Jennifer Glass: cianotipos

Cianotipo Griego: kyano (azul; azul oscuro) + Griego: errores tipográficos (tipo o forma; letra impresa) Inglés 1835-1845

Jennifer Glass captura momentos en la vida de las mujeres a través de sus cianotipos de vestidos vintage. Seleccionados de su colección privada, estos vestidos se reproducen como cianotipos a través de un proceso que la artista ve como una declaración profundamente metafórica sobre los roles de la mujer, la política, el poder y la moda. Específicamente, este cuerpo de trabajo enfatiza la afinidad del artista por la moda como una narrativa polarizada. Las reproducciones a gran escala son fuertes en sus impresiones de azul de Prusia, mientras que son frágiles en su traslucidez fantasmal. Glass explica que su conexión con el mundo de la moda provoca una "fuerte respuesta emocional a cómo [la moda] puede empoderar o restringir a una mujer dependiendo de cómo la use" ... continúa: "la moda ha sido utilizada como una herramienta por las mujeres para años y aunque los ha confinado de muchas formas, también los ha liberado ... estas prendas le pertenecieron a alguien ”. Glass señala que aunque las mujeres que usaban estas prendas ahora se han ido, en su tiempo bailaron, dieron nueva vida, sintieron placer y dolor, y probablemente cambiaron de política, dejando su propia huella en el mundo, por grande o pequeña que sea. Las impresiones de vidrio se crean a través de métodos engañosamente básicos de exposición a la luz y preparación química de las telas.

Sir John Herschel fue pionero en el cianotipo en 1842 como un método fotográfico para duplicar rápidamente dibujos técnicos que normalmente requieren mucho tiempo para dibujar y reproducir. Herschel descubrió que cuando las sales de hierro reaccionan con la luz solar, dejan una huella azul permanente. Cuando se trata papel o tela porosa con una solución de citrato de amonio férrico y ferricianuro de potasio, se puede reproducir casi cualquier imagen si se dibuja sobre una superficie transparente, se coloca sobre el papel fotosensible en un cuarto oscuro y luego se expone a la luz solar. Las áreas del papel fotosensible (o lienzo / tela) que están ocultas por las líneas del dibujo permanecen blancas mientras que las áreas expuestas se vuelven de un azul insoluble, dando como resultado una silueta invertida. En 1843, poco después de que Herschel desarrollara el cianotipo, su amiga y colega Anna Atkins, una reconocida botánica, utilizó el método del cianotipo para catalogar su extensa colección botánica. Al colocar sus muestras de algas en el papel fotosensibilizado, creó el primer volumen conocido de fotogramas de cianotipo. Atkins continuó autoeditando sus cianotipos en su libro: Fotografías de algas británicas: Impresiones de cianotipos. Atkins publicó tres volúmenes y solo se reprodujeron diecisiete copias. Como fotógrafa, Jennifer Glass continúa con esta tradición en la época contemporánea, un método que se ha subutilizado desde el advenimiento de las reproducciones digitales.

Nacida en Florida, Jennifer Glass obtuvo una licenciatura en Ciencias Sociales y Políticas de la Universidad Estatal de Florida. Glass pasó a estudiar fotografía en el Art Institute of Fort Lauderdale, además de realizar talleres en Nueva York con las reconocidas fotógrafos Debbie Fleming Caffery y Mary Ellen Mark. Glass reside actualmente en Copenhague, Dinamarca.

Ann Marie Rousseau: Líneas de visión

Ann Marie Rousseau es una fotógrafa, artista y escritora que anteriormente vivió en la ciudad de Nueva York y actualmente vive en el sur de California. Trabaja con fotografía, pintura y dibujo sobre papel. Rousseau tiene un profundo interés en la línea en todas sus manifestaciones: dibujada, pintada, fotografiada.

Madonna and Child: Selecciones de la colección Accatino

El Museo de Arte e Historia se enorgullece de presentar una exposición que muestra pinturas de la Virgen y el Niño de
la colección Tom y Christie Accatino. Data de los siglos XVII, XVIII y XIX, las selecciones incluyen
Pinturas de la Virgen y el Niño de Rusia, Ucrania y orígenes coloniales españoles. Los Accatino son regionales
coleccionistas, con sede en Riverside y Palm Springs, cuyos gustos eclécticos van desde la pintura de paisajes de California hasta
Artefactos asiáticos. Tienen un interés particular en ciertos temas y enfoques asociados con los Antiguos Maestros,
y en los últimos años han acumulado un grupo de retratos, naturalezas muertas y temas religiosos de varios
pintores, muchos aún sin identificar, que trabajan en los estilos barroco y clásico predominantes en su época. Las selecciones
aquí son en honor a las fiestas e incluyen una variedad de tratamientos del tema de la Virgen y el Niño.

Kokeshi y el tótem: el arte de David Svenson y Kazumi Kobayashi Svenson

David Svenson y Kazumi Kobayashi Svenson son escultores de técnica mixta que viven en el Alto Desierto del sur de California. Ambos comparten un afecto por las tradiciones del arte popular, en particular el kokeshi: muñecos japoneses de madera y los tótems de madera de las tribus del noroeste del Pacífico. Esta exposición destaca la colección tradicional de kokeshi de Svenson y su influencia en el trabajo de técnica mixta de David y Kazumi, que incluye vidrio soplado a mano, neón, madera y hormigón. A través de sus obras de arte y enseñanza, David y Kazumi están ayudando a mantener vivas las tradiciones del arte popular al compartir su colección con el público e interpretar creativamente el kokeshi y el tótem a través de métodos de creación de arte contemporáneo. Aunque la pareja comparte una afinidad por las tradiciones del arte popular y la escultura con vidrio, neón y medios mixtos, provienen de orígenes muy diferentes.

David Svenson creció en la década de 1960 entre los muchos contrastes del sur de California. Estaba rodeado por la llamativa señalización de neón de la histórica Ruta Estatal 66 que se destacaba contra las vastas extensiones de arboledas de cítricos que dominaban el paisaje en ese momento. David recuerda el contraste de la luz multicolor que emana de los letreros de neón contra la oscuridad de la noche como una impresión importante en su desarrollo estético. Posteriormente, David dejó California para estudiar el arte y la cultura tlingit en Alaska, donde fue testigo de las impresionantes exhibiciones de la aurora boreal. Con un efecto similar en su desarrollo estético, el uso de la luz se convirtió en un elemento central de la práctica de su estudio. Mientras trabajaba con las tribus, David fue igualmente influenciado por la forma de vida practicada entre las familias Tlingit que lo adoptaron en su clan. Allí, el arte y la vida se entrelazan en las interacciones diarias y el respeto general por la vida se honra a través de las artes y la entrega de regalos. Los tótems siempre están hechos para otra persona, para honrar a otra familia o clan. David reconoce el kokeshi y los tótems como artesanía fina, y ve al kokeshi como algo similar a los tótems de la Cuenca del Pacífico porque ambos honran a la familia y el espíritu de dar regalos. Además de su práctica en el estudio, David enseña en la Academy of Art University en San Francisco y ha impartido clases en la Pilchuck Glass School, en Seattle, Washington; el Museo del Vidrio de Corning en Corning, Nueva York; Urban Glass en Brooklyn, Nueva York e internacionalmente. Continúa trabajando periódicamente con un equipo de talladores de tótems nativos de Alaska. Aprender, enseñar y compartir habilidades y conocimientos sobre el vidrio, el neón, el arte y las culturas del borde del Pacífico son aspectos centrales de la vida y el trabajo de David.

Kazumi Kobayashi Svenson nació en Sendai, Japón, el corazón del país kokeshi. Crea kokeshi en miniatura, así como dibujos y esculturas. El interés de Kazumi por el kokeshi comenzó mientras crecía con la colección tradicional de kokeshi de su madre, que consiste en muñecos de madera hechos en la década de 1930 con arce japonés, cerezo o cornejo. La colección familiar contenía ejemplos de Onsen, un área en el norte de Japón famosa por sus aguas termales y talleres de kokeshi que se alineaban en las calles ofreciendo las muñecas a la venta a turistas y lugareños. Los kokeshi tradicionales están destinados a honrar la pérdida de un niño o simplemente como recuerdo para traer felicidad al hogar. Los patrones florales y lineales pintados en sus kimonos se han desarrollado y transmitido de generación en generación de artesanos kokeshi y son distintivos del área donde se fabrican. El terremoto de Fukushima de 2011 se centró en el país kokeshi, una devastación que ha tenido un costo adicional para mantener viva la tradición.

Kazumi trabaja en el estilo relativamente nuevo "Creative Kokeshi" que se desarrolló después de la Segunda Guerra Mundial como una desviación de la fabricación tradicional de muñecas. Aunque muchos Kokeshi creativos conservan el cuerpo tradicional sin extremidades, las interpretaciones contemporáneas a menudo muestran un cuerpo más bien formado y características adicionales como el cabello y quizás un kimono más colorido y con un estampado exquisito. Las características, materiales y estilos de Creative Kokeshi son siempre exclusivos de su creador. Kazumi utiliza el vidrio como material de su elección y crea en una gama de escalas, desde pequeñas muñecas hechas de cuentas de vidrio sopladas a mano individuales hasta piezas italianas de vidrio y neón más grandes. Debido a que el método tradicional de crear kokeshi era mediante torno de madera torneada, se convierte fácilmente en vidrio soplado debido a los métodos similares de voltear el material, ya sea con un tubo de soplado o usando un mandril para hacer cuentas. A menudo coloca sus miniaturas Creative Kokeshi en un conjunto de medios mixtos de neón y cajas viejas, quizás haciendo referencia a su mudanza a Estados Unidos y simbólicamente trayendo consigo la colección infantil. Kazumi recuerda que la experiencia de venir a Estados Unidos le brindó la oportunidad de ver su propia cultura desde una nueva perspectiva y le permitió traducir la forma de arte tradicional a su propio lenguaje visual. Kazumi ha estado soplando vidrio durante veintidós años y ha enseñado el oficio en Japón. Comenzó a estudiar neón en los Estados Unidos en 1994 y ha continuado combinando neón con vidrio y exhibiendo internacionalmente.

Gary Baseman: Los siete magos sagrados

MOAH tiene el honor de traer la obra de arte del artista multitalento e internacionalmente célebre Gary Baseman al Valle del Antílope. Nacido y criado en Hollywood, el artista atraviesa muchas disciplinas como pintor, ilustrador, video.
y artista de performance, animador, productor de películas / TV, curador y diseñador de juguetes. Su obra de arte captura las realidades agridulces de la vida: juguetona pero viciosa, traviesa pero agradable y siempre cuenta una historia llena de placeres y dolor que la vida trae a través de generaciones.

Deseos de invierno: Carta a Santa

Esta encantadora exposición mostró cartas y dibujos a Santa dentro de globos de nieve de papel de niños de la escuela local de Antelope Valley.