Rumores

Esta exposición incluye aproximadamente 35 artistas que han creado cada uno una obra específica basada en una leyenda urbana con especial significado para ellos. Cada obra va acompañada de un texto que explica la conexión personal del artista con la leyenda urbana elegida.

Las leyendas urbanas sirven como nuestra mitología moderna. Basadas en tradiciones culturales e historias de moralidad, estas historias se aprovechan de nuestros miedos colectivos y provocan una fuerte respuesta emocional. Tradicionalmente, para que estas leyendas sobrevivieran, se usaba una combinación de texto e imágenes en la narración, lo que aumentaba el poder de la leyenda a medida que se transmitía de generación en generación. Más recientemente, Internet ha fomentado la rápida difusión de estas leyendas modernas, muchas de las cuales pueden

se remonta al folclore original que los inspiró.

El propósito de la exposición no es ilustrar leyendas urbanas, sino analizarlas en conjunto con el propio punto de vista subjetivo de cada artista dando como resultado una experiencia compartida entre artista y público.

- Lauren Haisch y Wendy Sherman

Artistas: Dmitry Astakhov, Clayton Bailey, Rex Barron, Stephen Berkman, Joe Biel, Kevin Bradley, Sarina Brewer, Hugh Brown, Mike Cockrill, Michael Criley, Lew Delport, Chris Farling, Llyn Foulkes, Gregg Gibbs, Jeff Gillette, Mark Gleason, Laurie Hassold, Tony Huynh, Hellen Jo, Laurie Lipton, Matjames Metson, Lauren Morrison, Adam Oehlers, Naida Osline, Burt Payne 3 y Stephen Hillenburg, Ransom & Mitchell, Victoria Reynolds, Jim Shaw, Christopher Ulrich, Jeffrey Vallance, Nicola Verlato, Marnie Weber, Chris Wilder, Robert Williams y Scott D. Wilson

Michael Aschenbrenner: Damaged Bone Series: Interior Landscape

Michael Aschenbrenner, originario del sur de California, crea esculturas de huesos de vidrio unidos por materiales encontrados como una forma de expresar los eventos de su vida. Aschenbrenner comenzó a estudiar cerámica a su regreso de la guerra de Vietnam y finalmente pasó a la técnica del soplado de vidrio para crear las formas lineales finas que imaginaba. Durante su desarrollo artístico temprano, las imágenes aparecieron y reaparecieron con suficiente frecuencia, como para formar un lenguaje de símbolos. Aschenbrenner busca transmitir la fragilidad de la vida humana a través de su obra, en la que materiales delicados y toscos se envuelven entre sí. Su afinidad por el proceso de fabricación del vidrio es evidente en el tiempo que le lleva crear una pieza. Se refiere al proceso como una “danza espiritual en la que no hay nada más que el artista y el horno”.

Trabajando con un charco de vidrio fundido, Aschenbrenner actúa rápidamente en sus formaciones abstractas, creando intuitivamente un movimiento fluido entre sus manos, las herramientas y la escultura. Esto le permite crear múltiples formas parecidas a huesos, que une a través de una práctica ortopédica de arreglos tipo férula utilizando palos y metales encontrados.

Michael Aschenbrenner recibió una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Minnesota, Minneapolis. Ha sido exhibido en los Estados Unidos e internacionalmente. Su trabajo es parte de las colecciones permanentes de museos en los Estados Unidos y en Alemania. Recibió la Beca de la Fundación Pollock Krasner en 1989 y 1996, así como la Beca del Fondo Nacional para las Artes en 1992. Su obra de arte ha aparecido en Forbes, New York Times, Art Week, Glass Magazine y Newsweek.

Judy Csotsits: Los destinos

Judy Csotsits se crió en Debrecen, Hungría, donde pasó su infancia creando y diseñando. En sus dibujos utiliza una combinación de pluma, tinta, acrílico y lápiz de color sobre Mylar. El Mylar crea un espacio blanco profundo, lechoso y liso, en el que cada forma levita y alude al espacio tridimensional. Sus dibujos se crean de manera intuitiva, utilizando solo estructuras simétricas simples que combinan formas antiguas y alienígenas desconocidas junto con formas híbridas de plantas, animales y humanos familiares. Usando movimientos repetitivos, los dibujos evocan estructuras fractales que existen abundantemente en la naturaleza. En su trabajo se alude a la evolución, ya que cada forma es un híbrido orgánico de varias formas de vida, representadas en un estado de transformación y metamorfosis. Los cuerpos parecidos a insectos parecen ser trenzas en evolución que dan como resultado una forma humana general, disolviendo así la distinción entre las categorías de plantas, animales y humanos y fusionando elementos abstractos y figurativos en uno. El resultado final refleja el proceso evolutivo de un organismo unicelular simple que evoluciona hacia las múltiples y complejas expresiones de la vida.

Judy Csotsits recibió su Maestría en Bellas Artes de la Facultad de Arte y Diseño de Otis y su Licenciatura en Artes de la Universidad de California, Los Ángeles. Su obra de arte se ha exhibido en los Estados Unidos y Europa. Enseñó diseño 2D en Mt. San Jacinto College en California, así como una clase de pintura a través del Pierce College Project Match. Es una artista destacada de Saatchi y ha sido publicada en Los Angeles Times .

Marissa Quinn: Paradoxología cíclica

Marissa Quinn creció en las costas saladas de San Diego. Con el mar como su hogar, le enseñaron cómo ver el océano y la vida marina circundante como una narrativa simbólica. En su obra de arte, explora el concepto de “cascadas tróficas”; estos se definen como poderosas interacciones indirectas que controlan ecosistemas enteros y ocurren cuando los depredadores limitan la densidad y / o el comportamiento de sus presas, mejorando así la supervivencia del siguiente nivel trófico más bajo. Al combinar elementos zoomorfos de flora y fauna en peligro de extinción, crea composiciones surrealistas y monocromáticas de cascadas tróficas en estados de transformación y / o adaptación a los cambios biosféricos en nuestra Tierra. Cada dibujo contiene una especie en peligro de extinción o una especie invasora (a veces ambas), catalogada federalmente como en peligro o amenazada, específicamente en California. Su trabajo difumina las líneas entre el crecimiento y la decadencia a través de las etapas del ciclo de vida, evocando respuestas emocionales multifacéticas al viaje de la naturaleza, tanto literalmente como dentro de un individuo. Hay un trasfondo temático espiritual secundario en su trabajo, que recuerda la narración indígena y la mitología antigua. En cada pieza, es la conexión del ciclo, el círculo y el ouroboros (un emblema de la totalidad o del infinito), que sirven como una antigua fuente de esperanza para la humanidad. Su trabajo nos recuerda que todo está conectado. Las cascadas tróficas son fuentes tanto literales como simbólicas de información sobre el bienestar de nuestra tierra, nuestro yo colectivo y nuestras vidas individuales.

Marissa Quinn recibió una Maestría en Bellas Artes y una Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad Azusa Pacific. Sus piezas se han exhibido en todo el sur de California.

Jeremie D. Riggleman: asimilación

Jeremie D. Riggleman es un artista con sede en Los Ángeles que utiliza fotografías en escena, esculturas únicas y métodos de fabricación industrial para capturar imágenes misteriosas cargadas de narrativas abiertas. La serie de obras en curso de Riggleman que utilizan objetos de arte de césped está muy influenciada por Donald Featherstone, un residente de Massachusetts más conocido por su creación de 1957 de la decoración plástica de césped con flamencos rosados. En el trabajo de Riggleman, el kitsch se convierte en un sustituto humorístico de la exploración del anhelo del artista por el pasado, un lugar al que llamar hogar y el deseo de que la gente llame amigos. Sus fotografías capturan momentos aparentemente sinceros, hablando más de los entornos que de las figuras que realmente residen en ellos. Riggleman afirma: “En todos los lugares en los que he vivido, me siento flotando entre la alienación y la asimilación, mientras equilibro las complejas polaridades tanto alrededor como dentro”.

Jeremie D. Riggleman ha expuesto en Westmont College en Santa Bárbara; Forsinone, Italia; el Museo de Arte de Oceanside y el Museo de Arte de Riverside.
Riggleman tiene una maestría en bellas artes en artes visuales de la Universidad Azusa Pacific y una licenciatura en arte de estudio de Bethel College en Mishawaka, Indiana. Su trabajo se puede encontrar en la colección permanente de Azusa Pacific University.

Jonas NT Becker: Hacia el oeste

Las instalaciones de fotografía y video de Jonas NT Becker exploran la formación de la mitología cultural alrededor de sitios y geografía específicos, colapsando lo que vemos con lo que esperamos, tememos o creemos. Está particularmente interesado en manifiestos utópicos, hipótesis científicas, creencias religiosas y otras expresiones de deseo colectivo. Utiliza la edición y la proyección de la cámara para desestabilizar estos mitos, alterando los significantes normativos del tiempo lineal y el espacio de perspectiva. Al exponer la naturaleza contingente de nuestra estructura social, el trabajo de Becker crea la posibilidad, no solo de desencanto, sino también de reordenamiento y reconstrucción queer.

Jonas NT Becker ha expuesto internacionalmente, recientemente en el Craft & Folk Art Museum, LAXART y Shulamit Gallery. Su trabajo ha aparecido en Los Angeles Times, LA Weekly, Art Ltd. y otros. Las subvenciones y becas incluyen el Instituto de Arte de Verano Saas-Fee, la residencia Heart of Los Angeles, la subvención del Centro de Estudios para la Paz Global, la subvención de la Fundación Nazarian, la subvención de la Fundación Berman y la Beca Six Points. Becker también fundó Mobile Pinhole Project y enseña en Los Ángeles. Tiene una Maestría en Bellas Artes de la Universidad de California, Irvine y una Licenciatura en Artes de Smith College. Becker nació en Morgantown, WV y vive en Los Ángeles.

Tina Dille: Cuervos

Tina Dille comenzó su carrera artística a una edad temprana; Desde el principio, se sintió atraída por el ganado y los ganaderos de su ciudad natal de Jerome, Idaho, y las criaturas del patio trasero que descubrió cuando su familia se mudó al sur de California. De adulta, Dille operaba un pequeño negocio de cerámica que creaba y vendía cerámicas pintadas a mano en todo el país en colaboración con empresas como Nordstrom, Disneyland y Knott's Berry Farm. En su tiempo libre continuó haciendo obras de arte, tomando cursos universitarios de arte y pintando al óleo.

Dille dejó la agitada vida de la ciudad por el campo; volvió a vivir en medio de la naturaleza y una diversa gama de animales para dibujar y pintar. Después de estudiar arte de estudio en la Universidad Estatal de California en Bakersfield, hizo la transición a las acuarelas, un medio más fluido que las pinturas al óleo, para transmitir la verdadera libertad de la naturaleza a través de su arte. Dille cree que cada uno de sus retratos de animales tiene un mensaje, pero le permite al espectador descubrir exactamente cuál es. Con acuarelas y acrílicos fluidos, Dille gotea, fluye y salpica pintura utilizando los ojos de los animales como punto focal. Para ella, el proceso de pintar es en parte habilidad, en parte intuición y en parte accidentes fortuitos. Permitiendo que la pintura en sí misma revele personalidad, luego la desarrolla, lo que proporciona algunos resultados finales sorprendentes.

Tina Dille obtuvo su licenciatura en arte de estudio de la Universidad Estatal de California en Bakersfield en 2008. Su obra de arte se ha exhibido en todo el sur de California. Ha aparecido en múltiples exposiciones con jurado en MOAH, y más recientemente fue galardonada con el premio Best of Show 2015 por Challenge Yourself .

Seamus Conley: tierra prometida accidentada

Seamus Conley es un nativo de Los Ángeles que ahora vive y trabaja en San Francisco. Conley tiene como objetivo reflejar las experiencias humanas a través de combinaciones estéticas de imágenes elegantes, profesionales y de fantasía con imágenes de estilo documental de aficionado y de bajo presupuesto. A menudo retrata una figura solitaria de pie en un precipicio o umbral, brillando bajo una luz suave y mágica creada mediante el uso de brillantes tonos azules y violetas. Esto crea una sensación de lo sublime, invitando a los espectadores a abrazar las vistas increíbles, aunque a veces sombrías, que también se manifiestan junto a las figuras presentadas. Como artista, a Conley le encanta jugar con la idea de los opuestos y acepta la disonancia de los entornos oníricos que crea. Sus sujetos siempre aparecen en una especie de interior de otro mundo, de espaldas al espectador, mostrando un compromiso con la contemplación privada.

La juventud es un subtema que ha atraído a Conley en sus pinturas recientes. Los niños en estas pinturas no son de un modelo, sino que son combinaciones de diferentes imágenes yuxtapuestas para crear un símbolo de un niño que realmente no existe. Estas ilustraciones representan recuerdos remendados de ser joven que pueden ser ciertos o no.

En 2007, Conley recibió el premio Pollock Krasner. Las pinturas de Conley se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas en los Estados Unidos e internacionalmente. Su obra de arte se ha mostrado en publicaciones como Hi Fructose Magazine, Art Ltd Magazine y San Francisco Weekly.