Frostig en general: los artistas de la colección Frostig

La Colección Frostig está compuesta por una amplia variedad de obras de arte de muchos de los artistas más atractivos y conocidos de la actualidad. Los artistas representados en la exposición viven y trabajan en Los Ángeles y han contribuido sustancialmente a la reputación internacional de las artes en la región a través de su uso innovador de conceptos y materiales, algunos de los cuales fueron desarrollados por la industria aeroespacial aquí en Antelope Valley.

La Colección Frostig se creó como una empresa de recaudación de fondos para apoyar al Centro y la Escuela Frostig, ambos líderes mundiales en investigación y educación de estudiantes con discapacidades de aprendizaje. Ubicado en Pasadena, California, The Frostig Center es una de las pocas organizaciones sin fines de lucro financiadas con fondos privados en los Estados Unidos que se dedica exclusivamente a investigar las causas y tratamientos de las discapacidades del aprendizaje como dislexia, disgrafía y discalculia junto con TDAH, TDA. , Asperger y autismo de alto funcionamiento. Fundado en 1951 por Marianne Frostig, Ph.D., líder en educación para niños con discapacidades de aprendizaje, el Centro ha cambiado significativamente la forma en que se enseña a los niños con discapacidades de aprendizaje, lo que ha resultado en ayudarlos a lograr una vida satisfactoria y productiva.

Los padres de Frostig School crearon The Frostig Collection para expandir el trabajo del Centro y llevar a buen término un programa de habilidades sociales muy necesario, apoyando así aún más la salud emocional de los estudiantes. Al donar su trabajo, los distinguidos artistas de The Frostig Collection han contribuido significativamente al desarrollo y avance de recursos especializados para niños con discapacidades de aprendizaje, mejorando la vida de los estudiantes, sus maestros y sus familias. Estos artistas pioneros incluyen: Lita Albuquerque, Charles Arnoldi, Gary Baseman, Larry Bell, Lynda Benglis, David Buckingham, Chris Burden, Guy Dill, Robert Graham, Frank Gehry, Brad Howe, Eric Johnson, Matt Johnson, Michael Kalish, Michael C. McMillen, Ed Moses, Gwynn Murrill, R. Kenton Nelson, Chris Piazza, Sarah Perry, Ken Price, Nancy Rubins, Alison Saar y Ray Turner.

Lou Swenson: Moviéndose hacia el oeste

Lou Swenson ha estado haciendo arte durante 50 años. Su pasión por la fotografía comenzó cuando su madre le regaló una cámara Kodak Pony 135 el día en que lo enviaron al frente de la Guerra de Corea. En cada oportunidad, cuando no estaba involucrado en la batalla, usó este don para capturar imágenes de sus compañeros y calmar los efectos del servicio activo en una tierra extranjera. Una gran pérdida para el mundo del arte y la historia visual de la época, esta colección de transparencias se perdió durante un envío al extranjero, lo que hizo que las imágenes de esta época fueran imposibles de reproducir y compartir con el mundo. Su primera inspiración creativa provino de la revista Depression Era Life y de fotógrafos de guerra como Walker Evans, Dorothea Lange, Eugene Smith y Henri Cartier-Bresson. A medida que Swenson se trasladaba al oeste, le cautivó el innovador trabajo de Ansel Adams y los fotógrafos pioneros de la costa de California de la época.

Después de completar su carrera militar, Swenson se convirtió en fotógrafo comercial y propietario de un estudio en San Antonio, Texas. Durante ese tiempo, obtuvo una maestría en fotografía, creó una extensa lista de clientes y ganó muchos premios en concursos de impresión. Dominando los aspectos técnicos de su oficio y disfrutando de once años de fotografía comercial exitosa, Swenson cambió de rumbo y regresó a sus raíces en Colorado, donde se estableció en el arte de la fotografía en blanco y negro. Atraído por la diversidad geográfica y cultural de la región de Four Corners, se instaló en Dolores, Colorado, donde reside actualmente. La región ha sido su hogar creativo durante los últimos 29 años: atravesando las carreteras secundarias del oeste, documentando los tesoros de los espacios abiertos, los restos de la vida rural y las marcas del tiempo en una sociedad que cambia rápidamente.

La experiencia de Swenson para maximizar las variaciones tonales, las texturas y los patrones de sombras en los paisajes y la arquitectura del oeste radica en fotografiar e imprimir negativos de haluro de plata en blanco y negro en el cuarto oscuro de su casa, una práctica que continúa mientras haya película, papel y productos químicos disponibles. Al igual que los pintores de paisajes y fotógrafos que viajaron hacia el oeste con los principios del Destino Manifiesto y en los senderos trazados por Lewis y Clark, Swenson utilizó cámaras de gran formato para capturar las cualidades inherentes de la luz, la forma y el drama en la región. Comenzó a disparar con un cuerpo de cámara de 5 x 7 pulgadas y luego se redujo a un formato medio de 6 x 9 cm para reducir el peso engorroso de estos modelos mientras mantenía el control de la perspectiva y maximizaba los valores tonales, todos los cuales están relacionados con la representación de la luz y esencia del poniente. Swenson es un maestro en el arte de la composición, utilizando los principios básicos del diseño y la regla de los tercios para colocar a sus sujetos dentro del marco. La habilidad de Swenson es evidente en cómo captura el cambio de una nube en un paisaje expansivo, la profundidad de una sombra que envuelve un pueblo construido a mano o la luz interior intangible de una habitación polvorienta en un pueblo fantasma olvidado. Está particularmente fascinado con el cambio de estaciones, cuando las hojas comienzan a caer y revelan la estructura subyacente de los árboles y el estado de ánimo inherente de un paisaje. Señala: "cuando la nieve comienza a caer, crea una relación nueva y dinámica entre la luz y la oscuridad, la textura y la forma, el horizonte y el cielo". Sus obras son homenajes sensuales y sorprendentes a la belleza de la región, donde los artistas todavía se sienten atraídos por estudiar y experimentar los espectaculares paisajes y el patrimonio cultural que se encuentran en esta tranquila parte del mundo.

Bradford J. Salamon: Objetificado

Objetificar: verbo (objetivar, objetivar, objetivar)

1. Expresar (algo abstracto) de forma concreta: la buena poesía objetiva el sentimiento. 2. Degradarse a la condición de mero objeto: una actitud profundamente sexista que objetiva a la mujer.

Bradford J. Salamon es ampliamente reconocido por sus retratos de artistas, escritores y músicos a quienes invita a su estudio para sentarse en su icónica silla naranja, a menudo durante horas, mientras observa y documenta la complejidad de su humanidad. Su enfoque permite que el proceso artístico se desarrolle como un viaje impredecible a la personalidad del sujeto, donde la pintura desbloquea una narrativa visual única para el momento de la vida del modelo. La persona se convierte en parte del proceso de creación de arte: a medida que lleva a la silla sus historias de vida de logros profesionales y dificultades personales, sus cuerpos comienzan a hundirse en la silla y, con el tiempo, sus rostros suelen colapsar por la fatiga. El dolor de estar sentado durante horas desocupado por una tarea que no sea estar allí para el artista se hace evidente. Para Salamon, este proceso captura toda la narrativa evolutiva de la persona y activa el lienzo con la condición humana. Su proceso contrarresta la tendencia a objetivar el modelo, como han hecho muchos retratistas a lo largo de la historia del arte, al tiempo que representa una abstracción de su modelo.

Salamon ve el retrato como una apertura a experiencias de la vida que de otro modo nunca habría tenido la oportunidad de observar y señala que el proceso de pintar personas durante períodos prolongados de tiempo proporciona una forma de comunicarse e interactuar con ellos en un nivel completamente diferente. También aporta este enfoque humanizador a la pintura de objetos; objetos como teléfonos de discado giratorio, maquinaria antigua y juguetes. Estos retratos sirven como recordatorio del poder de la invención y el propósito y las consideraciones estéticas que inicialmente guiaron el diseño del objeto. Él nota:

“Pintaré a las personas para siempre, ya que siempre son importantes para mí. Pero mi fascinación por los objetos inanimados y las historias que cuentan me devuelven a una época diferente cuando me mueve a la mentalidad de un diseñador o inventor que pensaba con referencias de 1920. Botellas de vidrio viejas, iconografía, máquinas de coser obsoletas, sus formas y su funcionamiento me estimulan a ver el mundo con nuevas percepciones ”.

Explorar la poética de estos objetos antiguos es un desafío bienvenido para el artista. Representar múltiples superficies a medida que interactúan entre sí no es una tarea sencilla para un pintor: capturar la luminosidad del vidrio contra el metal; la textura de la madera gastada por el tiempo superpuesta con cromo descolorido; y el contraste de la tela y la malla con los plásticos tienen su propio carácter y cualidades. El artista tiene abundantes objetos entre los que elegir, especialmente debido a la velocidad a la que los objetos se vuelven obsoletos, un fenómeno que intriga al artista y lo mantiene inspirado para pintar en el día a día.

Bradford J. Salamon ha recreado su estudio privado en MOAH con la silla naranja en el centro de la instalación. Su estudio —en sí mismo una serie de objetos de la vida del artista— se sitúa aquí como un lugar en el que puedes interactuar con él y familiarizarte con su proceso; un proceso que se desarrolla en tiempo real, como un viaje impredecible a la mente y al método del artista. Si bien Salamon no está pintando en el Museo, trabaja constantemente en Los Ángeles en encargos de pintura. Estudió en el Instituto de Arte del Sur de California, Laguna Beach y se formó extensamente en Europa. Su trabajo ha sido mostrado y coleccionado a nivel internacional.

Legado: los artistas del estudio abierto

La clase Open Studio comenzó en enero de 2013 en el Museo de Arte e Historia (MOAH) como un foro para que la comunidad artística dibuje y pinte a partir de un modelo en vivo. La práctica del dibujo natural ofrece un desafío mayor en comparación con el dibujo a partir de fotografías. Con la presencia de un modelo en vivo, a menudo cubierto con tela multicolor y colocado bajo una iluminación enfocada, a los artistas se les ofrece una variedad de formas y formas desde las que agudizar sus habilidades de observación y articular detalles de la figura humana.

Open Studio se lleva a cabo en el Aula Familiar Hernando y Fran Marroquin y está dirigido por el artista local Renato de Guia. El éxito de Open Studio se encuentra en el enfoque accesible del Sr. de Guia para cultivar el conjunto de habilidades existentes de sus estudiantes. Proporciona un lugar seguro para la experimentación mientras busca pistas en el trabajo de los estudiantes, luego sugiere la práctica de técnicas de renderizado, calidad de línea y creación de la ilusión de volumen. Sus estudiantes tienen edades comprendidas entre los 17 y los 74 años, desde el principio hasta el avanzado. Los estudiantes novatos tienen la oportunidad de observar y practicar las técnicas de algunos de los mejores y más establecidos artistas de Antelope Valley, proporcionando un lugar para la camaradería y el crecimiento artístico entre ciudadanos de ideas afines.

Nacido en Manila, Filipinas, el temprano interés del Sr. de Guia por el dibujo se encendió con las historietas que su tía le enviaba cuando era niño. Le cautivó el estilo y la técnica de los dibujantes del cómic, en particular de Neil Adams, cuya articulación de la anatomía humana era precisa y dinámica debido a su formación en el dibujo natural. De joven, el Sr. de Guia dibujaba constantemente, incluso durante las hospitalizaciones por una enfermedad ósea poco común. Luego obtuvo su licenciatura en Arquitectura de la Universidad Estatal de Kent, Ohio, otra oportunidad que buscó para refinar y utilizar sus habilidades de dibujo, todo lo cual aplica a su enseñanza. El Sr. de Guia ha estado practicando arquitectura y enseñando arte en Antelope Valley durante muchos años y estuvo profundamente involucrado con Allied Arts en Cedar Center. Le apasiona igualmente el voluntariado y la contribución a la expansión del programa de educación artística para adultos del MOAH. La obra de arte de Renato de Guia está acompañada por el trabajo de los estudiantes de Ulrica Bell, Betty Ermey, Geoffrey E. Levitt, Joanne McCubrey, Albert Miller, Julie Schuder, Nay Schuder y Adeline Wysong.

Christoff Van Kooning: Invertibles

A través de su serie de esculturas multidimensionales, Invertibles, Christoff Van Kooning ve su trabajo como un poema de materiales y un lenguaje de formas y formas. Con el uso de muchos materiales diferentes, desde piedra y metal hasta espuma de poliestireno y pan de oro, Van Kooning explora el espacio entre las formas positivas y negativas y la interacción visual que se crea cuando se cortan una serie de formas a partir de un gran volumen de material. Sus Invertibles son composiciones divertidas y en forma de rompecabezas de formas geométricas entrelazadas y móviles que revelan tanto el material original como la habilidad del escultor. Su objetivo es liberar una animada serie de formas del material original a través de un proceso de descubrimiento. Aunque su obra conserva los bordes duros de sus materiales, sus formas positivas y negativas recuerdan las esculturas minimalistas de Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975).

Christoff Van Kooning vive y trabaja en Los Ángeles. Estudió métodos de escultura clásicos en Italia antes de regresar a los Estados Unidos para trabajar con David Hickey en la Universidad de Nevada, Las Vegas. Continúa enfocándose en el arte minimalista y probando el poder de yuxtaponer línea y masa / volumen en su trabajo. Su conciencia de las cualidades de repetición, dualidad y simetría son fácilmente reconocibles en esta instalación de obra nueva.