26 de agosto - 22 de octubre de 2017
Marco Casentini Drive In Estate Italiana MOAH Lancaster, CA
Marco Casentini Drive In Estate Italiana MOAH Lancaster, CA 2017 (6)
Alex Pinna installation Estate Italiana MOAH Lancaster CA 2017 (2)
Antonella Masetti installation Estate Italiana MOAH Lancaster CA 2017 (15)
Antonella Masetti installation Estate Italiana MOAH Lancaster CA 2017 (13)
Max Coppeta detail Estate Italiana MOAH Lancaster CA 2017 (2)
Max Coppeta Estate Italiana MOAH Lancaster CA 2017
Carlo Marcucci detail Estate Italiana MOAH Lancaster, CA 2017 (3)
Carlo Marcucci detail Estate Italiana MOAH Lancaster, CA 2017 (2)
Carla Viparelli Estate Italiana  MOAH Lancaster, CA 2017 (4)
Carla Viparelli Estate Italiana video installation MOAH Lancaster, CA 2017 (3)

PATROCINADORES DE LA EXPOSICIÓN:

El Museo de Arte e Historia de Lancaster (MOAH) celebra la rica y vibrante historia de la tradición artística italiana al presentar a siete artistas italianos contemporáneos en su exposición más reciente, Estate Italiana. MOAH dará inicio a esta exposición con una recepción de apertura gratuita el sábado 26 de agosto, de 4 a 6 pm, donde el público podrá ver la exposición y conocer a cada artista.

Estate Italiana (verano italiano) estará a la vista desde el sábado 26 de agosto hasta el domingo 22 de octubre. La exposición es parte de un programa de intercambio cultural entre el Museo de Lancaster y ART1307, una institución artística con sede en Nápoles, Italia. El intercambio comenzó en 2015 cuando ART1307 organizó una exposición que se originó en MOAH. La exposición de este verano presenta una amplia variedad de trabajos que incluyen pinturas, esculturas, instalaciones de video y murales.

La curadora invitada Cynthia Penna escribe: "No hay duda de que la gran e inmensa historia del arte italiano se cierne como una nube pesada y compleja sobre los artistas de hoy". Al igual que los hijos o hijas que viven a la sombra de un padre famoso, muchos artistas italianos contemporáneos se ven aplastados por el peso del legado de maestros como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci o Rafael, por nombrar algunos. Los artistas que asumen este desafío en Estate Italiana son Alex Pinna, Antonella Masetti, Carla Viparelli, Carlo Marcucci, Max Coppeta y Nicola Evangelisti.

Marco Casentini, originario de La Spezia, Italia, se unirá a los artistas de Estate Italiana con el lanzamiento de su propia exposición itinerante, Drive In, que transformará la galería principal de MOAH y exhibirá su vibrante colección de pinturas abstractas inspiradas en estructuras arquitectónicas metropolitanas. Con Drive In, la galería se convierte en una instalación inmersiva que envuelve al espectador en formas y colores geométricos, creados específicamente en relación con la propia galería. Al hacerlo, Casentini tiene como objetivo desarrollar una relación compleja con el espacio más grande y modificar la percepción del espectador. Esta exhibición también celebrará el sexagésimo aniversario del Fiat 500 envolviendo el vehículo en un diseño complementario, que el público podrá visitar en la sala de exhibición Hunter Alfa Romeo / Fiat en el Lancaster Auto Mall. Drive In viajará a Milán, Italia en la Galería de Arte Bocconi de la Universidad Bocconi y terminará en la Reggia Reale di Caserta en Caserta, Italia después de su lanzamiento aquí en Lancaster.

El domingo 3 de septiembre, a las 14 horas, los artistas italianos visitantes ofrecerán un recorrido por la galería, donde hablarán sobre su trabajo y procesos artísticos. Carla Viparelli será la anfitriona de una charla de artista gratuita para involucrar a la comunidad en conjunto con Estate Italiana el domingo 8 de octubre a partir de las 2 p.m. en la Galería Sur del Museo. La presentación incluirá una descripción general de su experiencia como artista italiana contemporánea y su trabajo actual en exhibición.

Estate Italiana cuenta con el generoso apoyo del Lancaster Museum and Public Art Foundation, ART 1307, Best Western - Desert Poppy Inn, Hunter Alfa Romeo / Fiat, Fregoso Outdoor Foundation, Visco Financial Insurance Services, LookUp y el Instituto Cultural Italiano de Los Ángeles.

 
 
Alex Pinna

Alex Pinna comenzó su práctica artística con un enfoque en el mundo de la cultura infantil, los cómics y los cuentos de hadas. Desde esos primeros días, ha creado muchas obras divergentes, dando vida a un mundo de figuras esenciales construidas a partir de una variedad de materiales, incluidos el bronce, la cuerda, la madera y el vidrio, cuyas características principales son la elegancia, el equilibrio y la ironía.

En una serie de esculturas para sitios específicos creadas específicamente para Estate Italiana, Pinna aborda el tema de la humanidad en momentos de acción, reflexión, meditación y soledad; su objetivo no es el cuerpo físico, sino la condición existencial del hombre. Estos cuerpos sin género, con miembros gigantes unidos a baúles delgados y cabezas rapadas que no dan indicios de sexo, simbolizan la condición de ser humano, más que la de tener personalidad. Figuras esbeltas que parecen enfrentar esfuerzos que van más allá de lo que puede hacer un ser humano, que sostienen enormes paredes con el cuerpo para evitar que se derrumben, que levantan el globo o se apoyan en él, sentados en un precario equilibrio, parece que estamos ante un héroe de la mitología griega, un Hércules que afronta un desafío tras otro. Pinna ha recreado una metáfora mitológica dentro de un mundo contemporáneo. Sus personalidades son simplemente los héroes del pasado.

Estos temas también han inspirado los “teatros de marionetas” del artista, hechos a partir de cuadernos Moleskine® convertidos en ventanas emergentes que revelan diferentes personajes y personalidades. En estas obras, Pinna utiliza un objeto que los viajeros han utilizado durante décadas para anotar sus experiencias, un diario personal pero universal, un diario con el que todos podemos identificarnos, que cuenta historias una vez abierto. Es el teatro por excelencia. De hecho, ¿qué es el teatro, de la tragedia griega a la comedia, sino un relato ininterrumpido de una historia, de vidas y exploraciones? La Moleskine® se convierte a la vez en teatro y libro, abriéndose para revelar una escena emergente, un fragmento de vida, un instante o una eternidad, una especie de “decorado” teatral, de vida colectiva e individual.

Alex Pinna nació en Imperia y asistió a la Academia de Bellas Artes Brera en Milán, donde obtuvo una Maestría en Bellas Artes en pintura. En 1991, colaboró con Allan Kaprow, creando la exposición 7 Ambientes, que se mostró en la galería Mudima de Milán y Nápoles. Comenzó a enseñar en 1996 y ha expuesto continuamente en museos y galerías desde 1997. Actualmente Pinna es profesora de escultura en la Academia de Bellas Artes de Cantanzaro.

 
Antonella Masetti

En el universo de los artistas, el espectador puede reconocer un hilo dentro de la tradición italiana que ha progresado desde los paisajes apenas visibles en el fondo de las pinturas de De Vinci, a los cuerpos más masivos y poderosos de Miguel Ángel, a la sofisticación intelectual de las obras de Piero. della Francesca o Bronzino. Antonella Masetti Lucarella ha hecho suya la tradición italiana de la pintura desde el humanismo hasta el manierismo, plasmándola en sus lienzos. Sus elecciones de color confirman aún más el hecho de que sus obras son parte de la herencia tradicional italiana.

Las mujeres de Masetti están inmersas en su cotidianeidad, no hay en ellas un sentimentalismo banal o vacío, sino sentimientos palpitantes: sufren, ríen, participan y luchan. Estas mujeres, a las que se dedica una parte considerable de la obra del artista, son gentiles guerreras; a veces muestran complicidad, pero también son conscientes de sí mismos y de su poder. El universo femenino finalmente se ve y se describe desde adentro. Las mujeres de Masetti no tienen necesidad de presumir, asumir actitudes o jugar un papel. Sus mujeres lo son, y lo saben; es decir, son conscientes de su existencia e interioridad.

Antonella Masetti Lucarella es una pintora de renombre internacional que ha trabajado en Milán durante más de 25 años. Ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en galerías de arte, museos, centros culturales y ferias de arte en Italia, España, Francia, Suiza, Bélgica, Holanda, Hungría, Perú y Japón. En 1991, recibió el III Premio Internacional de D&D Art Magazine y en 2000 su boceto, que conmemora el Simposio Internacional sobre Cáncer de Mama de Roma, fue impreso y emitido como sello por Poste Italiane (la Oficina General de Correos de Italia).

 
Carla Viparelli

Carla Viparelli es una artista figurativa autodidacta que se graduó en filosofía en la Universidad de Nápoles. Sus pinturas han evolucionado a lo largo de unos 30 años, en el transcurso de los cuales ha experimentado con diferentes tipos de arte figurativo. La investigación artística de Viparelli se centra principalmente en la naturaleza, sus diferentes vertientes y sus innumerables transformaciones, pero también explora los acontecimientos sociales y el sentimiento común contemporáneo.

Una parte constante de su trabajo ha estado dedicada al lenguaje y sus diferentes formas de expresión: principalmente a través de imágenes pero también a veces a través de la escritura. En muchas de sus obras la artista ha conectado los dos modos de expresión, creando una especie de vocabulario a partir de imágenes y escritos que dialogan entre ellos, con un estado de ánimo que oscila entre lo serio y lo gracioso.

Carla Viparelli nació en Nápoles y recibió una licenciatura y una maestría cum laude en Filosofía en la Universidad de Nápoles, donde completó una tesis en Arte Contemporáneo. A lo largo de su carrera, ha recibido numerosos premios, entre ellos: primer premio en el Concurso Internacional de Pintura, Borgo San Severino, en 2009, primer premio en el concurso Postcards Assissi en 2014 y primer premio en 100 Cubed — 100 Rooms for 100 Artists, en Art Hotel Grand Paradiso en Sorrento. En 2012 fundó y dirigió Chi cerca, Crea, taller en el Municipio de Maratea. Actualmente vive y trabaja en Nápoles y Maratea.

Carlo Marcucci

De origen italiano pero californiano por elección, Carlo Marcucci encarna los beneficios de abrazar dos culturas que son bastante diferentes en muchos aspectos. La fusión de dos tradiciones se produce en el momento en que la aceptación de lo nuevo y diferente se asimila e incluye entre los tesoros de un pasado más remoto, sin sacrificar ni el antiguo ni el nuevo patrimonio. Lo que hace único a Marcucci es que logra fusionar la moral, los usos y las tradiciones sin ningún temor reverencial de alterar una realidad o tradición en particular.

 

El equilibrio necesario para lograrlo se materializa en un uso innovador e inusual de materiales, en este caso del patrimonio culinario del país natal del artista. El espagueti, que juega un papel importante en el imaginario colectivo de la cultura italiana, tanto en Italia como en el extranjero, se ve privado de su función original y se utiliza para crear obras de arte. Wheatfields se hizo principalmente con espaguetis, como para confirmar que la combinación de costumbres y tradiciones es una manifestación de las artes. Marcucci logra descontextualizar la pasta de su función básica y tradicional como alimento, haciéndola servir de nutrición para la mente y el espíritu, en una disposición constructivista y geométrica, combinando sus elementos para crear un mural de escultura. El objetivo es alterar la naturaleza intrínseca del objeto, efectuando una transformación destinada a instaurar otra función. Las obras con carpetas utilizan un proceso similar: estos artículos de papelería se seleccionan y catalogan por color y dimensión, luego se vuelven a ensamblar como estructuras geométricas. Cuando se cuelga en la pared, el metal de las carpetas refleja la luz, transformando el material original en una obra de arte.

Carlo Marcucci nació en Florencia, Italia de la artista estadounidense Sallie Whistler Marcucci y el periodista italiano Moreno Marcucci. Creció en el centro de Roma, donde asistió a St. Stephen's International School, ubicada junto al Circus Maximus, antes de mudarse a Atlanta, Georgia, para estudiar diseño en el Atlanta College of Art (ahora SCAD Atlanta). Trabajó como diseñador gráfico y experto en señalización en Jan Lorenc Design y Wagner / Bruker Design en Atlanta. Su primera exposición individual se llevó a cabo en la Ann Jacob Gallery de Atlanta. Después de mudarse a Los Ángeles en 1990, Marcucci trabajó en Disney Imagineering en señalización y diseño gráfico, para el parque EuroDisney en Serris / Coupvray, Francia. Su primera exposición en California se llevó a cabo en la Creative Art Center Gallery de Burbank.

 
Marco Casentini: Drive In
 

Nacido en La Spezia, Italia en 1961, Marco Casentini se crió rodeado de grandes estructuras metropolitanas. Inspirado en los espacios urbanos, el trabajo de Casentini es una abstracción de la arquitectura geométrica. A la vez caótico y sereno, su obra rechaza el concepto de centro compositivo que siempre ha sido un enfoque históricamente importante del arte tradicional italiano y europeo; una elección que permite que el ojo del espectador se concentre en la pintura en su conjunto. Como pinturas individuales, agregan tensión rítmica a espacios tranquilos y relajantes, logrando así la capacidad de evocar emociones a través de sus sorprendentes yuxtaposiciones de color y complejidad de forma y composición en lugar de mediante el uso de imágenes concretas. Sus primeros trabajos se compusieron a partir de una planificación avanzada, notas y dibujos precisos. Con el tiempo, Casentini sintió que esta implementación le daba a su trabajo una calidad de máquina indeseable. En un intento por devolverle la intimidad a su trabajo, dejó de planificar y comenzó a confiar en su propia intuición e improvisación.


Las galerías que exhiben las pinturas de Casentini a menudo se transforman en instalaciones vibrantes e inmersivas que combinan con los colores y patrones de la obra en exhibición. Las pinturas murales se desarrollan en relación con el espacio interior particular involucrado y nacen por separado de la obra en exhibición. Una vez juntas, las pinturas ya no están aisladas y, en cambio, interactúan armoniosamente entre sí y con el espacio en su conjunto. Al hacerlo, Casentini puede desarrollar una relación compleja con el espacio más grande y modificar su percepción por parte del espectador. Es prácticamente imposible separar los cuadros de la instalación por estar encerrados en un cuerpo de formas y colores que se comunican entre sí con una solidaridad tan intensa.

Marco Casentini asistió a la Accademia di Belle Arti y al College of Art en Carrara, Italia, actualmente reside tanto en Los Ángeles como en Milán y ha expuesto internacionalmente con galerías en Italia, Estados Unidos, Alemania, Suiza, Holanda, Australia y Austria, exhibiendo más de 40 exposiciones individuales desde 1983.

 
Max Coppeta

Max Coppeta es un artista para quien la herencia del arte cinético tradicional, desarrollado a lo largo del siglo pasado, descansa fuertemente sobre sus hombros. Se cree que este movimiento comenzó en Europa con los experimentos ópticos de artistas como Vasarely, pero el nacimiento real de un arte cinético específico se puede atribuir a los estudios de aquellos influenciados por el grupo de artistas argentinos que se trasladaron a París en 1958. creando el movimiento GRAV en la Galería Denise Renè.

 

La investigación artística de Coppeta se centra en una serie de aspectos fundamentales: las innumerables visiones posibles que una obra de arte ofrece al espectador, la participación necesaria e inevitable del espectador en el disfrute de la obra, que puede definirse como un aspecto cinético del conjunto. —Y la distorsión de la percepción visual. Las lluvias sintéticas del artista se crearon calculando y calibrando la caída de un líquido cristalino sobre un soporte de vidrio, con una precisión maníaca. El descenso de la gota está regulado por un gesto que está en función del tiempo que tarda la gota en caer, su espacio y distancia al soporte, y ocasionalmente las condiciones climáticas de secado. Siempre hay más de dos gotas y dos soportes de vidrio, que están alineados de tal manera que las gotas de líquido se engloban visualmente entre sí, con tal precisión que el espectador puede mirar a través de su sucesión. La vista resultante aparece distorsionada, dando al observador la impresión de estar deformado, a través de una especie de visión desestabilizadora. Esta experiencia puede definirse como un viaje dentro de la visión. Un movimiento, realizado cuando el espectador se coloca frente a la obra, determina un movimiento irreal en la pieza; el usuario, al relacionarse físicamente con el arte a través de su movimiento, obtiene una impresión de sí mismo que puede definirse como un nuevo “descubrimiento” o un nuevo tipo de percepción visual.

 

Max Coppeta nació en Sarno; recibió una licenciatura en arte en la Accademia di Belle Arti Napoli en Nápoles y una maestría en diseño de interacción en el Istituto Superiore Design en Torino, Barcelona y Estocolmo. Actualmente vive y trabaja en Bellona.

 
Nicola Evangelisti

El tema central de la obra de Nicola Evangelisti se centra en la percepción visual y cómo el espectador se relaciona con sus obras y los efectos creados por la luz que irradia de ellas. Formada con materiales y técnicas tradicionales, la práctica de Evangelisti se origina y evoluciona a partir de un legado de la escultura italiana. La experimentación llevó al artista a seguir lo que él describe como “un camino trascendente”: utilizando cristales, espejos, vidrios, hologramas y LED, sus obras se desmaterializan gradualmente en el tiempo, convirtiéndose finalmente en luz pura en forma de proyecciones de video que interactúan con el espacio urbano.

 

La mayor parte del trabajo del artista explora la relación entre el orden y el caos, así como otras teorías cosmológicas. Hexagons se inspira conceptualmente en el tema de la geometría sagrada. Consta de una estructura formada por trece hexágonos reflectantes que a su vez forman otra imagen hexagonal, la escultura se basa en el principio de auto-semejanza en estructuras universales. La obra, vista en su conjunto, superpone la imagen arquetípica de la flor de la vida, símbolo del nacimiento y la creación, que representa una constante en las diferentes culturas y creencias a lo largo de la historia del Hombre. El diagrama presenta la misma forma que las partes individuales reflejadas, creando una correspondencia entre el detalle y el todo, un desarrollo fractal que, en teoría, podría continuar en una infinidad de escalas, formando así una continuidad entre el microcosmos y el macrocosmos. Las líneas de alambre electroluminiscente que cruzan los hexágonos crean un tejido complicado, en el que los cinco sólidos platónicos se pueden percibir simultáneamente. La “constelación”, inspirada en la teoría de los poliedros de Kepler en la que las caras poliédricas se extienden continuamente hasta volver a encontrarse, está formada por fibras luminiscentes entrelazadas que crean la ilusión de una estructura de diamante, en la que se pueden distinguir diferentes polígonos regulares coexistentes.

 

Si la obra de Evangelisti es totalmente contemporánea en términos de composición tecnológica, tiene sus raíces en un antiguo patrimonio histórico y artístico: los mosaicos romanos. Hexagons se inspira en la geometría modular que se encuentra en los mosaicos romanos. La estética del hogar siempre ha sido un espejo vivo y fiel de la cultura: si consideramos las características de la domus romana, y especialmente lo que queda de tales mansiones en Pompeya, uno de los aspectos esenciales parece ser la forma en que se dividen las habitaciones. y dispuestos en el espacio, formando un plano doméstico con geometrías precisas y complejas, como Vitruvio describió tan instructivamente en su “De Architectura”. Los elementos geométricos utilizados para decorar suntuosas mansiones patricias formaban imágenes simétricas que a menudo presentaban símbolos asociados con la guerra: espadas, dagas y criaturas mitológicas estilizadas, testimonios de una civilización que nunca dejó de trascenderse a sí misma. Ésta es la peculiar "sed de poder" que, en el papel de maestro de la mansión romana, tomó la forma de elaboradas decoraciones.

 

Nicola Evangelisti nació en Bolonia, Italia, y se graduó en escultura en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En 2016, abrió su exposición individual beWARe en la Galería de Arte Area 35 de Milán; analizando los estados emocionales inducidos por la violencia y la propaganda de los medios de comunicación, explora los temas sociales y políticos relacionados con la guerra y el terrorismo.