, invitando a la desaceleración y la contemplación. Su técnica de picoté, compuesta de diferentes tamaños y texturas de agujeros perforados a través del papel con la herramienta singular del artista, un punzón, obliga a los espectadores a reducir la velocidad para apreciar mejor la complejidad de cada composición, una experiencia que va directamente en contra de la alta. velocidad, la tecnología alimentó la realidad de la existencia moderna.

 

El tema de este trabajo es el árbol de Josué. Sobre su tema, la artista declaró: "Me interesa el árbol de Josué no porque sea un símbolo de la flora del desierto de Mojave, sino porque me dio la oportunidad de explorar conceptos de vida, muerte y destino". Así, el artista incorporó la presencia de las Parcas mitológicas, hermanas visitantes de la mitología griega, que flanquean el árbol a cada lado. Un organismo que debe sobrevivir con escasos recursos, la austeridad del árbol de Joshua se presta bien a la técnica minimalista del picoté de Aponte. Para el artista, el árbol de Josué es un sitio sagrado, que existe en algún lugar de los espacios liminales entre la vida y la muerte, potencialmente sujeto a la misericordia, la ira o el capricho de las hermanas griegas.

 

Marthe Aponte es una artista autodidacta que comenzó su práctica en Antelope Valley hace cinco años. Desde entonces, se ha convertido en miembro de la Galería 825 de la Asociación de Arte de Los Ángeles y ha participado en numerosas exposiciones en todo el condado de Los Ángeles, incluida la Exposición con jurado Sweet 16 de Coagula Curatorial y la Feria de arte stART Up de 2017. También recibió el premio Beryl Amspoker Memorial Award a las artistas femeninas destacadas durante la Exposición Anual Jurada del MOAH, Cedarfest. Aponte actualmente reside en Lancaster, California.

 
Nicolas Shake: Wasteland

El material fuente del trabajo de Nicolas Shake se deriva de lo que otros dejan atrás. Los desechos comerciales de la vida suburbana, desechados en el desierto, se reconfiguran en arreglos complejos y a menudo surrealistas, solo para continuar su lenta desintegración en el duro clima. Para crear sus composiciones, Shake apiló neumáticos, construyó espantapájaros abstractos con cajas de cartón, volcó sofás y hizo vallas endebles con trapeadores, escobas y rastrillos, ordenando y reorganizando estos elementos desechados en una oda tanto a su naturaleza temporal como a lo humano. fracaso que implican como restos descartados del sueño americano. Una vez finalizadas las composiciones a satisfacción del artista, éste se ilumina con la luz de su vehículo. Esto da como resultado arreglos de otro mundo a gran escala que se hacen eco de temas de posibilidad onírica tanto como evocan un desastre postapocalíptico. Una vez completadas, las estructuras se dejan deteriorar hasta quedar en ruinas, y esto es parte del asunto.

 

Nicolas Shake recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Rhode Island School of Design en 2008 y su Maestría en Bellas Artes de Claremont Graduate University en 2011. Shake vive y trabaja en Los Ángeles, California.

 
Ron Pinkerton: La última batalla

El material fuente del trabajo de Nicolas Shake se deriva de lo que otros dejan atrás. Los desechos comerciales de la vida suburbana, desechados en el desierto, se reconfiguran en arreglos complejos y a menudo surrealistas, solo para continuar su lenta desintegración en el duro clima. Para crear sus composiciones, Shake apiló neumáticos, construyó espantapájaros abstractos con cajas de cartón, volcó sofás y hizo vallas endebles con trapeadores, escobas y rastrillos, ordenando y reorganizando estos elementos desechados en una oda tanto a su naturaleza temporal como a lo humano. fracaso que implican como restos descartados del sueño americano. Una vez finalizadas las composiciones a satisfacción del artista, éste se ilumina con la luz de su vehículo. Esto da como resultado arreglos de otro mundo a gran escala que se hacen eco de temas de posibilidad onírica tanto como evocan un desastre postapocalíptico. Una vez completadas, las estructuras se dejan deteriorar hasta quedar en ruinas, y esto es parte del asunto.

 

Nicolas Shake recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Rhode Island School of Design en 2008 y su Maestría en Bellas Artes de Claremont Graduate University en 2011. Shake vive y trabaja en Los Ángeles, California.

 
Aline Mare: El ángulo de reposo

Durante el año pasado, Aline Mare se vio envuelta en varios encuentros misteriosos durante largos viajes al desierto de Mojave. En este conjunto de imágenes, la artista se ha sumergido en esos paisajes, abierta al tirón de objetos y narrativas incrustadas en la desnudez del desierto. Mare intenta capturar el espíritu del medio ambiente a través de sus elementos tangibles: raíces, vainas, nubes tenues, flores del árbol de Joshua y otros diversos fragmentos de los sistemas vivos del desierto.

 

Cada pieza es una amalgama de imágenes que se escanean, alteran, pintan y recombinan para crear una rica capa de fuentes. Los objetos biológicos y urbanos se fusionan con la marca, las fuentes fotográficas y los medios digitales para componer un lenguaje poético donde los sistemas de generación y comunicación se vinculan para formar una nueva sintaxis. Usando la iluminación de la máquina como fuente de luz original, Mare utiliza el escaneo digital como una interpretación contemporánea del proceso fotográfico del siglo XIX del cliché verre, literalmente una frase griega que significa "imagen de vidrio". Las distintas capas de imagen y fondo sensorial amplifican la belleza directa del objeto natural a medida que interactúa con la tecnología, creando una hibridación moderna entre el proceso fotográfico histórico y las pinturas realizadas a mano por el artista.

 

Así, los objetos erosionados se convierten en talismanes, artefactos cargados de viviendas pasadas, blanqueados y fracturados por el sol y cargados con una energía subjetiva. Cada cuadro es un escenario teatral donde el tiempo se convierte en actor, tanto dador como destructor de vida, dentro de un espacio donde se revelan silenciosos misterios.

 

Aline Mare es una artista multidisciplinar y multimedia, que actualmente se concentra en la fotografía, el video y la instalación. En 1991, se le otorgó una residencia para las artes del estado de Nueva York, así como la Beca de Artes New Langdon. Participó en Headlands Residency for the Arts en 1999 y fue Artista Kala en Residencia en 2006. En 2012, Mare recibió una Beca de Capacidad Creativa de la Ciudad de San Francisco. En 2015, participó en la residencia Starry Nights de Nuevo México, así como en Surpass, una gira de arte chino-estadounidense de China.

 
Randi Hokett: Crystalworks

Hokett se basa en la volatilidad de las placas tectónicas y los volcanes como manifestaciones geológicas de la creación como metáfora de la formación del paisaje personal. Utilizando una variedad de materiales que incluyen sal y bórax extraídos del propio desierto de Mojave, Hokett cultiva cristales en paneles de madera rotos, rotos y quemados. Ella usa la química para hacer crecer los cristales y luego agrega tinta, pintura y encáustica para crear el panel terminado. Desdibujando las líneas entre pintura y escultura, explora una compleja narrativa de crecimiento en un lugar donde en un momento solo hubo daños. Crystalworks se basa en gran medida en ideas y procesos basados ​​en la ciencia para abordar la herida o cicatriz como el espacio liminal que permite la belleza del crecimiento, el cambio y la trascendencia.

 

Randi Hokett nació y se crió en el sur de California. Obtuvo su Licenciatura en Historia del Arte de la Universidad de California en Los Ángeles y su Maestría en Bellas Artes en Historia del Arte y Estudios de Museos de la Universidad del Sur de California. Está inspirada por la ciencia, especialmente la geología y la química. Los temas recurrentes en su trabajo incluyen las relaciones entre daño / crecimiento, aislamiento / conexión, amor / lujuria, nacimiento / renacimiento, luz / oscuridad y otros lugares de intersección. El trabajo de Hokett se ha exhibido en la Galería Municipal de Los Ángeles, el Centro de Bellas Artes de Irvine y el Museo de Arte e Historia de Lancaster. Vive y trabaja en Los Ángeles.