Motores y creadores

11 de febrero - 16 de abril de 2017

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Charles Hollis Jones: cincuenta sillas, cincuenta años

En todo el mundo del arte, Charles Hollis Jones es conocido como el "Rey de Lucite", y por una buena razón, ha continuado redefiniendo el uso del acrílico en muebles durante más de cincuenta años. Palabras como innovador, artesanía, lujo y transformación pueblan las descripciones del trabajo de Jones, amado por íconos clásicos de Hollywood como Lucille Ball y Frank Sinatra, además de varios arquitectos, diseñadores y coleccionistas destacados.

A la edad de dieciséis años, Jones fundó su firma, CHJ Designs. Después de su graduación de la escuela secundaria dos años después, se mudó de Bloomington, Indiana a Los Ángeles, siguiendo su ya exitosa carrera como fabricante de muebles. Aunque Jones es conocido hoy en día por sus diseños acrílicos impresionantes y flotantes, sus primeras piezas se construyeron principalmente en latón, lo que le valió su primer apodo en el mundo del arte, "The Chrome Kid". Jones ha dicho que inicialmente se sintió atraído por el acrílico debido a su similitud estética con el vidrio y su fácil manipulación, lo que le permitió, en algunos de sus primeros esfuerzos artísticos, reinterpretar los diseños de la Bauhaus que admiraba en un medio translúcido.

Elogiado por su maleabilidad, el plástico se ha utilizado durante mucho tiempo en todo, desde el campo médico hasta la industria de la moda, pero la gente generalmente no lo considera un material artesanal. En este sentido, Jones es único, pionero y visionario. En sus elegantes diseños de muebles, los plásticos se elevan de su estado comercial al ámbito de las bellas artes. Donde otros creadores vieron un material básico, él vio un milagro de la alquimia, que necesitaba ser respetado y comprendido para poder ser utilizado en su máximo potencial.

Mientras que el vidrio simplemente refleja la luz, los acrílicos permiten que cada rayo atraviese el material, llevándolo de tal manera que, cuando se utiliza de manera efectiva, parece estar iluminado desde adentro. Fascinado por esta transmisividad, Jones se enamoró rápidamente de las complejidades alquímicas de los acrílicos, dominando el material de formas que sus predecesores no habían logrado. En sus hábiles manos, las articulaciones que unen múltiples planos de Lucite desaparecen, mientras que la luz que pasa a través se abraza y se amplifica, dando como resultado una obra de diseño inequívoca.

Charles Hollis Jones ha recibido muchos premios por su destreza y ha sido reconocido por el Instituto Smithsonian por su uso pionero de Lucite. En 1971, el gobierno alemán le otorgó a Jones un premio Brilliance of Design por su lámpara Edison, mientras que la Junta de Supervisores de Los Ángeles le otorgó un premio por sus tablas Metric Line en 1976. En 1992, AIDS Healthcare Foundation honró al artista con el Premio Carl Beam Sculpture, en reconocimiento a su trabajo voluntario en nombre de la Sociedad Estadounidense de Diseñadores de Interiores. El Pacific Design Center otorgó a Jones el premio al Diseñador de Producto del Año 2004 , en reconocimiento a los logros de su vida. En 2007, Design Within Reach presentó una retrospectiva de su trabajo en sus ubicaciones emblemáticas en Los Ángeles y Beverly Hills. El trabajo de Jones también se ha publicado en numerosas revistas, como Architectural Digest, Desert Living, Designers West, Elements, Hollywood Life, Home and Garden, Modern Magazine, The Los Angeles Times y The New York Times.

 
Chris Francis: Versatilidad: una encuesta de cinco años

Chris Francis es un zapatero y diseñador autodidacta cuyas experiencias de vida a menudo se reflejan en su arte. Pasó la mayor parte de su vida adulta viajando por los Estados Unidos en trenes de carga, trabajando en barcos y en carnavales, teatros y cabarets. La ecléctica historia personal de Francis está infundida en una colección de obras que es tan diversa como la historia laboral del artista: ha colgado de rascacielos, ha trabajado como deshollinador e incluso ha encontrado empleo como desmoche de árboles.

Inspirado en todo, desde el movimiento punk hasta la arquitectura, el diseño industrial y la Bauhaus, las características del trabajo de Francis a menudo incluyen colores llamativos, una silueta fuerte, líneas nítidas y simplicidad. Cada pieza se crea internamente, lo que permite al artista mantener un control total sobre el proceso de diseño. A menudo trabaja con materiales encontrados, experimentales y alternativos a la zapatería tradicional.

De acuerdo con el espíritu de experimentación, muchas de las piezas de esta colección se inspiraron en la Escuela de Arte y Diseño Bauhaus en Alemania, que se hizo famosa a principios del siglo XX por combinar la artesanía y la ingeniería con una variedad de medios de bellas artes, incluida la escultura. , pintura y arquitectura. Francis ha declarado que opera su propio taller bajo muchos de los mismos principios que impulsaron el movimiento Bauhaus, buscando fusionar las bellas artes, la arquitectura, la moda y el diseño en un solo acto, creando así zapatos que son hermosos y funcionales, como todos. las disciplinas artísticas invocadas se valoran de igual a igual.

Los diseños de Francis son usados regularmente por celebridades y músicos, y han aparecido en publicaciones como Vogue, Metropolis y Ornament . Ha expuesto en varios museos, incluido el Museo de Arte de Palm Springs, el Museo de Arquitectura y Diseño , y una exposición individual en el Museo de Artesanía y Arte Popular de Los Ángeles . También fue invitado a exponer como artista en FN PLATFORM en Las Vegas, donde trasladó todo su taller al lugar para que actuara como exhibición.

 
David B. Jang: Producción de deflexión

Tanto un artista como un inventor, David B. Jang es conocido por sus imaginativas instalaciones cinéticas, que emplean electrónica de consumo pirateada y electrodomésticos subvertidos. Estos vestigios de tecnología, con las instrucciones de su vida literalmente codificadas en sus placas base, son los componentes básicos de la práctica de Jang. Al deconstruir, reprogramar y reconstituir los desechos industriales y comerciales, Jang crea obras inmersivas que son, como las describe el crítico de arte Peter Frank, "a la vez hilarantes, aterradoras, encantadoras y extrañamente tranquilizadoras".

En última instancia, el trabajo de Jang trata sobre la supervivencia, o lo que él llama "tácticas de vida". Sus instalaciones exploran la corta esperanza de vida de los materiales desechados y su relación con la mortalidad orgánica. Enraizado en una crítica lúdica del capitalismo combinada con una sed de novedad, Jang desvía la atención del producto hacia el proceso y el consumidor. Si la propiedad de la propiedad es un camino hacia el "sueño americano", la intención de Jang es subvertir, diseccionar, comprender y redirigir la propiedad para verificar su potencial y verdad, o exponer su mentira. Su trabajo es atractivo y sutilmente provocativo, confrontando a los espectadores con su hábito complaciente de experimentar el medio ambiente indirectamente, a través de una versión del mundo que los humanos han ideado. En el trabajo de Jang, los espectadores primero deben perderse para encontrarse a sí mismos. A través de sus investigaciones en curso, el artista emprende una documentación de la era industrial, no a través de la representación, sino mediante la reutilización y reelaboración de tecnologías existentes, y a través de ellas, exponiendo sus elementos humanos y falibles inherentes.

David B. Jang ha expuesto tanto a nivel nacional como internacional en varios museos y galerías, entre ellos: el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; Museo de Arte Laguna; Museo de Bellas Artes de Nagasaki, Japón; Centro de Arte Paju Kyoha, Corea; Galería Shone-show, China; Centro de Arte del Patrimonio, Filipinas; Proyectos Locust, Miami; AAF, Alemania, Holanda y Canadá . Ha aparecido en varias publicaciones, como Miami New Times, Wall Street International, Huffington Post Arts, Art Ltd., Korean American Magazine, ARTPULSE, Artillery, KCET Artbound, Coagula Art Journal, California Contemporary Art Magazine y Art Week LA. .

 
Lisa Schulte: círculo completo

Trasladada por el acto de doblar y dar forma a la luz mediante la mezcla de diferentes gases, vasos y fluorescentes en su estudio, Lisa Schulte dice que ve todo en neón. “Mi amor por la 'luz' comenzó a finales de mi adolescencia”, afirma el artista. “Tenía un amigo que era DJ en una discoteca. Yo era menor de edad, así que entraba con el pretexto de 'hacer funcionar las luces'. ¡Me encantó! Descubrí las luces de neón a principios de los 80 y nunca me desvié de esa fuente peculiar ". Autodidacta, el trabajo de Schulte combina su experiencia en la industria del cine y la televisión con su amor por las bellas artes. Durante los últimos treinta años, ha sido propietaria y ha operado Nights of Neon, un estudio de fabricación de servicio completo, al tiempo que se centra en su propia práctica artística, que, hasta hace poco, ha marcado una divergencia con el trabajo comercial de neón de la artista.

Durante varios años, las obras escultóricas de Schulte consistieron únicamente en diferentes temperaturas de luz blanca, tejidas a través de piezas amorfas de madera seca, mientras que la señalización personalizada que produjo para Nights of Neon utilizó aplicaciones tradicionales del medio: carteles brillantes y luces de colores. Los primeros comprenden la serie Essence of Time del artista, un grupo de esculturas meditativas y minuciosamente elaboradas imbuidas de simbolismo, destinadas a trascender los cambios infinitos del paisaje natural y el viaje de la experiencia humana. Sin embargo, recientemente, el trabajo de Schulte se ha revitalizado al regresar a los orígenes de su práctica, produciendo un cuerpo de esculturas que tienen una forma más libre en espíritu y están vivas con todo el espectro de color. Algo frustrada y buscando impulsar su práctica en una nueva dirección, Schulte dice que comenzó a hacer pilas al azar de las coloridas palabras de neón que había creado en su estudio. Este enfoque intuitivo y basado en la acción fomentó la serie de esculturas actualmente en exhibición, que marcan una divergencia y un retorno a la práctica original del artista.

“El neón es un medio único y extraordinario”, afirma Schulte, “no funciona en un nivel 2D o incluso 3D. Es luminiscencia multidimensional; es luz extraída del aire y manifestada en forma ".

Lisa Schulte ha mostrado su trabajo en varios museos y galerías, entre ellos: el Museo de Arte de Neón, Glendale; Galería Scion, Culver City; Butterfield's en Sunset Blvd .; Broadway Art Space, Santa Mónica; Galería Joanne Artman, Santa Mónica; Rebel Ark Studio, Hollywood; Galería Hinge Modern, Culver City; Fabian Castanier Gallery en colaboración con el artista de graffiti Risk , Studio City; Proyecto de arte Paia, Maui . También recibió el encargo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) para crear una escultura basada en la letra de Diane von Furstenberg para la exhibición Feel Like a Woman del museo.

 
Lori Cozen-Geller: El borde

En su práctica, Lori Cozen-Geller busca capturar las emociones del corazón y la mente. Este proceso es cinético, comenzando con un sentimiento que evoluciona hacia una poderosa emoción que luego se transforma en arte. Al congelar estas emociones y traducirlas en forma concreta, Geller es capaz de visualizar la fuerza y el significado que se encuentran dentro de la pieza creada, la pasión del artista manifestada como arte. Los sentimientos mismos dictan los detalles de cada pieza, como el color y el acabado, que representan el poder de la emoción de la que nace cada obra. Otros detalles, como la decisión de utilizar ángulos agudos o curvas suaves, están informados por la naturaleza de las emociones representadas.

The Edge representa una culminación visual del momento en el que está a punto de tomarse una decisión dividida, que alterará para siempre el destino de uno. Un aluvión de emociones se fusiona para provocar el resultado final: la decisión. La escala de cada cubo junto con su acabado representa el poder de la decisión en cuestión. “Aunque mi arte es una expresión de mis propios sentimientos personales, estas emociones son universales para toda la humanidad”, afirma Geller, “los seres humanos comparten la misma paleta emocional aunque cada uno de nosotros tenga un conjunto diferente de circunstancias de la vida. La energía de la vida es el combustible que enciende mi pasión por expresar ”.

Lori Cozen-Geller ha mostrado su trabajo en varios museos y galerías, tanto a nivel nacional como internacional, que incluyen: Madison Gallery, La Jolla, Russeck Gallery, San Francisco, BGH Gallery, Bergamot Station, George Billis Gallery, Nueva York, Phoenix Art Museum, Galería Fellini, Berlín, Museo de Arte de Santa Mónica y Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles.

 
Sedi Pak: un momento en el tiempo

Desde muy temprano en mi vida he observado de cerca la naturaleza: la forma de un árbol, la forma de una hoja, las venas de esa hoja, cómo se junta todo, la naturaleza en su forma más básica. Estudio la luz, la textura y los patrones de la vida orgánica. Encuentro un ritmo en la naturaleza y me esfuerzo por replicarlo en mi arte. Me fascina la armonía y la falta de armonía entre el hombre y la naturaleza. Saco la mayor parte de mi inspiración de esto, cómo nuestras acciones impactan nuestro futuro. Lo que hacemos desencadena una cadena de eventos, difíciles de predecir o controlar.

-Sedi Pak

Pintora y escultora contemporánea, Sedi Pak ha pasado toda su vida desarrollando su enfoque personal de las artes visuales. Después de pintar profesionalmente durante dieciocho años, el artista comenzó a explorar medios tridimensionales. Esto llevó a la creación de su obra reciente, compuesta por instalaciones ambientales y esculturas que capturan la dimensionalidad visceral del mundo natural. Aunque aparentemente congeladas en el espacio, las esculturas de madera a gran escala de Pak evocan movimiento y parecen desafiar la gravedad mientras sus curvas talladas en espiral ilustran la ciencia de la naturaleza y su transformación continua, un momento en el tiempo conmemorado como los anillos de un árbol: silencioso, pero regalo.

Sedi Pak ha mostrado su trabajo en museos y galerías tanto a nivel nacional como internacional, incluyendo: Galerie Metanoia, París; Galerie 825, Los Ángeles; MB Abram Galleries, Los Ángeles . Participó como artista expositora en Project Heart: el beneficio artístico multimedia anual de recaudación de fondos de Uganda de 2010 a 2013 y ha aparecido en la página de Artes y Cultura de Huffington Post.

 
Terry Cervantes: Lunatopia

Terry Cervantes combina sus habilidades como alfarera de producción con su talento como artista visual, creando piezas que son a la vez hermosas, caprichosas y, a menudo, funcionales. Se inspira en la narración, el surrealismo y el mundo natural de asiáticos y nativos americanos. En cuanto a su impulso creativo, la artista afirma: “Cumplo mi deseo de pintar con mi necesidad de jugar con arcilla”.

Las piezas que componen Lunatopia están inspiradas en imágenes de una fantasía surrealista de la imaginación de Cervantes. Relatando su historia, la artista escribe:

En algún lugar del universo, en una dimensión diferente, hay un mundo donde solo una luna ilumina el cielo… Las múltiples caras de la luna gobiernan este mundo mágico. No se basa en el tiempo, sino en las emociones y los sentimientos de loca maldad, felicidad, júbilo, dolor y tristeza. La luna y los ojos de este mundo tienen una afinidad entre sí: a medida que el rostro de la luna cambia su comportamiento de joven a viejo, y de hombre a mujer, los ojos miran hacia arriba con asombro, pesar, sorpresa y asombro.

 

La naturaleza brilla como huesos blanqueados, los insectos se escabullen a la luz de la luna y todos se sienten atraídos por las vibraciones de la luz. Las cosas van mal: a los peces les crecen los pies y corren y bailan con esqueletos en el resplandor de la noche perpetua. Las teteras cobran vida y brincan junto con zorros peludos iluminados por la luna. Y si miras de cerca, puedes ver que el Caimán y el Ornitorrinco finalmente se han lanzado al matrimonio. ¡Quien lo hubiera pensado!

Este es el mundo con el que sueña Cervantes mientras crea. Como conducto de historias que parecen surgir de tiempos pasados, la artista cree que es su deber dar vida a estas parábolas, para que la gente pueda conocer el mundo iluminado, Lunatopia.

Terry Cervantes es una artista local que ha pasado varios años sirviendo a su comunidad como maestra de artes visuales y ha exhibido en todo el sur de California. Ha ganado el primer lugar y Best in Show en la feria Antelope Valley Fair en 1984. Su trabajo también ha aparecido en Rothko Art Magazine.