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4 de agosto - 27 de septiembre de 2018

Exposiciones individuales:

El Robot Show se compone de ocho exposiciones que exploran el lugar que los robots y otras formas de inteligencia artificial tienen en un panorama social contemporáneo, desde la cultura popular hasta la naturaleza y la espiritualidad. En la galería principal de MOAH se presenta una retrospectiva del artista y animador nominado al Emmy, Dave Pressler. El Robot Show también muestra las exposiciones individuales de Jeff Soto, Patrick McGilligan, Robert Nelson y Karen Hochman Brown, con instalaciones específicas del sitio de los artistas Cristopher Cichocki, Alexander Kritselis y Chenhung Chen.

La retrospectiva de 20 años de Dave Pressler, Idea to Object , es una narrativa de su carrera, que se centra en cómo hizo realidad sus ideas. Los robots de Pressler son parte integrante de la cultura popular y es mejor conocido por su serie de Nickelodeon, Robot and Monster , nominada al Emmy. “El trabajo de Pressler atrae a audiencias de todas las edades”, dice Andi Campognone, curador de MOAH. "Su trabajo es un gran ejemplo de la combinación de sólidos conceptos contemporáneos y artesanía experta, y estamos muy emocionados de exhibir su trabajo tanto para las comunidades de Lancaster como de Los Ángeles".

Jeff Soto, en la East Gallery, es un surrealista pop que también destaca a los robots en sus pinturas y murales atrevidos, que están destinados a evocar la nostalgia y el entorno natural. En la South Gallery, Cristopher Cichocki promueve esta conexión entre lo artificial y lo natural con su obra más reciente, Divisions of Land and Sea , que combina la interpretación audiovisual y la pintura con luz negra en un entorno inmersivo. Las composiciones fotográficas digitales de Karen Hochman Brown se destacarán en la North Gallery junto con las pinturas de robots de Robert Nelson en la Wells Fargo Gallery junto con el trabajo de Patrick McGilligan en el vestíbulo y el atrio del Museo. Alexander Kritselis presentará una de sus instalaciones multimedia en las vidrieras del Aula Familiar Hernando y Fran Marroquin del Museo. Completando esta exposición está Chenhung Chen, una artista con sede en Los Ángeles, que instalará sus torres basadas en tecnología en la Galería Vault.

 

Dave Pressler: de idea a objeto

Dave Pressler es un artista y diseñador de personajes nacido en Chicago y residente en Los Ángeles que ha utilizado la escultura y la ilustración para fusionar sus pasiones por las bellas artes y el entretenimiento pop. Él se describe a sí mismo como un “artista de cuello azul”, lo que significa que se suscribe a la noción de que no existe el arte alto o bajo porque todo arte requiere habilidad, técnica e imaginación sin importar el medio o la intención. Esta exposición es un resumen de los 20 años de carrera de Pressler, y se centra en los retratos caprichosos de robots y criaturas fantásticas.

La exposición Idea to Object de Dave Pressler brinda al público la oportunidad de ver el proceso de pensamiento en el diseño de personajes y la transformación de la idea al objeto. Esta instalación incluye trabajos realizados durante dos décadas, así como temas de desmitificación del proceso artístico, y se demuestra mediante el aprendizaje de la técnica y el trabajo duro que cualquiera que quiera puede dedicarse al arte. Pressler ha colaborado con muchos artistas notables, incluidos Mark Ryden, Camille Rose Garcia y Ron English. Pressler ha trabajado desde la escala más pequeña hasta esculpir robots a gran escala tanto para exhibición como para divertirse. Recientemente creó un robot impreso personalizado en asociación con Pretty In Plastic. Este robot está pintado a mano y es una edición limitada, ¡Cállate y dibuja! El robot vendrá con un lápiz personalizado y tendrá una altura de 8 pulgadas. Además de la escultura, el desarrollo de personajes y la animación, Pressler es un ilustrador célebre y recientemente lanzó el libro Scholastic Back to School with Big Foot.


Dave Pressler es un productor de televisión, diseñador de personajes, animador, ilustrador, escultor y pintor nominado al Emmy. A lo largo de su carrera, ha diseñado personajes e IP para una variedad de compañías de entretenimiento para niños y co-creó el Robot y Monstruo de Nickelodeon y la serie animada cuadro por cuadro Cómo hacer todo con Garrick y Marvin para DreamWorksTV. Al mismo tiempo, sus juguetes y obras de arte de diseñador se han vendido en galerías de todo el mundo. Dave Pressler reside actualmente en Los Ángeles y está comprometido a crear al menos un robot al día.

 

Jeff Soto: Dioses del futuro

En sus años de formación, Jeff Soto descubrió la pintura tradicional y el graffiti callejero al mismo tiempo. Esta exploración simultánea de ambos mundos concibió su estilo único y continúa informando su trabajo hasta el día de hoy. Su paleta de colores distintivos, el tema y la técnica cierran la brecha entre el surrealismo pop y el arte callejero, inspirado en la nostalgia juvenil, la naturaleza y la cultura popular.

Soto representa criaturas amistosas y personificaciones de las fuerzas de la tierra que prosperan en un entorno distópico plagado de las complejidades de la vida moderna. Las criaturas robóticas lucen sonrisas amistosas que pueden enmascarar sus verdaderas intenciones. Son seres supercomplejos, como nosotros; algunos son buenos y otros son malos, pero la mayoría están en algún punto intermedio. Las criaturas de otro mundo de Soto deambulan por el paisaje surrealista y están rodeadas de vegetación descuidada, tecnología en deterioro y decadencia social en general. Las plantas y la vida silvestre se están apoderando de la tecnología y, en muchos casos, se fusionan. Sin embargo, el uso de colores vibrantes y formas orgánicas de Soto evoca un sentido de esperanza y esfuerzo por revitalizar, comunicando temas de familia, naturaleza, vida y muerte.

Además de la pintura y la ilustración comercial, Jeff Soto ha estado pintando murales a nivel internacional, incluidos Nueva York, Los Ángeles, Tokio, Miami, Londres y París. Soto muestra con Jonathan Levine Gallery en la ciudad de Nueva York. Está representado por B&A Reps para trabajos de ilustración. Él será uno de los personajes destacados de POW! WOW! Artistas de Antelope Valley en Lancaster este octubre. Jeff Soto recibió un título de asociado de Riverside City College, una licenciatura en Bellas Artes de Art Center College of Design en Pasadena y actualmente reside en Riverside, California.

 

Cristopher Cichocki: Divisiones de tierra y mar

Cristopher Cichocki encapsula el ciclo de decadencia y renovación a través de un examen entre la humanidad, el mundo natural y la producción industrial. Ampliando la trayectoria histórica de Land Art, Cichocki subraya el medio ambiente global cada vez más tóxico al que se enfrenta nuestro planeta en el nuevo milenio. Situada al margen del arte y las ciencias naturales, las intervenciones ambientales del artista reflejan la línea de tiempo que abarca desde los océanos prehistóricos hasta las transmutaciones actuales. Durante décadas, el trabajo de Cichocki ha estado inmerso en el desierto del sur de California, respondiendo a la ecología dinámica y los problemas del agua de la región a través de obras interconectadas de pintura, escultura, video, fotografía, performance, sonido, instalación e intervención arquitectónica.

La aplicación contrastante del color fluorescente en la paleta de Cichocki proviene de sus exploraciones anteriores de las marcas de calles utilizadas para la construcción y el desarrollo de infraestructura. En medio de paisajes desérticos una vez sumergidos bajo el agua, estas aplicaciones fluorescentes se amplifican aún más como sugerencias de bioluminiscencia de aguas profundas cuando se exponen bajo la radiación ultravioleta de la luz negra. Divisions of Land and Sea se fusiona como excavaciones y restauraciones destiladas de elementos que Cichocki considera como semillas supervivientes de un océano antiguo.

Cichocki recibió su licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Arte, CalArts, Valencia, California. Su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones alrededor del mundo en instituciones como el Museo de Imagen y Sonido de São Paulo; Bienalle Urbana, Venecia; Künstlerhaus Bethanien, Berlín; Casa França-Brasil, Rio de Janeiro; Museo de la Imagen en Movimiento, Nueva York; Museo de Arte Contemporáneo de Portland, Portland, Oregon; Museo de Arte de Palm Springs, Palm Springs, California; Artere-A, Guadalajara; Museo de Artes Fotográficas, San Diego, California; MM Centre Cinema, Zagreb, Croacia; y The Paseo Project, Taos, Nuevo México. Cichocki trabaja y reside en Coachella Valley en California.

 

Chenhung Chen: I Ching en América 2.0

En su trabajo, Chenhung Chen está completamente involucrada con la línea, habiendo reconocido primero su poder en la caligrafía y pintura chinas, y más tarde en el expresionismo abstracto estadounidense. A través de su enfoque de línea, puede expresar sentimientos de delicadeza, poder, flotabilidad, fuerza y ​​movimiento constante. Las cualidades lineales inherentes a la naturaleza también informan su proceso de ensamblaje y su visión creativa. Su obra se refiere a la dicotomía: concordia y disonancia, quietud y caos, lo bello y lo grotesco, lo sutil y lo poderoso.

Desde su experiencia de reclusa urbana, a través de obras de técnica mixta, Chen se esfuerza por expresar su percepción de la existencia interior: su simplicidad y su profundidad. En su trabajo independiente en 3D se incluyen materiales reciclados o los detritos de la tecnología, como cables de cobre, cables eléctricos y una serie de componentes electrónicos y de computadora. El hecho de que la función original de este material fuera aprovechar la energía eléctrica y transformar su potencial, doblándolo a la voluntad del hombre, es fascinante para Chen. En su trabajo en 2D, experimenta con materiales desde grafito a tinta, óleo a acrílico, papel a lienzo, así como objetos de uso diario con cualidades lineales.

Chen se graduó de la Universidad Cultural China y recibió su Maestría en Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales de la ciudad de Nueva York. Ha viajado por el mundo pasando tiempo en India, Malasia, Australia, Tailandia, el noreste de China, así como en Beijing y Roma, como voluntaria de la Fundación Prem Rawat que trabaja por la paz global. Su obra de arte se ha exhibido en los Estados Unidos e internacionalmente, incluidas ubicaciones en el área de Los Ángeles y San Diego, Nueva York, Utah y Taiwán. Chenhung Chen nació en Beigang, Taiwán, y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.

 

Alex Kritselis: depredador / presa

Alex Kritselis es un artista multidisciplinario que creció en Atenas, Grecia. Durante los últimos 10 años, junto con sus pinturas y esculturas, ha creado numerosas instalaciones, presentaciones de video y trabajos de medios mixtos privados y públicos, a menudo colaborando con su esposa, el director de fotografía Joey Forsyte. Kritselis se mudó a Estados Unidos a mediados de los setenta para ser parte del discurso en torno a los problemas contemporáneos de las artes visuales. Su trabajo implica el examen de los mitos antiguos, su relevancia para la narración lineal tradicional, la influencia en las costumbres contemporáneas y el discurso actual sobre la mitología contemporánea y sus vínculos con el pasado.

Kritselis está muy influenciada por Grecia. Integra las técnicas de renderizado clásicas con las digitales y otras modalidades contemporáneas. Su arte reflexiona sobre la memoria individual y colectiva, así como la fricción de valores pasados, presentes y futuros en nuestra búsqueda de la autodeterminación y el autoconocimiento. El arte que hace se asemeja a fragmentos de recuerdos e historias personales y colectivas. La narrativa tradicional y la comunicación moderna se entrelazan y "pixelan" en paneles individuales de madera, papel y metal. Pintadas, impresas o grabadas, son en sí mismas obras de arte completas: pensamientos, símbolos e impresiones que flotan libremente. Cuando se ensamblan, encarnan la fragmentación del tiempo y la memoria en la historia y la mitología.

Alex Kritselis recibió su MFA en Escultura y Pintura de Hornsey College of Art en Londres, Inglaterra. Con una beca de la Academia Griega de Artes y Ciencias, continuó con estudios de posgrado en escultura en la Academia Della Beli Arti en Florencia, Italia. Ha enseñado en instituciones en California y Texas, incluyendo Otis College of Art and Design, Pomona College, Claremont Graduate University, Texas University y Pasadena City College, donde se desempeñó como Decano de la División de Artes Visuales y Estudios de Medios de 2002 a 2012. Kritselis es miembro del Board of Armory Center for the Arts y ha expuesto a nivel nacional e internacional en más de 25 exposiciones individuales y 50 por invitación.

 

Robert Nelson: Despertar

La influencia de los maestros pintores del Renacimiento se hace evidente de inmediato en la obra de Robert Nelson, a través de la incorporación de rostros de las pinturas de Rafael o Bronzino, combinados con la forma de sus pinturas, que a menudo recuerdan las ventanas de los palacios medievales o renacentistas. El trabajo de Robert Nelson mezcla lo hiperrealista y lo surrealista, así mismo, sus sujetos combinan lo familiar con lo inesperado. El trabajo de Nelson trata de la yuxtaposición, utilizando imágenes que transmiten significado tanto a nivel inmediato como personal, imágenes que también parecen requerir que el espectador encuentre un significado más profundo para sí mismo detrás de los temas e ideas que explora el artista.

El trabajo de Robert Nelson crea una unión peculiar pero intrigante, ya que combina el Renacimiento italiano del siglo XVI con imágenes y conceptos modernos de nuestro mundo contemporáneo con inclinaciones tecnológicas. Está paralizado por la tecnología y también por la compresión del tiempo. A medida que nuestro mundo está envuelto por computadoras, robots u otras formas de inteligencia evolucionada, Nelson adopta un enfoque más analógico del trabajo y no usa computadoras. Todas sus piezas están dibujadas a mano con varias capas de lápiz de colores y acrílico y luego se sellan, lo que le da al producto final un acabado brillante.

Nelson estudió Bellas Artes / Arte de Estudio en la universidad y luego se unió a la Marina. Después de retirarse de la Marina, regresó a la escuela y asistió a Platt College en San Diego, donde estudió diseño gráfico y diseño multimedia. Trabajó como diseñador gráfico durante más de quince años y durante los últimos ocho ha trabajado seriamente como artista fino. Sus obras se han incluido en exposiciones desde 2008 en San Diego y Los Ángeles. Entre las galerías donde ha expuesto se encuentran The Los Angeles Art Association / Gallery 825, Los Ángeles, Southwest College Art Gallery, Chula Vista, Orange Coast College, Costa Mesa, Lora Schlesinger Gallery, Santa Monica.

 

Karen Hochman Brown: Elementales

La fascinación de Karen Hochman Brown por los mosaicos comenzó cuando era una niña mirando a través de sus propios caleidoscopios hechos a mano. Yuxtaponiendo la fotografía, los procesos digitales y la impresión con imágenes naturales, Hochman Brown continúa esta exploración ritual creando sus imágenes tipo mandala, examinando la relación entre los entornos tecnológicos y naturales. Hochman Brown gira y hace girar sus reflejos fotográficos brillantemente iluminados creando una composición que no está limitada por la limitación del reflejo de tres vías o una técnica de espejo plano de los caleidoscopios tradicionales. Este proceso permite que su obra de arte se reproduzca en el ámbito de las imágenes infinitas, ya que altera capa tras capa para crear una nueva composición única a partir de reflejos múltiples y dispares.

Combinando su proceso digital con un enfoque de medios mixtos más tradicional, Hochman Brown avanza en su examen de las manifestaciones virtuales y físicas de la naturaleza. La exploración de Hochman Brown de lo natural y lo artificial está inspirada en el matrimonio distinto e inmediato de precisión matemática y belleza estética. Como se ejemplifica en Elementals, Hochman Brown utiliza los cuatro elementos clásicos de aire (aer), agua (aqua), fuego (ignus) y tierra (terra) y máquinas simples y complejas como herramientas para reinterpretar y manipular el mundo natural. Aer debería sentirse como un aliento; Terra es sólida pero fértil; Ignus es inestable y volátil; Aqua es poderosa y cambiante. Volviendo al acto de crear físicamente obras de arte compuestas de charmeuse, dupioni de seda, lana, madera, aluminio y pintura acrílica, Hochman Brown ofrece una calidad más suave para amortiguar el ruido tecnológico que satura la vida diaria.


Hochman Brown recibió una licenciatura en artes de Pitzer College en Claremont, California. Continuó estudiando matemáticas y trabajo de posgrado en el Colegio de Artes y Oficios de California, creando un curso titulado Geometría de la construcción a través del arte. Ha pasado tiempo enseñando este plan de estudios en Arts Magnet High School en Oakland y The Waldorf School en Altadena, California. Estudió diseño gráfico en la Universidad de California, Los Ángeles y Art Center College of Design, Pasadena.

 

Patrick McGilligan: Robot y amigos

Iconoclasta, irreverente y, sin embargo, comprensivo de alguna manera, Patrick McGilligan representa personajes oníricos que surgen de las profundidades de la cultura popular y su propia narrativa personal. En momentos fugaces de interacción, McGilligan examina tropos de la cultura popular: monos voladores, extraterrestres, cíclopes, robots asesinos y cuerpos grotescos con expresiones faciales indefensas en momentos concentrados de abyecta desesperación. McGilligan rechaza la noción de que este mundo es uno de gracia, belleza y perfección simplista con sus retratos, inventando su propia mitología pop estridente y surrealista.

Inspirado por su infancia a fines de la década de 1970, McGilligan hace referencia a las películas clásicas de monstruos y terror de la época, incluidos los clásicos japoneses y estadounidenses como Godzilla y la criatura de la laguna negra. Utiliza estos íconos como punto de entrada, profundizando en un reino futurista de ciencia ficción, explorando una realidad alternativa habitada por robots gigantes en un mundo donde la humanidad está subyugada y las máquinas son adoradas como los nuevos dioses.

Patrick McGilligan, también conocido como "El artista letárgico", es un artista del sur de California conocido por su trabajo en los escaparates de la tienda de alquiler de videos VIDIOTS de Santa Mónica. McGilligan creció en Norwalk, California y es un artista autodidacta. Ha expuesto en Art Share LA, Coagula Curatorial, MuzeuMM y Keystone Art Space, con espectáculos como Never Have I Ever , Exquisite Pittoresco , Nude Survey Five , The $ 99 Painting Show y The PussyCat Challenge . McGilligan ha publicado recientemente un libro llamado The Lethargic Artist Coloring Book .