vanidad

5 de diciembre de 2015-24 de enero de 2016

Justin Bower: umbrales

Galería principal

Roni Stretch: no vanidad

Galería Sur

Austin Young: Por determinar / TBD The Musical

East Gallery y galería de educación

Shana Mabari: Diametros Petals

Techo

Laura Larson: gracia y gloria

Parte superior de la galería de escaleras y joyero

Leigh Salgado: las chicas solo quieren divertirse

Galería de Wells Fargo

Tina Dorff: Historia humana contada

(5 de diciembre - 8 de enero de 2016)

Galería de la bóveda

Ted Meyer: marcado de por vida

(8 de enero - 24 de enero de 2016)

Galería de la bóveda

JUSTIN BOWER

JUSTIN BOWER

"Moment of Collision"

AUSTIN YOUNG

AUSTIN YOUNG

"TBD, The Musical"

RONI STRETCH

RONI STRETCH

"Robert, buff titanium , pebble" Oil on Canvas

SHANA MABARI

SHANA MABARI

"Diametros Petals"

LEIGH SALGADO

LEIGH SALGADO

"Pacific Blvd"

LARA LARSON

LARA LARSON

"St Joan of Arc"

War copy

War copy

Lyvell for lancaster

Lyvell for lancaster

Justin Bower: umbrales

Justin Bower, nativo de San Francisco, describe a sus sujetos como poshumanos desestabilizados y fracturados, una persona o entidad que existe en un estado más allá del ser humano, en un nexo de sistemas espaciales entrelazados. Sus pinturas yuxtaponen cómo los individuos se definen a sí mismos en esta era digital y virtual y la imposibilidad de captar una noción tan resbaladiza. Bower compara su uso de la pintura con un instrumento de disección e investigación de la idea del cuerpo como un sujeto protésico original. La carne actúa como la capa compleja del límite biológico de las tecnologías externalizadas; todo el tiempo revelando que las mismas tecnologías externalizadas ya están dentro del cuerpo. Bower pinta a sus sujetos en un mundo donde la humanidad y la materialidad se entrelazan simétricamente, donde la pureza de la naturaleza humana está siendo reemplazada por nuevas formas de creación y evolución. Sus pinturas están influenciadas por la cultura actual que privilegia los patrones de información mediante el uso de configuraciones de arte óptico como contexto para la mayoría de sus obras de arte. Las pinturas de Bower abren un diálogo sobre el efecto desestabilizador y la tecnología del trauma que tiene en el individuo. Lo muestra a través de la técnica de duplicar rasgos (ojos múltiples, narices empalmadas, bocas que se derriten) y un movimiento similar a un latigazo que se invoca en su proceso expresionista abstracto.

Bower recibió una Licenciatura en Arte y Filosofía de la Universidad de Arizona y su Maestría en Bellas Artes (MFA) de Claremont Graduate University. Desde que recibió su MFA, el trabajo de Bower ha sido objeto de exposiciones individuales en Ace Gallery en Beverly Hills, Unix Gallery en la ciudad de Nueva York, y ha sido parte de una muestra colectiva en Patrick Painter y muchas exposiciones internacionales. Bower ha recibido varios premios, entre ellos el Feitelson Fellowship Grant y el Premio Joan Mitchell. Su obra de arte ha sido publicada por Art Forum, New American Paintings, American Art Collector, Bl! Sss Magazine, Modern Painters, Artillery Magazine y el LA Times.

 
Estiramiento rónico: no vanidad

Roni Stretch ha sido pionera en el proceso dicromático, explorando bajo pinturas fotorrealistas que emergen como fantasmas de un vacío de color. Sus pinturas al óleo dicromáticas se crean meticulosamente mediante la ejecución de un proceso de capas mediante el cual dos colores diferentes se aplican y construyen alternativamente durante muchas semanas. Los sujetos juegan contra un borde marcadamente alineado destinado a fundamentar cada pintura en lo físico y forzar una meditación visual. La imagen no está tanto pintada como incrustada ópticamente dentro de las múltiples capas de los colores alternos. El trabajo de Stretch es una lección de contradicciones: fotorrealismo y abstracción, luz y oscuridad, realidad y estados alterados, texturas suaves y ásperas que, en última instancia, conducen a una experiencia emocional.

El artista británico Roni Stretch creció en St. Helens, Mereyside, Inglaterra, donde asistió al St. Helens College of Art and Design. Stretch se ha exhibido en todo California, incluidas exposiciones en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, el Museo de Arte Contemporáneo en el Museo Contemporáneo Geffen, el Museo de Arte Westmont en Santa Bárbara y el Museo Cooperstown en Nueva York. Su trabajo ha sido incluido recientemente en las colecciones permanentes del Museo de Arte de California en Pasadena, el Museo de Diseño de California, el Museo Cooperstown de Nueva York y el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.

Austin Young: Por determinar / TBD The Musical

“Me fascina la identidad. ¿Quién soy? ¿Quién eres tú? ¿Cómo llegamos a estas conclusiones? Todos tenemos historias sobre crecer, hacer amigos y nuestros primeros amores. Estas experiencias forman nuestra relación con el mundo y con nosotros mismos. Nuestros miedos y experiencias solidifican nuestras identidades y las hacen realidad. Si nuestra identidad se fija, puede mantenernos en una caja. Algunos de nosotros nunca dejamos de desear ser algo más o más. Continuamente me convenzo de no hacer cosas. Por ejemplo, siempre quise hacer un musical pero mi miedo se interpuso. Entonces, recientemente, decidí establecer las fechas y anunciarlo. Invité al público a participar en una serie de talleres en los que compartieron sus historias y experiencias en torno al tema de la identidad y la "mayoría de edad". La llamada fue escuchada por muchas personas increíbles y artistas de Los Ángeles, ya que colectivamente pusimos énfasis en la autenticidad radical y la creatividad espontánea. Para este espectáculo en MOAH, recreo mi estudio en la galería, mostrando imágenes detrás de escena, historias íntimas de mayoría de edad, notas, fotos y escenas editadas finales del musical en progreso. En breves entrevistas en video, los participantes profundizan en las historias que formaron sus identidades y luego las cantan o las representan en esta inusual y revolucionaria experiencia musical ". -Austin Young

Austin Young es fotógrafo y artista de medios trans. Young ha estado documentando el pop y la subcultura desde 1985 a través de retratos. Young confunde los problemas de personalidad e identidad en la creación de imágenes confrontativas y sin remordimientos de personas que a menudo mezclan roles de género o confunden las limitaciones estereotipadas de las identidades construidas socialmente. Además de la fotografía y el cine, Young es cofundador de Fallen Fruit, un colectivo de arte contemporáneo establecido en 2004 que utiliza la fruta como material para proyectos que investigan las cualidades hiper-sinérgicas de la colaboración.

Los trabajos en video de Young exploran la cultura pop, las celebridades, el género y la identidad. TBD The Musical explora el nuevo ámbito de la performance, la instalación, el video y el arte participativo público. A través de una serie de talleres, Young invita al público a co-crear este proyecto junto a él, compartiendo historias y experiencias en torno al tema de la identidad y la "mayoría de edad". A su vez, crea un musical continuo, experimental y colaborativo que enfatiza la autenticidad radical y la creatividad espontánea. Young reúne a personas que están superando los límites en sus respectivas disciplinas, incluidos músicos, bailarines, diseñadores de moda, cantantes, drag queens y el público. A medida que se llevan a cabo nuevas colaboraciones, se agregan escenas a TBD The Musical , así como el documental y la exhibición de metraje, fotografías y notas detrás de escena.

Shana Mabari: Diametros Petals

Shana Mabari es una artista contemporánea estadounidense que trabaja en Los Ángeles. Trabajando a través de las intersecciones del arte, la ciencia y la tecnología, Mabari orquesta la luz, el reflejo, el contraste de color y la geometría con la intención de jugar y expandir la realidad y la experiencia del espacio físico. A través de sus esculturas, instalaciones y entornos, investiga las formas en que los estímulos y fenómenos mundanos son absorbidos y procesados ​​a través de las percepciones sensoriales y visuales. Mabari es parte del continuo del movimiento Luz y Espacio, que se originó en California en la década de 1960. La ciencia ha impulsado su obra de arte, lo que la ha llevado a colaborar con científicos de renombre mundial en el Instituto de Neuroinformática en Zurich, Suiza.

Shana Mabari nació en Los Ángeles, California. Ha viajado mucho y ha vivido en París, el norte de la India y Tel Aviv. Su educación incluye estudios en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris y Otis College of Art and Design en Los Ángeles. Posee una patente para el diseño de “Dynamic Spatial Illusions”, una versión portátil de un entorno experimental visual y sensorial. Ella recibió la subvención ARC del Centro de Innovación Cultural. Ha exhibido trabajos en los Estados Unidos e internacionalmente.

Laura Larson: gracia y gloria

Laura Larson creció en Chicago rodeada de la influencia de los Chicago Imagists, un grupo de artistas que eran conocidos por su trabajo de representación que dibujaba referencias fuera de las bellas artes. Su trabajo refleja los intereses duales de la narración de historias y la producción teatral, los componentes básicos de su interés constante en las instalaciones escultóricas y el Tableau narrativo. A fines de la década de 1970, Larson se mudó a Los Ángeles, donde se convirtió en miembro de un grupo colaborativo de mujeres y hombres, trabajando con Judy Chicago para crear The Dinner Party , una controvertida e innovadora obra de arte feminista representada en porcelana, pintura china, textiles. y bordado, reconociendo a mujeres importantes en la historia que fueron olvidadas o poco reconocidas. Durante los últimos 10 años, el trabajo de Larson ha tocado dos temas: nuestra relación entre la naturaleza y nuestros cohabitantes animales; e investigaciones de lo cultural, histórico y espiritual a través de líneas de la trinidad femenina: mente, cuerpo y espíritu. Completado a través de tres cuerpos de trabajo diferentes, Grace and Glory será la parte final de la trinidad de Larson.

Larson afirma: “Esta investigación en serie examina las líneas transversales culturales, históricas y espirituales de los efectos de la religión - el cristianismo en particular - en las mujeres. Su génesis fue mi reacción a la exposición del Centro Getty "Bernini y el nacimiento de la escultura de retratos barrocos". Si bien los hermosos bustos de Bernini glorificaban a papas, cardenales y reyes, quería volver a imaginar la exhibición cambiando el género a femenino, cambiando el enfoque del poder y la piedad a la gracia y la gloria, celebrando a mujeres históricas (míticas) que han mostrado gracia bajo presión. y a quienes se les ha concedido o buscado gloria por sus acciones.

Esta serie ha sido creada en oposición al “virtuosismo deslumbrante” de los artistas barrocos y su capacidad para crear una “semejanza hablante” a partir del intratable medio de la piedra. Los rostros de estas mujeres están hechos de cabezas de peluca de espuma de poliestireno inmóviles. Sin embargo, cada cabeza se trata de una manera diferente para ejemplificar la situación de su vida utilizando varios medios como pintura, resina epoxi para modelar, papel maché, tela, cuero o cuentas. El busto en general personifica a la mujer de manera simbólica, más que expresiva. Los materiales utilizados tienen poderes asociativos como los guantes de cuero blanco y negro, que se convierten en cabello y tocado para la reina de Saba, y pañuelos recolectados a lo largo de la vida, que se convierten en un ramo de rosas para Aimee Semple McPherson ".

Laura Larson ha exhibido su trabajo extensamente en todo el sur de California y ha mostrado su trabajo a nivel internacional. En 2004, recibió la Beca de Recurso de Artista para la finalización de la Fundación Durfee. Larson se graduó de Carthage College en Kenosha, Wisconsin, recibiendo una doble licenciatura en bellas artes y artes teatrales.

Leigh Salgado: las chicas solo quieren divertirse

Los dibujos escultóricos de Leigh Salgado incorporan un proceso orgánico pero preciso mediante el corte de papel a mano y la quema de algunas partes de la composición junto con el uso de tinta y pintura. Estas imágenes terminadas que requieren mucha mano de obra son imágenes abstractas que ocasionalmente se transforman en temas reconocibles que incluyen encajes, lencería, redes, telas, patrones de ropa y abstracciones originales tejidas. El trabajo actual de Salgado incluye un interés continuo en temas y formas que han desarrollado asociaciones durante su niñez y feminidad.

Salgado afirma: “Lo que me impulsa: Atracción por patrones, telas, objetos de moda, ornamentación elaborada y respeto por el trabajo. Mi trabajo trata de la perseverancia a pesar de la imposibilidad de la perfección. Mis recuerdos, experiencias y mujeres que han formado mi cosmovisión están presentes en el trabajo ”.

Leigh Salgado recibió su licenciatura en pintura, escultura y artes gráficas de la Universidad de California, Los Ángeles y su maestría en terapia de arte clínico de la Universidad Loyola Marymount. Después de practicar la terapia de arte profesionalmente durante varios años, renovó sus estudios de bellas artes en el Santa Monica College of Design in Art and Architecture. Su obra de arte se ha exhibido a nivel nacional.

Tina Dorff: Historia humana contada

“Algunas narrativas emotivas en estas pinturas pueden ser bastante obvias, pero la mayoría son corrientes subterráneas de una historia contada por la figura. Mis temas de pintura abarcan una gama que va desde los oscuros y emotivos hasta los encantadores trucos sobre el lienzo. Observa las payasadas juguetonas de la chica peluda desnuda y charlando con una figura. Si escuchas con atención, la mujer de la camisa azul te contará su historia especial. Hay una mujer parada sobre un medio caparazón que se acerca a ti porque la vergüenza la está matando. Gire de nuevo y verá una ninfa desnuda holgazaneando en la hierba bajo la brisa de un ventilador. El torso negro y sudoroso de un soldado que se eleva hacia los cielos desesperado por esas terribles decisiones humanas tomadas. Luego está la imitación del siglo XXI de una condesa de Ingres con su vestido de encaje negro y su mirada perdida ". - Tina Dorff

Las pinturas al óleo de Tina Dorff ahondan en narrativas emocionales tomadas de experiencias personales y observaciones externas. Ella usa el lienzo como un diario y un comunicado. Después de años de confusión emocional y decepciones, Dorff usa su trabajo para acceder a las emociones y establecer un puente hacia el mundo exterior. La mayoría de sus modelos son amigos cercanos o familiares, Dorff se siente afortunada de tener modelos con una aguda visión de la pintura. Para ella, la relación entre la modelo y la pintora es poderosa y para ser apreciada, afirma que “siempre hay una historia detrás de mis caras”. Ella espera que cuando los espectadores vean su arte, su sentido de la realidad se altere durante ese tiempo de visualización y que puedan identificarse con él. Ella dice: "Te cuento mis historias a través de la figura pintada para que las interpretes ... y ahora es tu historia".

Dorff estudió en el Instituto de Arte de Filadelfia, Escuela de Arte Hussian y recibió un título de Asociado en Ciencias de la Universidad de Temple. Su trabajo se ha exhibido en los Estados Unidos e internacionalmente. Actualmente vive y trabaja en Lancaster.

Ted Meyer: marcado de por vida

Desde que era un niño pequeño con una enfermedad grave, Ted Meyer ha mezclado el arte y las imágenes médicas como una forma de entender sus experiencias. A través de su arte, destaca el impacto emocional del dolor y la curación en la gente común: pacientes, familias y personal médico. Cuando los tratamientos médicos mejoraron su propia situación como adulto, Meyer comenzó a trabajar con otros sobrevivientes de problemas de salud traumáticos. Scarred for Life es un proyecto polifacético que incluye la impresión en papel del cuerpo del sujeto, entrevistar a los participantes sobre sus experiencias y fotografiar el proceso. La presentación resultante, en constante expansión, de monoimpresiones, narrativas y fotografías ha recibido cobertura de prensa del New York Times, USA Today y el Chicago Tribune . Scarred for Life, se ha exhibido a nivel nacional, incluso en el Museo Nacional de Salud y Medicina en Washington, DC, la Facultad de Medicina de la Universidad de Nueva York, el Museo de Arte Bravard en Melbourne, Florida, el Museo de Arte y Cultura en New Rochelle, Nueva York, y en Sierra College en Rocklin, California y Biola University en La Mirada, California. Meyer ha dado conferencias sobre arte y salud en la Universidad de Yale, la Universidad de Nueva York y UCLA.

Ted Meyer es un artista y diseñador que vive en Los Ángeles. Obtuvo su licenciatura en la Universidad Estatal de Arizona. Es propietario y diseñador principal de Art Your World, un estudio de diseño de servicio completo. Actualmente es Artista Residente en la Escuela de Medicina Geffen de UCLA y Profesor Visitante en el Museo Nacional de Salud y Medicina en Washington, DC Ted ha exhibido sus pinturas y fotografías a nivel internacional, incluso en el Instituto de Arte de Chicago, las Naciones Unidas en Nueva York. Ciudad, en Osaka, Japón y Estambul Turquía.

 
 
 
 
 
 
 
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