Signos y Símbolos: De arte de la calle a High Art

Signs and Symbols: From Street Art to High Art muestra obras innovadoras y de renombre internacional de: Keith Haring, Banksy, Barry McGee, Heretic, Cryptik, David P. Flores, Shepard Fairey, Robbie Conal y MearOne. Ahora una práctica global, los artistas de esta exposición abarcan un rango geográfico desde Los Ángeles hasta Nueva York y Londres y fueron pioneros en el movimiento del arte callejero utilizando la matriz urbana como lienzo. Continúan creando obras de arte de guerrilla utilizando pegatinas, murales, pintura, plantillas, pasta de trigo y proyecciones de video para transformar el diálogo sobre dónde puede o no colocarse y sancionarse el arte. Colectivamente, los artistas son editores maestros, utilizando solo los signos, símbolos y materiales más relevantes para lograr el mayor impacto visual en un corto período de tiempo. Cuestionan la comercialización del arte cambiando los materiales que emplean y seleccionando lugares alternativos en los que aparecen sus obras.

El término arte callejero se utiliza para distinguir entre dos opuestos: las obras de arte públicas patrocinadas por el gobierno y las empresas y el etiquetado no autorizado de grafitis territoriales. La práctica es una forma de activismo visual por parte de artistas que a menudo se sienten privados de sus derechos por la codificación y los estándares de la creación de arte en el ámbito público. La privación de derechos es un gran motivador y los artistas callejeros aquí representados han revolucionado la forma en que se utiliza el espacio público para transmitir mensajes sociopolíticos a la gente común que no frecuenta museos y galerías. La obra de arte finalmente es sacada de su contexto local por las galerías comerciales y los museos, las mismas instituciones que muchos artistas intentan evitar. Otros artistas callejeros dan la bienvenida a la afluencia de su trabajo en el ámbito comercial, abrazándolo como una oportunidad para que sus mensajes lleguen a un público más amplio.

Durante la última década, el movimiento del arte callejero ganó una notoriedad considerable entre el público gracias a la aclamación generalizada por el elemento sorpresa. Cuando una nueva obra de arte apareció en la calle de la noche a la mañana, los vecinos y las comunidades disfrutaron o lucharon contra el fenómeno, generando una moneda social vibrante que impulsa a los artistas. La mayoría de los artistas callejeros están trabajando para la gente y son impulsados ​​por el efecto de movilizar a la comunidad para que actúe.

Gary Lang: Whim Wham

El Museo de Arte e Historia de Lancaster presenta Gary Lang: Whim Wham una selección íntima de las aclamadas pinturas circulares de Lang acompañadas de sus pinturas de palabras nunca antes vistas. Los dos cuerpos de trabajo pueden parecer al principio no relacionados, pero están inextricablemente vinculados por una unión de opuestos y similitudes, tanto a través del proceso en el que se crean como en la búsqueda de Lang por reconciliar el espacio entre la belleza y el dolor en la época contemporánea.

Lang comenzó a trabajar en sus pinturas circulares minimalistas en la década de 1980 y rápidamente se hizo famoso internacionalmente por su capacidad para engendrar una conexión física con lo sublime a través de sus radiantes combinaciones de colores. Cuando se ve desde la distancia, sus pinturas impulsan al espectador a una experiencia óptica implacable que trasciende las preocupaciones cotidianas. Los colores se mezclan y cambian, se profundizan y suavizan, y se despiertan y vibran en una conversación entre ellos, llevando al espectador a un viaje de alegría fenomenológica. A medida que uno se acerca a la obra, se revela la mano del artista y su notable afecto por la materialidad de la pintura.

En la década de 1970, antes del nacimiento de sus pinturas circulares, Lang había mantenido una práctica tranquila de escribir texto en papel y pintar palabras en libros que colocaba en sus mesas de mezclas de pintura. Eventualmente comenzó a hacer pinturas de palabras en concierto con sus grandes lienzos. En la superficie, la palabra pinturas funciona como un depósito inmediato del exceso de pigmento que queda de sus lienzos monumentales: simplemente pasa del lienzo al papel para “limpiar” el pincel. El proceso de limpieza de improvisación de Lang finalmente produce palabras y frases que exponen su respuesta profundamente poética a los conceptos de verdad, religión, poder y tragedia. Lang ha practicado metódicamente este ritual privado desde el bombardeo del World Trade Center el 11 de septiembre de 2001. Unos días antes del 9-11, Lang se mudó con su familia de su loft en la ciudad de Nueva York, donde las torres del World Trade Center eran visibles desde la cocina. ventana — al sur de California, donde nació Lang. Lang expresa que este evento lo convirtió en palabras "en un esfuerzo por comprender cómo se usan, abusan y manipulan por la agenda y el temperamento, así como para servir al corazón". También ha descubierto que asocia las palabras "real" y "verdadero" con la cualidad momentánea de la pintura en el aquí y ahora.

Exhibidos juntos por primera vez, Gary Lang: Whim Wham invita al espectador a presenciar los frutos del ritual privado de Lang, provocando una aventura entre objetos saturados de color que nos ayudan a trascender lo cotidiano para atravesar la búsqueda intelectual de las palabras, pidiéndonos reconciliar la belleza y el misterio de la vida con la tragedia de la condición humana.

Jorg Dubin: Mis amigos de Facebook

Jorg Dubin: My Facebook Friends es una exploración contemporánea de la identidad a través de la lente fragmentada de las redes sociales. Los retratos de Dubin están pintados directamente de las fotos de perfil de sus amigos de Facebook, muchos de los cuales el artista nunca ha conocido o que en su mayoría siguen siendo desconocidos para él. El poder de la obra surge de la fragmentación de la identidad que se produce en el mundo virtual y se ve reforzado por las pistas sobre el rostro de las redes sociales que Dubin proporciona al espectador. Al convertir "amigos" virtuales desconocidos en sus sujetos pintados, entrega pequeños tesoros desde los que comenzar a cuestionar los motivos de la identidad en la era digital.

Dubin, un pintor habilidoso, se apartó de su formación clásica y representativa y se ha vuelto muy conocido por sus exploraciones expresivas de la condición humana. Sus grandes pinturas figurativas representan la fragilidad de la fisicalidad humana: muchos de sus sujetos han sufrido daños físicos a causa de enfermedades o desgracias o simplemente por las decisiones tomadas en la vida. Dubin explora estas realidades cubriendo a sus sujetos con un color pictórico aceitoso y mordaz y los arraiga en escenas surrealistas y, a menudo, grotescas. Estas obras más grandes son narrativas visuales generosas, mientras que sus pequeños bocetos al óleo de Facebook transmiten solo fragmentos como un ojo, nariz o boca. Estos singulares bocetos nos piden que llenemos los huecos, incitando a contemplar el concepto de superficialidad a través de la acumulación de amigos. La instalación en su conjunto crea un amigo completamente nuevo: uno que cuestiona nuestro deseo de ser necesitado, de ser visto, de ser escuchado e investiga cómo las redes sociales han cambiado la interacción y la comunicación humana.

Dubin vive y trabaja en Laguna Beach, California. Estudió en el Art Institute of Southern California y es profesor en Laguna College of Art and Design. Dubin muestra extensamente en la región, con varias muestras individuales y grupales en Robert Berman Gallery, Santa Monica, CA; Galería Peter Blake, Laguna Beach; Galería Guggenheim, Universidad Chapman, Orange, CA; y Blue Gallery, Kansas City, MO entre muchos otros. Su trabajo se publica ampliamente en revistas y revistas de arte, como ArtScene Magazine, Artillery Magazine, Orange County Register, Coast Magazine, Sacramento Bee y Riviera Magazine.

Guillermo Bert: La serie de códigos de barras

El artista chileno Guillermo Bert ha estado fascinado durante mucho tiempo con el concepto de cifrar mensajes, lenguaje e ideas debajo de la “piel” de su obra de arte. Él incrusta este concepto al incorporar códigos de barras contemporáneos con íconos religiosos incas, mayas y mapuches, cada uno representado en oro, creando así reliquias híbridas y proponiendo una nueva mitología. Sus paneles están grabados y tallados, al igual que el trabajo en piedra de las civilizaciones antiguas. Este proceso de grabado y codificación le permite a Bert cuestionar el precio de valores fundamentales como la democracia y la justicia, al tiempo que difumina las líneas entre cultura y mercancías. Usando el código de barras, el símbolo por excelencia del consumismo y la marca como una forma de conquista contemporánea, Bert ofrece un comentario crítico sobre los efectos de la globalización y el modelo consumista occidental.

Bert vive y trabaja en Los Ángeles y muestra extensivamente en los Estados Unidos y América del Sur, incluido el Museo de Arte Latinoamericano en Long Beach CA, el Museo de Arte de San Diego en San Diego CA, el Museo Fowler en UCLA, el Museo de Tolerancia y el Museo de Diseño Arquitectónico, ambos en Los Ángeles, y el Museo de Arte de California en Pasadena. Ha recibido numerosos premios y subvenciones y se le ha encargado la creación de una serie de obras de arte públicas.

Susan Sironi: Libros alterados

La artista de Los Ángeles Susan Sironi recibió su BFA de la Universidad Estatal de California, Long Beach y estudió fotografía en color en Orange Coast College. Sus primeros trabajos en fotografía urbana y ensamblaje la llevaron a coleccionar materiales antiguos con un enfoque en libros antiguos. Desde 2003, ha utilizado libros antiguos para expresar las inconsistencias y frustraciones de un mundo que se aferra a las convenciones pasadas mientras lucha por los ideales futuros. Sus primeros libros modificados eran solo de texto y estaban meticulosamente cortados página por página. El advenimiento de Internet brindó a Sironi la capacidad de adquirir múltiples copias de libros mientras que la tecnología de escaneo permitió el corte preciso de libros enteros. Esta combinación de tecnologías antiguas y nuevas es fundamental para el enfoque de Sironi: cada libro promueve una lectura alternativa de las normas y convenciones aceptadas del pasado. Al alterar la información que ve el espectador, Sironi transforma los libros en nuevas formas visuales y conceptuales al tiempo que conserva pistas de su identidad e historia anteriores.

Exponiendo principalmente en Los Ángeles, el trabajo de Sironi también se ha exhibido en el Museo de Arte Laguna y el Centro Carpenter de la Universidad de Harvard, MA. Está representada por Offramp Gallery en Pasadena.

Thomas McGovern: lenguaje de señas, notas del alto desierto

Sign Language, Notes from the High Desert muestra el distinguido trabajo del fotógrafo del sur de California Thomas McGovern. El nuevo trabajo de McGovern se realizó específicamente para y sobre el Valle del Antílope y es parte de un proyecto documental más grande llamado Vital Signs. La serie Vital Signs documenta carteles y murales pintados a mano en toda la región de Inland Empire del sur de California, comenzando con la ciudad de San Bernardino. La gran tradición muralista mexicana tiene una influencia obvia en la región, pero estos letreros y murales también sugieren la economía de una ciudad en recuperación donde inmigrantes y lugareños establecidos se instalan y tratan de mantenerse a sí mismos y a sus comunidades. Para su proyecto Lenguaje de Señas, Notas del Alto Desierto, McGovern amplió su rango para incluir el Valle del Antílope, un lugar que se recupera de presiones económicas similares a las de San Bernardino y otras comunidades rurales en todo el país.

Con la proximidad del Valle del Antílope a Los Ángeles y la proliferación de vallas publicitarias de alta definición en las ubicuas carreteras de ocho carriles en nuestra región, McGovern dirigió su lente hacia los letreros, murales y anuncios pintados a mano que marcan nuestro paisaje rural de carreteras de dos carriles. . McGovern ofrece una ventana a las minucias que a menudo se dan por sentado entre la gran masa de "cultura de la autopista" en el área. Las fotografías juntan fragmentos del estilo arquitectónico vernáculo del Valle del Antílope con los letreros pintados a mano que están siendo reemplazados por centros comerciales homogéneos y comunidades planificadas maestras. Muchos de los letreros se están deteriorando o fueron pintados en una época pasada, lo que indica cómo el valle está cambiando con el tiempo.

Thomas McGovern es profesor de arte en la Universidad Estatal de California en San Bernardino. Expone ampliamente en California, Nueva York y Alemania y está representado en colecciones distinguidas como el Museo de Bellas Artes de Houston; Museo de Arte de Brooklyn; Museo de Arte de Baltimore; Biblioteca del Congreso; Museo de fotografía de pieles; Museo de la Ciudad de Nueva York y The New Museum, Nueva York entre otros.

Danial Nord: Youtopia

Danial Nord es un artista interdisciplinario que reinterpreta el lenguaje familiar y las trampas de la comunicación de masas. Las instalaciones de Nord se basan en sus logros como diseñador y animador galardonado en la industria del entretenimiento, como diseñador de moda internacional y como artista escénico y de utilería para cine, televisión y teatro.

El nuevo y divertido video digital de Nord, Youtopia, se burla de la comunicación electrónica y de cómo los motores de búsqueda automatizados controlan la información que obtenemos. El video se basa en un correo electrónico que recibió con un enlace a un artículo del New York Times titulado: Guggenheim and YouTube Seek Budding Video Artists. Nord creó asistentes virtuales para investigar el artículo. A medida que las consultas automatizadas avanzan con el tiempo, eventualmente se ven sesgadas por las jerarquías de las bases de datos y los fallos del software, que producen asociaciones divertidas y complicadas y conclusiones erróneas. Youtopia subraya la situación actual en nuestra cultura de hacer clic rápido.

Nord obtuvo su BFA de Tyler School of Art en Filadelfia y Roma, Italia. Continuó con estudios de posgrado en tecnologías y medios de comunicación en la School of Visual Arts y el NYU Center for Digital Multimedia en Nueva York. Nord ha exhibido su trabajo en los Estados Unidos y en el extranjero en la World Expo 2010, Shanghai, China, Stadsmuseum Ghent, Bélgica, y en Nueva York en Freight + Volume e ISE Cultural Foundation. Nord vive, trabaja y exhibe ampliamente en Los Ángeles, incluso en el Museo de Fotografía de California, Exposiciones Fringe, HAUS, Pacific Design Center y la Galería de Arte Municipal de la Ciudad de Los Ángeles. Su trabajo ha sido cubierto por LA Times, LA Weekly, Artweek, Afterimage y NPR.