La luz del espacio
8 de febrero - 19 de abril de 2020
Exposiciones individuales:
Laddie John Dill
Jay Mark Johnson
Kysa Johnson
Shana Mabari
Ruth Pastine
María Anna Pomonis
Robert Standish
Instalaciones específicas del sitio
Gary Lang
Edwin Vasquez
Video instalación
Jeff Frost
Obras nuevas de
Ruth Pastine
La luz del espacio: una película de Eric Minh Swenson.
Laddie John Dill
Laddie John Dill es un artista de Los Ángeles cuyo trabajo se centra en la naturaleza al retratar ciclos y momentos en lugar de un momento singular en el tiempo utilizando la luz y el espacio. Lo logra utilizando materiales como vidrio, cemento y pigmento como metáfora. Con influencias como Rauschenberg, Keith Sonnier, Robert Smithson, Dennis Openheim y Robert Irwin, Dill ha aprendido a utilizar el espacio físico a su alrededor en lugar de un lienzo fijo sobre un caballete. Esta práctica da como resultado una magnífica escena de luz y arena candescentes que envuelve al espectador, entrando en una forma de realidad metamorfoseada.
Contained Radiance Lancaster demuestra su uso del espacio como lienzo y distribuye la luz creando una calidad etérea y onírica. Su uso de luz, arena y materiales duros como el aluminio 6061 dentro del espacio circundante trabaja para crear una atmósfera armoniosa y tranquila, difuminando luces y sombras para crear una experiencia trascendental para el espectador. Retrata la luz, el cielo y la tierra como partes de un todo que no puede funcionar sin el otro, dando testimonio de la unidad de la naturaleza y, en última instancia, demostrando las razones por las que la naturaleza debe ser protegida y respetada.
Dill nació en Long Beach, California en 1943. Se graduó del Chouinard Art Institute en 1968 con una licenciatura en Bellas Artes. Después de graduarse, Dill se convirtió en aprendiz de impresión y trabajó en estrecha colaboración con artistas establecidos, como Robert Rauschenberg, Claes Oldenberg, Roy Lichtenstein y Jasper Johns. El trabajo de Laddie John Dill se encuentra en las colecciones permanentes de instituciones nacionales e internacionales como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Nueva York, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en Los Ángeles, California, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, California, Museo de Arte Moderno de San Francisco en San Francisco, California; High Museum en Atlanta, Georgia, The Phillips Collection en Washington DC, Chicago Art Institute en Chicago, Illinois, The Smithsonian en Washington DC, Louisiana Museum of Modern Art en Humlebaek, Dinamarca, Pio Monte della Misericordia en Nápoles, Italia, Museum of Contemporary Arte en San Diego, California y Museo Jumex en la Ciudad de México, México. Actualmente vive y trabaja en Venice, California.
Jay Mark Johnson
El método poco convencional de Jay Mark Johnson de fotografía de línea de tiempo examina el espacio y el tiempo humanos, ampliando los conocimientos establecidos sobre el espacio temporal lineal. Combina las habilidades de narración de un director de fotografía con un dispositivo de escaneo alemán hecho a mano para crear una imagen que fusiona de manera efectiva las ideas de tiempo y espacio en una sola obra de arte.
En su serie de trabajos, el sujeto permanece claro mientras el fondo parece distorsionado y en un flujo constante de movimiento y colores que alteran el tiempo y el espacio. En lugar de una fotografía estándar que favorece el espacio y el estancamiento, estas imágenes se capturan a través de la velocidad de movimiento del sujeto. Este proyecto comenzó cuando Johnson probó el efecto que tenía una cámara de escaneo de hendidura giratoria cuando detuvo la rotación y se enfocó en un área fija. La cámara toma fotografías de un solo momento representado por una sola astilla vertical y, con el tiempo, se crean una serie de líneas verticales del sujeto en movimiento que dan como resultado una serie compuesta de tiras. Dependiendo de la velocidad de movimiento del sujeto, el objeto puede parecer alargado o aplastado. La interpretación de la realidad en conjunción con el tiempo en el espacio proporciona poderosas interpretaciones de la forma en que los humanos se mueven a través del tiempo y el espacio.
Johnson nació en St. Petersburg, Florida y estudió arquitectura en la Universidad de Tulane en Nueva Orleans y en el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de la ciudad de Nueva York. Realizó más de cincuenta series de imágenes que se han presentado en más de un centenar de exposiciones individuales y colectivas. Las obras de arte se pueden encontrar en las colecciones permanentes del edificio Riechstag del Bundestag alemán en Berlín, Alemania, el Zentrum für Kunst und Medientechnologie en Karlsruhe, Alemania, la Fundación de Arte Frederick R. Weisman en Los Ángeles, California, el Museo de Arte de Phoenix en Phoenix, Arizona, la Fundación Langen en Hombroich, Alemania, el Museo Peter Klein Kunstwerkin Eberdingen, Alemania, la colección de Michael G. Wilson, la Fundación de la Familia Milken en Santa Mónica, California, y la Colección de Arte Corporativo Fidelity en Boston, Massachusetts . Actualmente vive y trabaja en Santa Mónica, California.
Kysa Johnson
Kysa Johnson conceptualiza los paisajes microscópicos y macro de sujetos como estructuras moleculares, mapas del universo y enfermedades transformándolos en vivos bodegones y pinturas de paisajes. Ella introduce efectivamente conceptos científicos que normalmente serían invisibles a simple vista y amplía su contenido, exponiendo al espectador a las partes más fundamentales del mundo de nuestro universo estructural. Proporcionando relevancia significativa, emocional e histórica, esta ampliación de lo microscópico y macro permite al espectador conectarse con conceptos y fenómenos científicos proporcionando una apreciación recién descubierta de nuestra realidad.
Inspirado en imágenes obtenidas del telescopio Hubble y aceleradores de partículas, Faraway, So Close utiliza partículas subatómicas para retratar el ciclo de muerte, renacimiento y transformación de supernovas a la formación de nuevas estrellas en nebulosas. Ella muestra tanto la fragilidad como el poder de estos sucesos con bucles de desintegración de partículas elegantemente colocados para demostrar el ciclo de vida de estos eventos celestiales. Las imágenes están compuestas por cientos de marcas de tinta que contrastan con un fondo negro que simboliza la oscuridad del espacio y el universo, lo que da como resultado una nueva perspectiva de la vida y la muerte.
Nacido en Illinois en 1974, Johnson se formó en la Escuela de Arte de Glasgow en Escocia. Johnson ha tenido exposiciones individuales en instituciones como el Museo Aldrich de Arte Contemporáneo en Ridgefield, Connecticut, la Academia Nacional de Ciencias en Washington, DC, la Galería Roebling Hall en la ciudad de Nueva York y el Museo Nicolaysen en Casper, Wyoming. Ha aparecido en una serie de exposiciones colectivas, incluidas exposiciones en la 2a Bienal de las Islas Canarias, el Museo Tang en Saratoga Springs, Nueva York, el Museo de Arte Katonah en Katonah, Nueva York, el Museo del Río Hudson en Yonkers, Nueva York. York, DeCordova Sculpture Park and Museum en Lincoln, Massachusetts y Standpoint Gallery en Londres, Inglaterra. Johnson ha creado instalaciones para sitios específicos para KK Projects en Nueva Orleans, Luisiana en 2008, Dublin Contemporary en Irlanda en 2011 y para el New York Armory Show en 2013. Es becaria de la Fundación para las Artes de Nueva York en 2003, Pollack Krasner en 2009 Beneficiario de la subvención y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles, California.
Shana Mabari
El trabajo de Shana Mabari gira en torno al uso del color, la luz y las formas geométricas para relacionar ideas sobre la percepción visual y nuestro espacio circundante. Inspirada por el movimiento Luz y espacio que ocurrió en la década de 1960, extrae el movimiento artístico de la costa oeste de figuras clave como Robert Irwin y James Turrell y explora la filosofía de la percepción humana y los campos científicos altamente técnicos y avanzados de la astrofísica y la psicofísica.
En la serie de Mabari, registra sus observaciones astronómicas durante los veranos de 2018 y 2019 en Ibiza, España. Sus impresiones se centran en las vistas superpuestas del mismo objeto: el positivo y el negativo. En este caso, la vista "positiva" sería el objeto mirando hacia arriba desde la tierra y la "negativa" sería la vista del objeto mirando hacia abajo en la tierra. También toma la decisión de incorporar aluminio en el dibujo para demostrar la importancia histórica del aluminio para la industria aeroespacial y su ocurrencia natural en el espacio. Las impresiones en Planeta y Stella incorporan información matemática como ascensión recta, declinación, magnitud aparente, velocidad radial, distancia de la Tierra en años luz, excentricidad y período sinódico en las líneas y formas geométricas intrincadamente colocadas que demuestran la belleza y estructura inherentes en el espacio.
Mabari nació en Los Ángeles, California. Ha viajado mucho y ha vivido en París, el norte de la India y Tel Aviv. Su educación incluye estudios en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris y Otis College of Art and Design en Los Ángeles. En 2016, el Astral Challenger de Mabari, una escultura en forma de cohete de 20 pies de altura, se instaló en el centro de una rotonda en la intersección de Challenger Way y Avenue L en Lancaster, California, en honor a los logros continuos de la ciudad en el sector aeroespacial. industria, y en conmemoración del desastre del transbordador espacial Challenger de 1986. Posee una patente para el diseño de “Dynamic Spatial Illusions”, una versión portátil de un entorno experimental visual y sensorial. Ella recibió la subvención de Recursos para la finalización (ARC) del Centro de Innovación Cultural para Artistas. Mabari actualmente trabaja y vive en Los Ángeles, California.
María Anna Pomonis
El trabajo de Mary Anna Pomonis funciona en la encrucijada del misticismo, la pintura abstracta, la geometría y la cultura popular. Ella utiliza una multitud de materiales de origen diferentes que incluyen edredones cuadrados, geometría sagrada, íconos y pintura abstracta que aprovechan temas relacionados con el poder personal. Ella canaliza estas ideas con símbolos como escudos y pancartas utilizando obras de arte históricamente veneradas para emocionar al espectador.
La nueva exposición de Mary Anna Pomonis, Iris Oculus, se centra en la estrella de ocho puntas o la roseta del templo y es una celebración visual de Inanna, la diosa de la guerra y el sexo de Mesopotamiam. Inspirado en las imágenes vistas de la Madre María y la iglesia ortodoxa griega, Pomonis une las imágenes sagradas de las mandorlas y la arquitectura de las iglesias para celebrar a las diosas de la antigüedad. La utilización de geometría sagrada y formas geométricas permite al espectador trascender más allá del ámbito físico e invoca la naturaleza mística de la obra. A su vez, crea un espacio de fuerza personal que se conecta tanto con la obra de arte como con lo de otro mundo.
Pomonis es un artista de Los Ángeles. Recibió su Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign en Illinois y su Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Washington en St. Louis, Missouri. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones en galerías e instituciones como el Museo de Bellas Artes de la Universidad de Western Carolina en Cullowhee, Carolina del Norte, el Museo de Arte Torrance en Torrance, California, el Museo Mildred Lane Kemper en St Louis, Missouri, el Museo de Arte Contemporáneo Art en Los Ángeles, California e I-space Gallery en Chicago, Illinois. Sus obras de arte y proyectos han aparecido en The Los Angeles Times, The Huffington Post, Artillery Magazine, Art Forum, Frieze, Hyperallergic, National Public Radio, Whitehot Magazine, Yale University Radio y Artweek. Además, sus proyectos curatoriales y ensayos se han presentado en galerías comerciales e institucionales, como Vincent Price Art Museum en Monterey Park, California, Whittier College Greenleaf Gallery en Whittier, California, PØST en Los Ángeles, California y Peter Miller Gallery. en Chicago, Illinois. Actualmente es profesora asistente de educación artística en la Universidad Estatal de California Fullerton.
Robert Standish
Durante 12 años, el pintor de Los Ángeles Robert Standish había estado representando sus percepciones de las corrientes subterráneas de la condición humana a través de pinturas fotorrealistas de personas y luces borrosas. Hace siete años, Standish dejó de construir réplicas reales basadas únicamente en sus fotos para profundizar en lo desconocido inconsciente y en las nuevas profundidades psicológicas. Su elección de explorar la abstracción pura desbloqueó un proceso de pintura orgánico espontáneo de su propia creación, que se evidencia tanto en su serie actual Rítmica como en la serie Anti-Esporádica.
Con interés en la metafísica, Standish utiliza elementos básicos como línea, color y textura, para representar el dinamismo, la constancia y el fluir trascendente del universo. Las pinturas abstractas de colores deliciosos de Standish parecen estar en la tradición tanto del expresionismo abstracto estadounidense como de la pintura expresionista alemana. No hay bordes ni finales finitos en sus obras, ya que cada trazo sangra entre sí en una cadena eterna e ininterrumpida que parece extenderse mucho más allá de cualquier borde concebible del lienzo. Las muchas capas, trazos y raspaduras de color de la pintura pueden, por tanto, parecer tan "bellas" como cualquier cosa encontrada en la naturaleza que llegó a existir en parte de acuerdo con una estructura predeterminada (como el ADN), así como a través de ocasiones impredecibles de pura casualidad y la acción de fuerzas externas. Standish aprovecha un lenguaje universal y orgánico a medida que sus huellas comienzan a tomar la forma de patrones fractales, frecuencias y topografías terrestres y ondas biorrítmicas. Como una vez manipuló lo real en lo irreal, Standish ahora transforma lo natural en sobrenatural.
Robert Standish se graduó de la Universidad de Antioch en 1996 con una licenciatura en Psicología. Sus obras se pueden encontrar en las colecciones permanentes del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en Los Ángeles, California, The Weisman Foundation en Los Ángeles, California, JP Morgan Chase, la Galería Louis K. Meisel en la ciudad de Nueva York, Larry y Marilyn Fields. , Patricia Arquette, Bryant Stibel, junto con numerosas colecciones privadas aclamadas. Sus pinturas se han exhibido internacionalmente en galerías y museos, con una muestra colectiva reciente en el Museo de Arte Frederick R. Weisman en la Universidad de Pepperdine en Malibu, California en 2019, y ahora está emocionado de compartir su primera exposición individual con nosotros aquí en The Museo de Arte e Historia de Lancaster. Actualmente trabaja y vive en Los Ángeles, California.
Gary Lang
Gary Lang es un pintor abstracto contemporáneo occidental ampliamente conocido cuyo trabajo se centra en la teoría del color y el estudio del tiempo. Reconocido por sus círculos intensos y de colores brillantes, combina la precisión de su pincel, mano, pintura y lienzo con sus pinturas hipnóticas que simultáneamente transmiten una inmensa cantidad de nitidez, gradiente y permeabilidad.
En Glitterworks de Lang, se desvía de sus círculos icónicos a una interpretación lúdica del color y el espacio. Sin embargo, estas obras aún continúan explorando la fascinación de Lang por los colores efervescentes y la conciencia visual. Utiliza 120 cuadrados de tela de seis pulgadas de la ropa que usó mientras trabajaba con toques de diferentes colores, brillo y película reflectante colocados en marcos cuadrados de madera, creando una sensación de orden en las enérgicas salpicaduras de color. Esto contrasta marcadamente con los círculos concéntricos cuidadosamente controlados de los que uno es testigo de obras anteriores. El resultado desafía las ideas tradicionales sobre la composición formal mientras explora los temas de color y espacio de Lang.
Gary lang recibió su Licenciatura en Bellas Artes del Instituto de Arte de California y su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Yale. En 1975, Lang recibió una Beca Fulbright para estudiar en Barcelona donde estudió la arquitectura de Antoni Gaudí. El trabajo de Lang se ha mostrado en más de setenta exposiciones individuales en los Estados Unidos, Austria, Francia, Japón, Holanda y España. Su trabajo también aparece en colecciones permanentes del Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, California, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en Los Ángeles, California, el Museo de Arte de Portland en Portland, Maine; el Museo de Arte de Brooklyn en Brooklyn, Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo, la Universidad del Sur de Florida en Tampa, Florida, el Instituto de Arte de Detroit en Detroit, Michigan, el Gemeentemuseum den Haag en Holanda, entre muchos otros. Gary Lang vive y trabaja actualmente en Ojai, California.
Edwin Vasquez
El trabajo de Edwin Vasquez abarca una multitud de medios diferentes, incluida la fotografía, las imágenes digitales, la poesía y los medios mixtos que utilizan el arte como un vehículo para el comentario social sobre el entorno que lo rodea y la naturaleza humana. Su arte expande su universo y sus perspectivas sobre el controvertido clima social y político de hoy, aprovechando temas sobre inmigración, libertad y latinidad.
El nuevo cuerpo de trabajo de Vásquez combina un análisis lógico y matemático de formas con fotografías digitales del espacio y deconstruye intencionalmente estas imágenes creando una representación armoniosa de los planetas y constelaciones. Su arte se basa en su intensa saturación de colores y formas para promover las reacciones del espectador. Vásquez logra esto con el uso de geometría fractal, un enfoque matemático para describir, medir y predecir sistemas que ocurren en la naturaleza. La instalación consta de más de 200 imágenes que Vásquez ha manipulado a través de diferentes software fusionando varios colores y formas hasta encontrar una imagen con la que está satisfecho. El uso de formas fractales, colores brillantes, formas abstractas y función espacial para crear estructuras y patrones dentro de nuestro tumultuoso universo.
Vásquez es artista, reportero gráfico, autor publicado y camarógrafo en Antelope Valley. Ha participado en varias exposiciones diferentes, entre ellas: Refractions, Metro Gallery, Pomona; 16ª Anual de la Galería dA Aztlán: El Movimiento; Herencia Hispana, Museo de Arte Latino; Convergencia de píxeles a picote, Galería Colleen Farrell, Tehachapi; Vásquez ha aparecido en varias exposiciones colectivas, entre ellas The State Latin American Visual Arts en Rhode Island (donde su trabajo fue reconocido por el gobernador Lincoln D. Chafee), Communication en Casa 0101 en Los Ángeles, Don't Sleep! en el Museo de Arte Latino en Pomona, Instalación del Día de Muertos en el MOAH, y participa regularmente en la Exhibición Anual de Arte Jurado de Todos los Medios del Museo de Arte e Historia. Actualmente es Artista en Residencia para #CountMeIn y Kipaipai Fellow.
Jeff Frost
Jeff Frost explora el tiempo y el espacio a través de diferentes submedios como pintura, fotografía, video e instalación. En combinación con cortometrajes que atraviesan temas de creación y destrucción. A menudo trabaja con time-lapse y stop motion para retratar nociones de ciencia y física para comprender las sutilezas de nuestro mundo físico. Este proceso se logra tomando fotos de varios puntos en el tiempo y combinándolas en un flujo cronológico suave de eventos espaciales. El uso de time-lapse y stop motion también se utiliza en la pintura de edificios vacíos y abandonados, capturando un movimiento fluido de eventos que parece haberse materializado por sí mismos.
En la serie GO HOME , Frost analiza el significado de "hogar" a través de una serie de pinturas de ilusión óptica en estructuras abandonadas y abandonadas en el sur de California. Por lo general, los lugares abandonados no evocan sentimientos asociados con la idea del hogar, Frost desafía la representación física del hogar al cuestionar nuestra alineación emocional con estas ideas. “Para mantener nuestra visión del mundo, nuestra alineación emocional debe ser muy precisa. Un paso hacia la izquierda o hacia la derecha y la ilusión se rompe ". Dijo Frost. La obra examina la noción física e ideológica de lo que se considera un hogar y explora la fragilidad de estos conceptos a través de las diferentes capas de ilusión.
Frost nació en Utah y se graduó de la University of Eastern Utah en 1998. Su trabajo se ha mostrado en su propia instalación paralela independiente Desert X 2019, Los Angeles Art Association, comisariada por Leslie Jones para LACMA, el Palm Springs Art Museum, el Center para la Investigación Nuclear Europea (CERN) y LAX. Ha sido seleccionado para la residencia nórdica de Los Ángeles en el ACE Hotel en Palm Springs y el programa Facebook Artist in Residence en 2019. Realizó un set de sonido en el festival de música Desert Daze en 2019. Fue productor y sujeto del 2017. Serie documental de Netflix, Cazadores de incendios. Ha aparecido en numerosas publicaciones en línea y entrevistas de televisión como PBS Newshour, TIME Magazine, Artnet y American Photo. La Sociedad Estadounidense de Fotógrafos de Medios (ASMP, por sus siglas en inglés) lo nombró uno de los mejores fotógrafos de 2014. U2 y Ladytron lo han contratado para las ilustraciones utilizadas en giras y en la carátula del álbum. Ha hablado en TEDx en Suiza, la Feria de Arte de Seattle, la Universidad del Sur de California, el Museo de Arte de Palm Springs, el Museo de Arte de Orlando, Snap! Orlando y photoLA
Ruth Pastine
La práctica pictórica de Ruth Pastine es una investigación contemplativa y reflexiva en curso que se centra en la austeridad de los tres sistemas de color complementarios que, aunque aparentemente finitos, acceden a posibilidades ilimitadas. Sus pinturas evolucionan en concierto y en yuxtaposición entre sí, fomentando la interacción perceptiva de los contextos de color al tiempo que desafían los fenómenos de percepción del color y la relatividad del color y la luz. Trabajando en serie, el proceso de Pastine se basa en la comprensión sistemática del color desarrollada en la Bauhaus y la investigación del siglo XIX de Michel Eugène Chevreul y su descubrimiento del contraste simultáneo. Enfrentar lo desconocido está siempre al borde del descubrimiento y es la vía de acceso a un nuevo trabajo.
Las pinturas de campo de color minimalistas de Pastine exploran las tensiones esenciales que impulsan su trabajo: presencia y ausencia, superficie y profundidad, materialidad e inmaterialidad, lo finito y lo ilimitado. Ella continúa evolucionando la abstracción pura y sigue los conceptos de la teoría minimalista, fomentando la experiencia fenomenológica de la luz y el espacio en su trabajo. Pastine explora el carácter sutil y los matices del color, el color y la luz se reducen a su forma más elemental, trabajando con pintura al óleo sobre lienzo miles de pequeñas pinceladas se resuelven y aparecen visualmente sin fisuras, produciendo una imagen objetiva y desmaterializada. Desafiando las ideas preconcebidas sobre el color, sus investigaciones sobre la manipulación del color, la luz y la materia cuestionan la experiencia perceptiva y redefinen el campo visual.
Nacida y criada en la ciudad de Nueva York, Ruth Pastine recibió su BFA de Cooper Union para el Avance de la Ciencia y el Arte y al graduarse recibió una beca de residencia independiente para la Academia Gerrit Rietveld, Ámsterdam, Países Bajos. Recibió su MFA de Hunter College of the City University of New York, donde se centró en pintura, teoría del color y estudios críticos. En 2009, Pastine comenzó el trabajo específico del sitio con una comisión pública titulada Sin límites, compuesta por 8 pinturas a gran escala, instaladas como dos series en los vestíbulos contiguos de Ernst & Young Plaza, en el centro de Los Ángeles. En 2014, Ruth Pastine tuvo su primera exposición de inspección de museo titulada: Atracción: 1993-2013 en el MOAH Lancaster Museum of Art and History, Lancaster, CA con ensayos del catálogo de exposiciones de Donald Kuspit y Peter Frank, con una apreciación de De Wain Valentine. En 2015, abrió Present Tense: Paintings and Works on Paper 2010-2015 en el Museo de Arte CAM Carnegie, Oxnard, CA. Las pinturas de Ruth Pastine están incluidas en numerosas colecciones públicas y privadas, incluida la Fundación Achenbach para las Artes Gráficas, los Museos de Bellas Artes de San Francisco; SFMOMA Museo de Arte Moderno de San Francisco; Museo de Arte Contemporáneo MCASD de San Diego; Fundación de Arte Frederick R. Weisman, Los Ángeles; MOAH Lancaster Museo de Arte e Historia Lancaster; Brookfield Properties, Ernst & Young Plaza, Los Ángeles; AXA Art, Colonia, Alemania; Qualcomm, San Diego; Sede del Grupo CIM, Los Ángeles, entre otros. Ruth Pastine vive y trabaja en el sur de California.