Fotografía: Más allá de la superficie

9 de noviembre - 12 de enero de 2020

Exposiciones individuales:

Matthew Finley

Rob Grad

Juan Peralta

Melanie Pullen

Christopher Russell

Joni Sternbach

Rodrigo Valenzuela

Instalación específica del sitio:

Kira Vollman

 

Selecciones de la colección permanente

El Museo de Arte e Historia de Lancaster (MOAH) y la Fundación de Arte Público y Museo de Lancaster (LMPAF) invitan a los residentes y visitantes de Antelope Valley a su exposición más reciente, Beyond the Surface , un estudio de la fotografía contemporánea. La exhibición estará en exhibición del 9 de noviembre al 12 de enero, y la recepción de apertura será el 9 de noviembre de 4 a 6 pm

Beyond the Surface presenta el trabajo de ocho fotógrafos, incluida una revisión del trabajo de Melanie Pullen en la Galería principal, la serie Surfland de Joni Sternbach en la Galería Este, Esto también pasará de Matthew Finley en la Galería Norte, la serie Finding Foreverland de Rob Grad en la Wells Fargo Gallery, obra de Christopher Russel en Moore Family Trust Gallery, instalación fotográfica de Rodrigo Valenzuela en la South Gallery, junto con escultura de John Peralta, y 16 mm , una instalación específica del sitio, de Kira Vollman.

La fotografía se ha asociado durante mucho tiempo con su capacidad para documentar la realidad. Como medio, la fotografía ha satisfecho perfectamente la necesidad humana de buscar la verdad objetiva. Pero la verdad no es objetiva. Como la fotografía, la verdad se elabora, manipula y mejora. En la era digital, con el advenimiento de la realidad virtual y aumentada, la difuminación de la línea que separa lo real de lo irreal ha alcanzado un nivel sin precedentes. Beyond the Surface examina estos límites permeables. Sus artistas, que utilizan procesos fotográficos tradicionales, desafían al espectador a mirar más profundamente y encontrar un mayor sentido de la verdad que se encuentra más allá de la superficie de las imágenes.

MATTHEW FINLEY: ESTO TAMBIÉN PASARÁ

Matthew Finley crea retratos conceptuales que conectan con el espectador en un nivel íntimo y emocional. Al utilizar los procesos fotográficos hechos a mano de tintype y ambrotype, Finley recuerda la fijeza y la calidad imborrable de su propia historia personal. Explora el cine instantáneo como una forma de crear retratos como trabajos originales y auténticos de autoexamen, capturando momentos escurridizos, a menudo fugaces, de autorrealización.


En la serie, This Too Shall Pass , Finley reflexiona sobre su viaje personal de salir del armario como un hombre gay después de haber sido criado en un hogar religioso donde no se aceptaba ser gay. Cada Polaroid actúa como un espejo, a través del cual el espectador experimenta el "yo pasado" de Finely. Sus recuerdos, aunque borrosos e impresionistas, son una mirada vulnerable a su juventud, la realización de su sexualidad y la persistencia del tiempo. La vergüenza, el miedo y el rechazo se transforman lentamente en amor, deseo y pertenencia mientras Finley lleva al espectador a través de su viaje hacia la autoaceptación. Su objetivo es compartir estos recuerdos, liberar a los fantasmas que han perseguido su pasado y conectarse con y
Anime a otros que están pasando por experiencias similares.


Con base en Los Ángeles, Matthew Finley ha sido fotógrafo durante diez años y es un miembro central del Grupo de Crítica de Fotografía Avanzada en el Centro de Fotografía de Woodstock. Su trabajo se ha mostrado en galerías de la costa oeste, Nueva Orleans y Cincinnati. Sus imágenes también han aparecido en publicaciones como Fraction Magazine, Shots Magazine y Plates to Pixels, donde ganó el premio del jurado en la décima exhibición anual de jurados de The Visual Armistice.

ROB GRAD: ENCONTRANDO EL SITIO PARA SIEMPRE

Las esculturas de Rob Grad son técnicas mixtas basadas en fotografías. Cada pieza consta de partes de plexiglás en capas que combinan pintura, dibujo y fotografía en una variedad de formas que resaltan u ocultan varios elementos. Grad usa su trabajo para abordar problemas existenciales, utilizando las capas físicas de sus esculturas para abordar las múltiples capas de cada problema. Estas meditaciones le dan al espectador licencia para considerar sus historias personales y descubrir su propia verdad.


Finding Foreverland reflexiona sobre su interés por la naturaleza y la evolución de la relación de la humanidad con ella. Grad dice, “desde que tengo memoria, siempre me he sentido como en casa rodeado de naturaleza. Es sabio. Y paciente. Estaba aquí antes que nosotros, y probablemente estará aquí mucho después de que nos vayamos ". La inspiración del artista proviene de un poema que escribió mientras reflexionaba sobre la sabiduría y autenticidad de la vida de una flor. Vio la flor como delicada, pero también sin reservas, dura y sin remordimientos. Cada escultura de la serie es un personaje metafórico que lucha por captar la sabiduría que la flor encarna sin esfuerzo. Los entornos complementarios recortados en formas gestuales pintadas a mano, fusionados con colores y texto y ensamblados en un tapiz tridimensional dan vida a cada personaje.


Grad es un residente actual del sur de California. Ganó el primer lugar en la categoría "Nuevos medios" de la exposición de arte de Beverly Hills en 2015. Ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Fabrik Projects en Culver City, California, Gallery 825 en Los Ángeles, California, y Frame Gallery en Agoura, California, así como en exposiciones colectivas en todo el sur de California y Florida. El trabajo de Grad se incluyó en Art Basel, Suiza, y en SCOPE Miami en 2017.

JUAN PERALTA

John Peralta es un artista autodidacta cuyo estilo de escultura poco convencional incorpora objetos mecánicos icónicos y materiales de alta tecnología para producir representaciones hermosas y complejas. Su interpretación de lo que se conoce en términos de ingeniería como el diagrama de despiece es original y demuestra su imaginación, experiencia técnica e inventiva.


The Mechanitions Series de Peralta invierte el proceso de fabricación al tomar objetos utilitarios del pasado y convertirlos en esculturas. Cada diagrama de despiece tridimensional hace que cada objeto se sienta vulnerable y accesible, al mismo tiempo que crea una sensación de reverencia a medida que el espectador observa el intrincado funcionamiento del dispositivo. Permite al espectador conectar sus propias experiencias íntimas con el objeto, “como la máquina de escribir que usó tu abuelo en la guerra, la máquina de coser de tu abuela, el reloj de bolsillo de tu padre, una guitarra eléctrica icónica”, como explica Peralta. Estos recuerdos evocan una fuerte conexión emocional con estos objetos e invitan al espectador a imaginar los vastos recuerdos que guarda cada objeto.


Peralta es nativo de Nuevo México y, aunque ahora vive en Austin, Texas, su familia y herencia de Nuevo México siguen siendo una gran influencia en su vida y trabajo. Algunos de sus primeros recuerdos son de él y su hermano tirando de su carro rojo por el vecindario, tocando puertas, recolectando radios, televisores, reproductores de cinta rotos, cualquier cosa que pudieran tener en sus manos, abriéndolos para ver qué los hacía funcionar. No recibió ningún entrenamiento formal en las artes, y no fue hasta los treinta años que encontró su voz creativa. Actualmente, Peralta está representada por George Billis Galleries en Nueva York y Los Ángeles, Galerie Goutal en Aix-en-Provance France, Wally Workman Gallery en Austin, Gerald Peters Projects en Santa Fe y Cinq Gallery en Dallas. Ha realizado importantes exposiciones en Nueva York, Los Ángeles, Chicago, Dallas, Austin y Santa Fe.

ESCENA DEL CRIMEN Y LA MODA DE LA VIOLENCIA: UNA ENCUESTA A LA FOTÓGRAFO MELANIE PULLEN

La fotografía de Melanie Pullen cuenta una historia en un solo cuadro. Su trabajo es cinematográfico y teatral, a menudo se inspira en el cine, el fotoperiodismo, la fotografía forense y el periodismo de guerra. ¡Esta retrospectiva presenta trabajos producidos en el transcurso de los últimos 14 años, incluidas imágenes de sus escenas de crímenes de alta moda, Violent Times y Soda POP! serie .


Ampliamente conocida por su trabajo en la industria de la moda, Pullen a menudo usa la moda y el consumo de medios como temas en su trabajo para expresar las sutilezas de sus ideas. En su serie más extensa, High Fashion Crime Scenes (2013-2017), Pullen viste a sus modelos con alta costura mientras las presenta en escenas de crímenes vintage recreadas. Los trajes distraen y desvían la atención del espectador de la espantosa escena del crimen. En Violent Times (2005-2009), Pullen se centra en la historia de la violencia y su glamourización desde la documentación temprana en la pintura histórica hasta la realidad contrastante del fotoperiodismo moderno. Su serie Soda POP! (2015) toma la idea de los icónicos anuncios de refrescos y la da la vuelta, haciendo que el espectador se sienta incómodo al colocar a las modelos en escenarios nocturnos cuestionables.


Melanie Pullen nació en la ciudad de Nueva York en 1975. Es autodidacta y se crió en una familia de fotoperiodistas, editores y artistas. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, California. Pullen ha exhibido y su trabajo se encuentra en los fondos permanentes del Museo Getty, el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo de Artes Fotográficas en San Diego, California y el Museo Jumex en la Ciudad de México. Pullen ha sido reconocido en numerosas publicaciones, incluyendo Art Forum, Art Review, CBS News, CBS Radio, Elle, Fortune, GQ, Los Angeles Times, National Public Radio, New York Times Magazine, Nylon, Photo, Rolling Stone, San Francisco Chronicle, Vogue y W.

CHRISTOPHER RUSSELL: FALLS

Christopher Russell analiza el uso de la fotografía a medida que la tecnología ha avanzado con el tiempo. Originalmente, la fotografía química se usaba para registrar fielmente a personas y lugares de todo el mundo, a menudo sintiendo como si el espectador viera o experimentara el lugar o la cosa real de primera mano. Con la progresión a la fotografía digital, ese sentido de verdad y realidad se pierde debido a la completa maleabilidad de las imágenes. Russell toma estas imágenes digitales y enfatiza su posición cambiante en el mundo de la verdad objetiva a las realidades subjetivas raspando, cortando, doblando y pintando en la impresión, a menudo creando su propia narrativa.


En esta serie Falls , Russell narra un relato de viaje de un fotógrafo occidental muy aclamado de la década de 1860, Carleton Watkins. Russell viaja a lugares que Watkins fotografió previamente y los fotografía él mismo, mirándolos desde el extremo opuesto de un continuo histórico. Mientras fotografía cada ubicación, manipula la luz que entra en la lente para asegurarse de que sea difusa y difícil de seguir. A medida que Russell rasca la emulsión de la impresión, comienzan a aparecer patrones fantasmales y narraciones ficticias, deformando el diario de viaje original de Watkin. Cada una de las imágenes de esta exposición son "cascadas". Este tema de conexión se describe de diversas formas a lo largo del trabajo. Puede tomar forma en un cambio repentino en el flujo de un patrón, una interpretación de una fotografía histórica de las cataratas de Willamette o una confusión de barcos acercándose a un precipicio de agua.


Russell nació en 1974 y recibió su maestría en Bellas Artes en el Art Center College of Design de California. En 2009, produjo una exposición individual en el Hammer Museum de Los Ángeles, California. También ha aparecido en exposiciones colectivas en el Instituto de Fotografía de Tokio en Japón, el Museo Norton en West Palm Beach, Florida, Armory Center for the Arts en Los Ángeles, California, White Columns en Nueva York, Nueva York, De Appel Arts. Center en los Países Bajos, Oakland Museum of California en Oakland, California, y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en Los Ángeles, California, entre otros. Ha publicado numerosos artículos críticos, además de ser un tema destacado de crítica positiva por Los Angeles Times, New York Times, Huffington Post, Artillery, Frieze y ArtForum.

JONI STERNBACH: SURFLAND

Esta exposición de retratos de tipo tintero se realizó durante la visita de Sternbach a Oahu en diciembre de 2017 y 2018. Es parte de un cuerpo de trabajo más amplio, titulado Surfland, que muestra retratos de surfistas de varios tamaños y gran formato, realizados en lugares de todo el mundo. Surfland explora el estado real y conceptualizado del surfista en el imaginario estadounidense. Este proyecto es un documento etnográfico de nuestros días que une diferentes edades, géneros, culturas y geografías a través del deporte. El proyecto del artista coloca al “soul surfer” de todos los días (aquellos que surfean por el puro placer de surfear) junto al competidor de élite, pro-surfing, tal como podrían existir en el agua, esperando la próxima ola.


El trabajo de Sternbach examina la coyuntura siempre cambiante entre la tierra y el mar. Esta serie nació de su deseo de toda la vida de aclarar la conexión entre los humanos y la naturaleza y su amor perdurable por el océano. Surfland es un trabajo en profundidad que profundiza en la naturaleza de la identidad y el carácter del retrato. Es un esfuerzo que puede involucrar a toda una comunidad en cualquier momento. Lo que comenzó como un proyecto local en Long Island se convirtió en un estudio global más amplio de personas y lugares, deporte y cultura.

Cada tintype utiliza una emulsión líquida (colodión) que se vierte en el plato unos minutos antes de exponerse y desarrollarse. Todas las fotografías de Sternbach se procesan en el sitio utilizando un cuarto oscuro portátil. Las placas se fijan a la luz del día, lo que permite que la imagen se comparta de inmediato con sus modelos, lo que es crucial para su interacción y relación con el sujeto. La atención al tiempo dedicado a hacer y evaluar cada placa de colodión detallada transforma la conexión estándar de fotógrafo / sujeto en una experiencia compartida.


Joni Sternbach es una artista y educadora radicada en Nueva York. Recibió una licenciatura en Bellas Artes en Fotografía de la Escuela de Artes Visuales y una Maestría en Artes de la Universidad de Nueva York y el Centro Internacional de Fotografía en 1987. Es miembro del consejo asesor y profesora fundadora de la Fundación Penumbra en Nueva York. City, donde enseña colodión en plato húmedo. El trabajo de Sternbach es parte de muchas colecciones públicas e internacionales, incluida la Galería Nacional de Retratos de Londres, el Museo Joslyn, MOCA Jacksonville, el Museo Nelson Atkins y el Museo de Bellas Artes de Houston. Ha recibido varias becas, incluida la Fundación para las Artes de Nueva York y el Servicio Público de Artistas Creativos y la Fundación Santo. Su monografía Surf Site Tin Type fue publicada en la primavera de 2015 por Damiani y ahora se agotó la segunda edición. Está representada en Los Ángeles por Von Lintel Gallery y en París, Francia por Galerie Hug.

RODRIGO VALENZUELA: ESTATURA

El trabajo de Rodrigo Valenzuela en fotografía, video e instalación tiene sus raíces en tradiciones contradictorias del documental y la ficción, que a menudo involucran narrativas en torno a la inmigración y la clase trabajadora. El artista a menudo amplía sus propias experiencias personales, como los sentimientos de alienación y desplazamiento, para informar conceptos universales a lo largo de su trabajo. La técnica fotográfica de Valenzuela implica orquestar “performances para la cámara”, lo que implica la creación de espacios complejos utilizando su propio trabajo fotográfico como telón de fondo contra el cual se construyen y se vuelven a fotografiar instalaciones adicionales a la perfección. La calidad ilusionista de estos espacios compromete al espectador a cuestionar la forma en que sus propias experiencias influyen en su visión de la verdad y la realidad.

La nueva serie de Valenzuela, Stature , es una progresión de las construcciones de su estudio anterior. En esta serie, el artista proyecta envases electrónicos desechados en arcilla y hormigón. Estas construcciones abstractas parecen estériles, duras y, a veces, incluso monstruosas, que recuerdan a la arquitectura brutalista que era popular en la década de 1950. Ninguna de estas formas está pegada o conectada de ninguna manera. En cambio, cada objeto está precariamente equilibrado en cada disposición. Al tomar estos elementos desechados y convertirlos en permanentes, estructurales y valiosos, Valenzuela examina indirectamente los esfuerzos capitalistas.


Rodrigo Valenzuela nació en Santiago, Chile en 1982. Completó una licenciatura en historia del arte en la Universidad de Chile en 2004, luego trabajó en la construcción mientras hacía arte durante su primera década en los Estados Unidos. Tiene una licenciatura en Filosofía de Evergreen State College y una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Washington. Su trabajo ha sido exhibido en una variedad de museos y galerías, incluyendo la Upfor Gallery en Portland, Oregon, New Museum en Nueva York, Nueva York, Laurence Miller Gallery en Nueva York, Nueva York, Arróniz Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, México, USF. Museo de Arte Contemporáneo en Tampa, Florida, Kathleen O. Ellis Gallery, Light Work en Syracuse, Nueva York y Galerie Lisa Kandlhofer en Viena, Austria. Es profesor de arte en la Universidad de California, Los Ángeles y está representado por Klowden Mann Gallery en Los Ángeles.


KIRA Vollman: 16MM

La instalación de Kira Vollman, de 16 mm , combina fotografía, pintura, escultura y sonido en una experiencia interactiva. Vollman recolecta basura de depósitos de chatarra, tiendas de segunda mano y excedentes, combinando estos objetos dispares y sintetizando nuevos significados en esta próxima fase de su vida. Como artista visual y sonoro, Vollman ve cada medio en constante interacción entre sí, como "partes de un todo" en lugar de entidades separadas. Por
Al incorporar música a su trabajo, selecciona una conexión entre la obra de arte, el espectador y ella misma, orquestando un momento de unidad a través de la interacción.


16 mm es un clip de película abstracto y estático que lleva al espectador a una narrativa de su propia elección. A medida que el espectador recorre la pieza de 16 pies, la partitura proporcionada, junto con la fotografía, el collage y la pintura, invita a la audiencia a imaginarse a sí mismos en una aventura, un drama o incluso un romance. Vollman reflexiona: “El peligro podría estar acechando a la vuelta de la esquina. Hay rutas de escape. Existe un serio peligro en el centro de su viaje. ¿Puedes evitarlo? Los hilos rojos son sus líneas de vida ". Los cuadros ondulados atraen a los espectadores más profundamente a medida que la trama se complica. La partitura de la pieza se incorpora a través de marcos de acero que se han tejido sobre marcos de difusión utilizados en iluminación para películas.


Kira Vollman es una artista, curadora y vocalista de Los Ángeles. Actualmente es propietaria, directora y curadora de ARK Gallery Studios en Altadena, California. También es compositora y vocalista del grupo Non Credo. Su obra de arte se ha mostrado en galerías como The Neutra Institute Museum & Gallery, Sylvia White Gallery, SOPA Studios Gallery y MOAH: CEDAR. En 2017, ganó el primer lugar en la Exposición All Media en el Irvine Fine