26 de enero - 21 de abril de 2019

Paz en la tierra

ARTISTAS EXPOSITORES:

David Adey
Tami Bahat
Clayton Campbell
Catherine Coan
Emily Ding
Nancy Evans
Jane Fisher
Matthew Floriani
Simone Gad
James Griffith
Laurie Hassold
Chie Hitotsuyama
Kim Kimbro
Debbie Korbel
Laura Larson
Emily Maddigan
Luke Matjas
Zachary Mendoza
Jen Meyer
Lori Michelon
Cynthia Minet
Bobbie Moline-Kramer
Stephen O'Donnell
Estanque de Lori
Robb Putnam
Margo Ray
Samuelle Richardson
Laurie Sumiye
Devin Thor
Scott Yoell

Tami Bahat

Un profundo amor por la belleza imperfecta y la creencia de que el arte está en todos alimentan mi retrato. Como conducto hacia otras vidas, Bahat construye historias del pasado a través de la gente de su vida actual. Esta serie, Dramatis Personae, le ha brindado una oportunidad única de exhibir su conexión personal con la historia y de compartir su profundo anhelo por tiempos que ya no existen.

El padre de Bahat la presentó a los Viejos Maestros cuando era muy joven, lo que tuvo un impacto imborrable en ella. Estos artistas hablaron directamente a su corazón desde hace cientos de años, sin necesidad de pronunciar una sola palabra para explicarse. Esto demostró que era posible transmitir todo tipo de emoción a través de la luz de una ventana, un momento tranquilo de reflexión o incluso un simple objeto. Así comenzó su transición a la pintura mediante el uso de una cámara.

Los animales expuestos en esta serie son reales. Estas hermosas criaturas tienen una mente propia que ella admira y abraza por completo. Ella respeta su curiosidad por el mundo y que traen inmensas maravillas y momentos inesperados a estas escenas.

Adquirió una colección diversa de muebles antiguos, accesorios y marcos que llevan sus propias historias y mantienen una autenticidad en todo el trabajo. A través de estos elementos, una pieza de historia se entrelaza con una obra de arte contemporánea. Le levanta el alma que su existencia continúe indefinidamente.

Clayton Campbell

Las dos piezas de la muestra Peace On Earth pertenecen a una serie más grande llamada Wild Kingdom, creada en 2014-15 y exhibida por primera vez en Coagula Curatorial. El programa recibió una respuesta crítica favorable de los escritores Christopher Knight del LA Times, Peter Frank en Artillery Magazine y Lisa Derrick del Huffington Post. Cree que estos escritores hicieron observaciones interesantes. Derrick dijo de su trabajo: "En Wild Kingdom Campbell nos muestra que, como individuos, nuestra dependencia de la tecnología nos ciega ante los precipicios y los depredadores, entre nosotros. Vivimos indirectamente cuando miramos un diorama, vivimos indirectamente y permitimos que cada uno otros para vivir indirectamente, a través de las redes sociales ". Christopher Knight toca la nota correcta cuando dice: "La señal que se envía es sardónica, un compromiso elaborado con la condición de absorto en sí mismo de la desconexión mundana. Quizás son tan ajenos el uno al otro como a los depredadores que los rodean, o la teatralidad de la representación de los animales. ¿Quién está rastreando a quién? ¿Y cuál es la diferencia entre los animales insensibles, salvajes o humanos? " Y Peter Frank observa: "Manteniendo sus valores de producción modestos, no de mal gusto, pero tampoco es elegante, Campbell acumula lo ridículo en los conmovedores, patéticos en los baños, en una sátira de espejos que sigue desarrollándose mucho después de haber visto su arte. funciona- y tal vez tomarse una selfie con ellos ".

Catherine Coan

La taxidermia híbrida, las instalaciones, los collages, los suicidios de Canary y los dioramas de Coan exploran las intersecciones psicológicas, sexuales y culturales entre la naturaleza, la vida doméstica y la humanidad. Criaturas imaginarias se posan sobre muebles humanos en espacios domésticos; Los estampados victorianos se convierten en reflexiones sobre la relación entre niño, adulto y mascota; y cajas de joyas se traducen como relicarios modernos para los huesos de los santos de ratones, insectos y miniaturas a escala HO, todos pidiendo al espectador que interactúe con su propio animal en el interior. Su espejo revela detalles sorprendentes y un sentido del humor a la vez oscuro y reconfortante, invitando al espectador a quedarse y convertirse en parte de cada cuadro e instalación. Los antecedentes de Coan en literatura y poesía inglesas (soy profesor de inglés y poeta publicado) imbuyen su trabajo de referencias literarias e incluso algunos de sus propios escritos.

Nancy Evans

Las esculturas surgen de las sugerencias corporales de las plantas. Las características figurativas distorsionadas por un proceso de construcción que ensambla varias texturas orgánicas para formar un todo. El aspecto cosido de las esculturas tiene sentido; como las cáscaras dejadas por el cuerpo transitorio, son sólidas e ilusorias. Estas esculturas anticiparon un movimiento en la escultura contemporánea que es totémico, crudo, violento y atemporal. Conceptos arcaicos, como el animismo, impregnan estas obras, sugiriendo que las formas naturales son el hilo conductor que vincula el mundo con el inconsciente colectivo. Entonces, la pregunta que ella reflexiona es ¿de dónde provienen las imágenes? ¿Cómo rastrea sus influencias? ¿Qué entiende y qué tergiversa?

James Griffith

La ambición de la gran pintura, CORPUS COLLOSUS, es implicar que todas las criaturas vivientes son parte de un proceso fluido completo. La composición se mantiene unida mediante un gesto que sugiere la doble hélice de una molécula de ADN. La pintura está poblada por una variedad de animales que incluye un zorro / conejo empuja-me-tira-ti para representar el proceso de Selección Natural, la fuerza principal en la evolución de las especies. El marco conceptual de la pieza se ve reforzado por el medio con el que está pintado: alquitrán. El alquitrán se recoge de los pozos de alquitrán de La Brea. Para hacer su propia pintura de asfalto a partir de este alquitrán, agregó diluyentes y estabilizadores. Su interés por el alquitrán no es solo sus apariencias inusuales, sino también las ideas asociadas con él. El alquitrán es un residuo primordial de organismos extintos concentrados por procesos geológicos durante millones de años. El uso del alquitrán como sustituto de la pintura tradicional coloca mis imágenes en el contexto del tiempo profundo para que sus sujetos puedan ser considerados en relación con los largos ciclos de evolución y extinción. El alquitrán también es un tipo de petroquímicos que se utilizan para alimentar nuestras economías, un proceso en el corazón de nuestra crisis ecológica contemporánea. Este hecho atribuye a los sujetos de estas obras el potencial de su propia extinción.

Debbie Korbel

Todo el mundo sabe lo que es acostarse de espaldas y "ver" imágenes en las nubes. Cuando era niña, veía imágenes no solo en las nubes sino en muchas circunstancias. Los patrones aleatorios de pisos de linóleo, techos de yeso o incluso la forma en que las sombras caen sobre una pared me sugerirían figuras o paisajes. Como adulta, se acerca a los materiales de su escultura de la misma manera, retrocediendo y buscando lo que “ve” emerger.

Ella crea sus esculturas de ensamblaje utilizando los elementos esculpidos originales combinados con una variedad de objetos que ha coleccionado. A menudo, el impulso inicial de la escultura se produce cuando encuentra algún fragmento interesante de metal o madera. Entonces, una idea echa raíces y evoluciona a partir de esa pieza "catalizadora". Cada escultura es como un rompecabezas para el que encuentra y encaja cada pieza aparentemente no relacionada en su forma más expresiva para crear algo nuevo.

Luke Matjas

En los últimos años, Matjas ha desarrollado un cuerpo de trabajo que busca descubrir la relación entre historias naturales y no naturales. Estas exploraciones son en gran parte representativas, pero están lejos de ser tradicionales. Muy a menudo, su trabajo parece un cruce entre un museo de historia natural y el Home Depot local. Más recientemente, estas exploraciones han tomado forma en un proyecto llamado “Trail Work”, una serie de letreros de senderos de colores vívidos y dibujados con nitidez inspirados en el tiempo pasado al aire libre en espacios abiertos. En muchos sentidos, estos pequeños pedazos laberínticos son el resultado de caminatas literales, en las montañas cercanas, a través de las cicatrices de los incendios forestales recientes y en medio de desiertos feroces. Como ultrarunner de senderos, a veces viaja bastante lejos a pie, y muchas de las señales visuales que se encuentran en esta serie son el resultado de encuentros directos con la flora, la fauna y la geología regionales. “Trail Work” combina un interés desde hace mucho tiempo en la estética de la ilustración científica, la señalización y las representaciones irreverentes de los gráficos de patinetas. Estas piezas limpias y estilizadas parecen contrastar con el entorno arenoso que retratan, pero hay una sensación de inmediatez en el lenguaje gráfico y de bordes duros. Aunque estas señales de senderos no son convencionales, siguen siendo funcionales y direccionales. Parecen ideales para la intersección de la interfaz urbano-silvestre en expansión; insinúan la fragilidad ecológica de nuestro entorno y las formas no tan sutiles en las que seguimos impactando nuestro entorno.

Jen Meyer

Este tríptico surge de una combinación de dos cuerpos complementarios, pero individuales, de trabajo continuo del artista. En una serie, Meyer explora nuestra comprensión tradicional y nuestra relación con los animales. Para esta exposición, su atención se centra en los animales nativos del área del Valle del Antílope: el coyote, la liebre y el antílope que desaparece. En la otra serie, Meyer explora las formas en que las rosas se han utilizado para comunicarse entre sí, tanto los vivos como los fallecidos hace mucho tiempo. Las rosas se han dejado desde la antigüedad en las lápidas como símbolo de la regeneración. Al fusionar estos dos cuerpos de trabajo juntos por primera vez para esta exposición, el espectador se queda con un testimonio de la descripción del impacto natural de la condición humana en nosotros mismos, nuestro planeta y nuestros cohabitantes en los reinos vegetal y animal.

Laurie Michelon

Pippa es de una serie (Galaxial Gamines) donde busqué involucrar al espectador en una conversación sobre las elecciones de ropa que todos tomamos todos los días antes de salir a enfrentarnos al mundo. Pippa es un híbrido alienígena / humano en alta costura y nos representa a nosotros y a nuestro yo oculto: ¿usamos ropa para escondernos? ¿Provocar? Ser admirado? ¿Pertenecer? Creo que es todo eso y más.

Cynthia Minet

Migrations es una instalación inmersiva de seis esculturas iluminadas de la espátula rosada. Construida cuidadosamente con plásticos de colores brillantes, luces LED y sonido, la instalación combina comentarios sociales y políticos serios y extravagantes, y un profundo compromiso con la preservación de nuestro medio ambiente natural. Presentadas por primera vez en el IMAS en McAllen, Texas, las interpretaciones de Minet del ave acuática están pensadas como sustitutos artísticos de las experiencias humanas en la región.


Originaria de las regiones costeras del sureste, la espátula rosada migra hasta América del Sur, y la Sociedad Audubon considera que esta ave es un indicador de la salud ambiental de la costa del Golfo. Las esculturas de Minet se basan en un estudio detenido de la estructura anatómica del ave con un resultado que es muy realista pero dolorosamente fantástico. Además, los artefactos encontrados a lo largo de la frontera con México, como audífonos y bolsas de Seguridad Nacional, están incrustados en las esculturas de Migraciones. Los sonidos de los pájaros y los pasos activados por el movimiento mejoran la experiencia del espectador. El uso de materiales encontrados, ya sean caídos por migrantes o provenientes de objetos domésticos reciclados, expresa los significados subyacentes de la instalación. A través de estos objetos desechados, Minet explora los riesgos que corren los migrantes para escapar de situaciones intolerables y el espectro del plástico que se erosiona lentamente en nuestros vertederos pero nunca desaparece.


Dada la crisis migratoria mundial, Migrations es sorprendentemente oportuno en su exploración de los complejos problemas sociales y políticos de las zonas fronterizas, ya sea en los Estados Unidos o en todo el mundo. Es un cuerpo de trabajo conceptual y políticamente astuto que exuda una irónica esperanza para nuestro futuro: que nos comprometeremos con el cuidado de nuestro mundo natural y humano.

Stephen O'Donnell

A lo largo de mi carrera, los animales (ardillas, perros, monos, pájaros, ratones) han desempeñado un papel de apoyo frecuente en su trabajo; siempre una adición animada, divertida y tierna. Sin embargo, en los últimos años, a menudo han comenzado a ocupar un lugar central. Este cuerpo de trabajo explora la confrontación entre la simplicidad de la naturaleza y la extrema artificialidad de lo más preciado de nuestro oficio humano: animales salvajes o en su mayoría salvajes yuxtapuestos con joyería fina, la naturaleza frente al más alto nivel de civilización.

En la mayoría de estas pinturas, mis "objetos" opuestos, el animal y la joya, se colocan en una especie de escenario: una simple plataforma de madera y un fondo liso y plano. Los imperativos de un animal son la comida, el sexo y la seguridad; sólo muy raramente los animales muestran algún impulso por el adorno. Un collar de esmeraldas no tiene ningún uso para un pájaro. Así que es la proximidad inesperada, la tensión inherente a estas reuniones lo que cuenta la historia; juntos en el escenario, en una relación pero sin propósito mutuo.

Los humanos tienen la inteligencia y la creatividad esforzadas para tomar rocas brillantes, trozos de metal, granos de una concha y fabricar objetos tan deseables que las personas se han matado entre sí para poseerlos. Pero es irónico que nunca pudiéramos ensamblar nada igual a un ratón o un pájaro, nunca crear el músculo o la garra, la pluma o la piel. Con toda la codicia del hombre por la belleza, por la rareza, ¿cómo es tan fácil para nosotros pasar por alto la creación infinitamente más preciosa que es cualquiera de las aparentemente insignificantes criaturas con las que compartimos el planeta?

Estanque de Lori

Cuando el peligro se enciende, ¿qué haces?
Desde que los humanos experimentaron por primera vez el reflejo de lucha o huida, el cerebro subconsciente nos ha dicho a qué, cuándo y a quién temer. Esto sigue siendo así. Cuando se enfrentan al peligro, nuestros cuerpos responden con adrenalina intensificada y latidos cardíacos acelerados. La supervivencia depende de nuestra respuesta emocional instantánea que nos indica que corramos o nos quedemos, un milisegundo antes de que nuestro yo racional pueda decidir.

Si bien nuestros cerebros no han cambiado, lo que tememos sí. Rara vez es una bestia carnívora la que activa nuestro instinto de correr. Son imágenes de rascacielos en llamas, informes de escolares agachados detrás de escritorios para esconderse de las balas, o una reunión de adolescentes con sudaderas con capucha que nos hacen temblar: nuestra letanía del siglo XXI sobre qué temer.

Pero, ¿son reales estas amenazas? La serie de Pond "Menace" nos desafía a cuestionar lo que "sabemos". “Amenaza” nos confronta con animales salvajes atemorizantes, oscurecidos, que desencadenan el antiguo instinto, mientras nuestra mente racional sabe que estamos en un espacio seguro y civilizado, viendo imágenes.

Miramos más, más de cerca, y nos damos cuenta de que la amenaza nunca estuvo allí: estos son animales disecados, sus imágenes capturadas en tiendas iluminadas por el sol, manipuladas más tarde por el artista con ferocidad. Asustan, pero son impotentes.

Menace nos pide que consideremos si nuestros miedos modernos están justificados o si nuestros fantasmas contemporáneos son productos de nuestra imaginación, meras amenazas vacías manipuladas por una mano invisible.

Margo Ray

'La rata y el pulpo' es un mito contado en toda Polinesia que cuenta la historia de un pulpo que fue engañado para ayudar a una rata engañosa. La Rata estaba a la deriva en el mar e hizo un trato con un pulpo para llevarlo a salvo a la costa y, a cambio, le daría al pulpo una recompensa. En cambio, dejó un montón de estiércol en la cabeza y se escapó, el Pulpo se sintió engañado y enojado. Los pescadores hasta el día de hoy todavía juegan con esta ira, haciendo señuelos parecidos a ratas para atraer a los pulpos que todavía quieren vengar a la Rata.Esta interpretación visual del mito trata sobre los problemas locales y globales contemporáneos de acuerdos rotos y promesas cumplidas a través de la personificación de la Rata. y personajes de pulpo; como el cambio climático, los derechos al agua, la falta de vivienda y la relación de las humanidades con los animales, la espiritualidad y entre sí. Los animales siguen un patrón de navegación polinesio, ubicándolos a la deriva en el mar tratando de encontrar su camino hacia la costa, así como en Polinesia, donde se originó el mito. Los 10 apretones de manos colocados en una clave de mapa representan cada uno la promesa cumplida y el acuerdo roto en cada par de personajes.

Samuelle Richardson

Richardson ve nuestra atracción por los depredadores como una manifestación del anhelo humano por cosas peligrosas y hermosas. Ella cree que la pasión es evocada por las cosas que pueden aniquilarnos y comparte la fascinación por los reinos indómitos, recordando encuentros cercanos con inquietante vulnerabilidad.

En Ghost Dogs, Richardson representa perros salvajes en la selva africana, aislados de la intervención humana. Este grupo de esculturas transmite una dicotomía entre salvaje y benigno, ya que las estructuras se unen con cualidades opuestas. La madera retorcida y áspera se combina con el aplastamiento y el tirón de la tela en lo que se refiere a la piel sobre el hueso y se presta atención a la artesanía mientras se abrazan los defectos en el material. Coser la tela sobre la estructura terminada la asegura en su lugar y en sí misma, la costura se convierte en una forma de hacer marcas. La mayoría de los materiales se encuentran o se desechan, como ramas de árboles y ropa reciclada.

El proceso de Richardson implica investigar decenas de imágenes para encontrar aquellas que resalten la expresión y el movimiento del animal. Cada estructura comienza con atención al esqueleto y grupos de músculos enfatizando la asimetría de la forma. Mientras trabaja con las imágenes que tiene frente a ella, se esfuerza por crear un sentido de credibilidad en lugar de realismo, sabiendo que la nueva información la conducirá al descubrimiento.

Educado en Nueva York, la formación artística de Richardson se desarrolló durante más de una década en un plan de estudios autodirigido. Estudió en FIT, Parsons, School of Visual Art y New York Academy of Art. Entró en la industria como artista comercial y estuvo a cargo de desarrollar obras de arte originales para la industria de la moda. En cuanto a tener un impacto en su visión, le da crédito a los años de viajes, buscando lugares que cambien nuestro sentido cotidiano de normalidad.

Laurie Sumiye - Ohana o Ka Manu Video

Sumiye es una artista, animadora y realizadora de documentales con sede en Hawái que investiga las tensiones ambientales entre los seres humanos y la naturaleza. Su experiencia en medios digitales informa su práctica interdisciplinaria en dibujo, pintura, animación, video, escultura e instalación. Ha exhibido su arte en Nueva York, Los Ángeles, Hawái e internacionalmente, en el Reino Unido, Sudáfrica y Brasil y proyectó sus películas premiadas en DOC NYC, BAM cinemaFest y PS1MoMA. Tiene una maestría en Artes de Medios Integrados de Hunter College, una licenciatura y una licenciatura en Arte y Comunicaciones de la Universidad de Bradley, y estudió arte en Lorenzo De Medici en Florencia y en el Instituto Pratt de Nueva York. Pasó 16 años trabajando como directora de arte y diseñadora en San Francisco, Los Ángeles y Nueva York. Regresó a Hawái para trabajar en su primer documental de larga duración, A PARADISE LOST, sobre un pájaro hawaiano que demandó para salvarse de la extinción. Laurie se desempeña como profesora asistente de Creative Media / Transmedia en la Universidad de Hawaiʻi-West Oʻahu. Vive y trabaja en Mililani, Hawai'i.

Devin Thor

La nueva serie de esculturas de Thor, Paleolithic Creatures, es un homenaje a nuestros antepasados ​​prehistóricos y a los animales que pintaron en las paredes de las cuevas. Esas pinturas proporcionan representaciones poderosas del impulso inherente del hombre para expresarse a través del arte. Oculto durante milenios, pero muchos luciendo tan frescos como el día en que fueron hechos, este antiguo arte muestra animales representativos que habitaban su mundo y los sostenían con comida y ropa. Sin embargo, al final del último período glacial, hace unos 10.000 años, el clima se calentó drásticamente y muchos animales del Paleolítico se extinguieron. La única historia de su existencia fantasmal son los fósiles y las pinturas rupestres.


“Con mi arte, me siento inspirado ... para desafiar al espectador a sentir el espíritu natural de la inclusión. No hay rincón de este planeta en el que el hombre no viva, ni rincón en el que el hombre no haya provocado cambios. Debemos ser buenos administradores de este planeta Tierra y recordar que la extinción es para siempre ”.

Scott Yoell

A veces vino por carretera, otras veces vino por mar II


Esta escultura está compuesta por una réplica en tono carne de la nave nodriza de Colón, la Santa María. El barco está flotando sobre las espaldas de roedores biomorfos con narices humanas en lugar de cabezas. El trabajo explora el peso sociológico y político de la ideología, símiles de plaga y dogmas invasores que coexisten en una utopía que ha salido tremendamente mal.