Espíritu de verano

21 de junio - 31 de agosto de 2014
Herbie Fletcher

Herbie Fletcher

Wrecktangles

COOP

COOP

Challenger

Douglas McCulloh & Jacques Garnier

Douglas McCulloh & Jacques Garnier

On the Beach

The Artists of the Film MANA

The Artists of the Film MANA

Allison Renshaw

Allison Renshaw

Untitled

Thumperdome

Thumperdome

John Van Hamersveld

John Van Hamersveld

The Endless Summer

Path of A Wave Warrior: selecciones de la colección Fletcher

MOAH se enorgullece de presentar obras seleccionadas de la colección Herbie y Dibi Fletcher. Las selecciones incluyen la obra de arte de la firma de Herbie Fletcher, tablas de surf antiguas, fotografías e imágenes de películas históricas. Herbie Fletcher es mundialmente reconocido como una leyenda del surf y un inventor pionero que ayudó a moldear, literal y figurativamente, la forma en que se practica el surf en la actualidad. La historia de Herbie y Dibi encarna la pasión y determinación del espíritu emprendedor y pionero de Estados Unidos:

Herbie y Dibi Fletcher se conocieron por primera vez en Waianae, en el lado oeste de Oahu, durante el viaje anual de la familia de Dibi al Concurso de Surf Makaha en 1964. Su padre, Walter Hoffman, era juez del concurso y su hermana, Joyce, estaba compitiendo en su camino hacia el concurso femenino. título mundial de surf. Herb estaba buscando su tabla que alguien le había dado a la hermana de Dibi para que la guardara, ya que estaban en el mismo club de surf. Fue un breve encuentro que cambiaría la vida de ambos. Se veían con frecuencia en el circuito de competencias de surf que estaba lleno de los personajes coloridos de la época y en el concurso de Makaha en el 66, Herb competía y filmaba con Greg MacGillivray, quien estaba haciendo Free and Easy con su compañero Jim Freeman.

En 1969, Herb y Dibi llamaron hogar a la casa de Pupakea. Era idílico, sin huellas en la playa, sin televisión, teléfonos, radio o periódicos, un paraíso tropical. Lo primero que hizo Herb fue construir una sala de modelado en el patio trasero donde continuó trabajando en el barandal y la mini pistola que él y Mike Hynson habían estado perfeccionando en el invierno del 67/68 cuando exploraron por primera vez las olas en Pipeline. Rights, ahora conocido como Backdoor y Off The Wall. Herb podía dar forma y cristal a un tablero por la tarde y tenerlo en la alineación por la mañana, lo que le permitía retroalimentar casi instantáneamente sus ideas de diseño.

Poco después, los Fletchers comenzaron la primera franquicia de Clark Foam de las Islas y comenzaron a participar en un momento fantástico de innovación en el diseño y la construcción de tablas de surf. Las tablas se volvían más ligeras y rápidas, lo que permitía al surfista retroceder más en el tubo y aún así salir con vida. Atrás quedaron los días del estilo de surf de la generación de su padre, donde el surfista despegaba y recortaba: parado en un lugar en la tabla frente al break. Ahora el objetivo era adentrarse en el barril, por lo que los modeladores estaban creando un nuevo vocabulario en el diseño de tablas para mantenerse al día con las necesidades de los surfistas que se esforzaban a sí mismos y a su equipo como nunca antes.

Con la necesidad de mantener a una familia en crecimiento, los Fletchers decidieron regresar al continente. Abrieron la tienda de tablas de surf Herbie en Coast Hwy en Dana Point para reintroducir la tabla larga que había perdido popularidad con la llegada de la nueva tabla corta moderna. Herb se dio cuenta de que las tablas de alto rendimiento que había ayudado a popularizar impedían que la gente del continente disfrutara del surf disponible en la costa de California. Comenzaron una campaña "The Thrill is Back" con su nariz cuadrada, riel girado hacia abajo, movimiento rápido, máquina voladora montada en la nariz, construida para hacer hot dog, montar en la nariz y girar sobre las rodillas. Habiendo crecido en la generación de tablas largas y siendo personalmente parte de la revolución de las tablas cortas, Herb tomó lo mejor de ambas y creó tablas livianas y altamente maniobrables que el tipo que trabajaba detrás de un escritorio durante la semana aún podía salir los fines de semana. y divertirse en lugar de sentarse en una tabla corta en la fila como una boya, sin poder atrapar nada.

Aunque tuvo éxito, el comercio minorista fue algo que a Herb le resultó extremadamente difícil. Tenía una mentalidad de tipo mucho más emprendedor / inventor y el día a día se adaptaba mucho mejor a otra persona. Comenzó a experimentar con un elastómero que le resultó positivo cuando se aplicaba en la cola de la tabla de surf eliminaría el uso de cera y daría más control de aletas y rieles, algo completamente extraordinario. Pensó que no solo revolucionaría el surf, sino también la navegación, los fondos de baño y ducha y las cubiertas de la piscina. Lo llamó Astrodeck. Como todos los inventores, estaba tan apasionado por las ventajas que estaba seguro de que tenía un éxito. Nunca pensó que los surfistas no aprovecharían la oportunidad de experimentar una forma nueva, liviana y técnicamente avanzada de tener más control sobre la tabla. Fue una lección interesante de la naturaleza humana ver cuán reacios son los individuos a cambiar, pero nuestros hijos Christian y Nathan se convirtieron en perfectos pilotos de prueba para la fértil imaginación de Herb. Herb había estado experimentando con el video como una promoción para Astrodeck y con la película sobrante, la idea de capturar el surf más impresionante con los mejores surfistas contemporáneos montados en su producto era irresistible. Regresó a la costa norte de Oahu con acceso seguro al Oleoducto y al grupo más selecto de intrépidos usuarios del tubo por el que el Oleoducto se estaba volviendo conocido.

En el transcurso de los siguientes ocho años, Herb hizo 5 videos en la serie Wave Warrior que llevaron al espectador a lo más profundo del tubo en Pipeline, gritando en la cara ante el gigantesco Sunset, volando en el aire en un Jet Ski sobre montañas de agua en un Second Reef Pipe y acelerando por la línea en Maaleaa, navegantes haciendo 360's aéreos en Maui, surfistas, hombres del agua, empujando los límites como nunca antes. Estos videos mostraron el quién es quién de Rad y documentaron el progreso del surf moderno, que comenzó con el recorte de la generación de su padre, a la generación de surfistas que se metieron tan profundamente en el barril y en el último momento escupieron con una velocidad asombrosa. expresionistas abstractos que llevaron el surf al aire. El hijo de Dibi y Herb, Christian Fletcher, lideró el asalto aéreo y causó un gran revuelo en el establecimiento de surf convencional que Herb documentó con entusiasmo. Con más de 60 títulos de video capturando para siempre la historia del surf que hoy finalmente ha visto la madurez de un estilo que parecía blasfemo unas décadas antes. El surf ha recorrido un largo camino y ha visto las asombrosas aventuras de olas grandes de algunos locos completos, nuestro hijo Nathan incluyó montar en tubos de 60 'sobre arrecifes afilados en un par de pies de agua con fotógrafos a cuestas que capturaron cada momento impresionante, es todo tiene una sensación de déjà vu, ya que los sueños que teníamos con los jóvenes en los primeros años en Hawai son ahora una realidad.

Durante los años que Herb estuvo filmando de manera más activa, también tomó imágenes fijas de los mejores surfistas y tiene cientos de miles de imágenes que ha usado de diversas maneras para contar su historia de una vida de surf, desde grandes explosiones en su colaboración con Julian Schnabel a collages de fotos que parecen una película corta en sí mismos en su capacidad de capturar la imaginación y permitir al espectador echar un vistazo a una atmósfera enrarecida detrás de la escena de la vida vivida al límite.

Como tallador / vidriero de tablas de surf que dependía del diseño para poder maniobrar en las circunstancias más críticas, parecía perfectamente natural usar la tabla en sí para crear arte como una extensión de su vida y pasión. Ha sido un honor tener a los jóvenes grandes del surf de hoy salvando tablas que rompieron en el Pipeline para formar parte de la serie Wrecktangle. Ha sido un viaje fantástico y el programa "Path of a Wave Warrior" rinde homenaje a la historia de amor de Herb con un estilo de vida que les ha dado mucho.

El arte de COOP: Surfers Cross I y II

El artista COOP (Christopher Cooper), radicado en Los Ángeles, forma parte de un grupo de surrealistas pop de segunda generación que trabajan en la intersección de la ilustración y las bellas artes con un enfoque en el hot rod, el rock and roll, el punk rock y los cómics asociados con un "delincuente juventud ”contracultura. Trabajando continuamente desde los 16 años, COOP comenzó a crear carteles de bandas, volantes de conciertos y 45 carátulas de discos. COOP fue influenciado por el renombrado artista Lowbrow de primera generación "Big Daddy Roth", el constructor de hot-rod de California y el trabajo del pintor e ilustrador pionero Robert Williams, co-creador de la revista Juxtapoz; Williams recalcó a COOP la necesidad de cerrar la brecha entre el arte comercial, la pintura representativa altamente especializada y las bellas artes. Tras mudarse a Los Ángeles desde Oklahoma en 1988, COOP puso en acción estas influencias creando gráficos para la industria discográfica. Posteriormente, tuvo un estudio en Brewery en el centro de Los Ángeles, lo que le permitió pasar de carteles y portadas de la industria musical a pequeña escala a pinturas a gran escala. Sus pinturas de gran formato de 6 'de 2003 le valieron una reputación y continúa trabajando en gran formato en la actualidad, como se muestra aquí con Surfers Cross (I & II) 2014. Este díptico de acrílico y esmalte sobre lienzo de 144 ”x 72” representa la cooptación de la guerra. símbolos e imágenes de la cultura del surf. COOP destaca su alianza con la cultura juvenil de la década de 1960 y el impulso subyacente de Surfers Cross (I y II):

“No soy un surfista. Mi experiencia de la cultura del surf llega ligeramente. Durante mucho tiempo he estado obsesionado con todos los aspectos de la cultura juvenil de los 60 (fíjate, no estoy hablando de hippies, sino de la verdadera cultura juvenil de los 60: hot rods, rock & roll y surf) ".

La cruz del surfista es una versión comercializada de una Cruz de Hierro, la decoración militar prusiana diseñada por primera vez por Karl Freidrich Schinkel para el rey Federico Guillermo III, después de la derrota de Napoleón en Rusia en 1813. El símbolo fue utilizado por los prusianos y más tarde los alemanes armados. fuerzas a través de la Segunda Guerra Mundial, y hasta el día de hoy.

En los Estados Unidos, después de la Segunda Guerra Mundial, la Cruz de Hierro se hizo popular como símbolo de inconformidad, usada por surfistas, ciclistas y hot rodders. Al principio, estas Cruces de Hierro eran reales, trofeos de guerra traídos a casa por los soldados estadounidenses después de la guerra, pero pronto, operadores inteligentes como Ed "Big Daddy" Roth comenzaron a comercializar medallones, calcomanías, camisetas y otros elementos con la decoración militar.

La cruz del surfista representada es una de estas, una imitación barata hecha para sacar provecho de la "moda" del surf. –COOP, 2014

Doug McCulloh y Jacques Garnier: fotografías de On the Beach

Los personajes de la vida real fotografiados para On The Beach revelan la rica diversidad y el color de la playa como un espectáculo social y cultural. Las playas de California son un imán, no solo para la población local, sino para los millones que visitan California cada año. Esta exposición presenta imágenes tomadas durante 2 años en las playas de California, combinadas con una serie complementaria realizada en las playas de Florida. El espectáculo surge de una idea poderosamente sencilla: ir a la playa y capturar una muestra casual de los bañistas.

"La orilla del océano es un lugar de libertad y deseo, un lugar para mirar y pavonearse, para ver y ser visto. Las playas son mitad exhibición, mitad voyerismo. Este es el terreno preciso de la fotografía: un lado posando, el otro mirando . Las cámaras pertenecen a la playa ". —Jacques Garnier y Douglas McCulloh

Declaración del curador: Los artistas de la película Mana

En 2012, mientras trabajaba en otro proyecto con Eric Minh Swenson, el artista Alex Couwenberg propuso una idea de película documental sobre el proceso y la pasión, específicamente la pasión asociada con el surf y su relación con la creatividad. Como curador enfocado en el sur de California, encontré esto intrigante. La conexión del surf con la historia de los materiales en Los Ángeles estaba bien establecida, pero el proceso no se había discutido realmente. Se envió un llamado a la comunidad de los creadores de arte y la respuesta fue abrumadora. No tenía idea de que tantos artistas serios fueran surfistas. Después de hablar con docenas de artistas, la dirección se hizo evidente: todos veneraban el poder, la belleza y la complejidad del océano, y la naturaleza física de su interacción con él, tanto dentro como fuera del agua.

En base a sus contribuciones como pioneros del mundo del arte del sur de California y su disponibilidad para viajar en grupo a Hawai, el lugar de nacimiento del surf, se eligieron 10 artistas para representar una sección del contingente del sur de California. Varios de los artistas nacieron y / o se criaron en Hawai y tienen antecedentes familiares allí. La película comprende entrevistas con artistas en sus estudios de Los Ángeles, así como imágenes de ellos trabajando, surfeando y viviendo en Kailua-Kona, Hawaii. Mientras estaban en Kailua-Kona, los artistas participaron en una conferencia en el Donkey Mill Art Center de Holualoa Art Foundation y una exhibición de su trabajo en MELD Gallery.

El documental fue moldeado por la visión de director del cineasta con sede en Los Ángeles Eric Minh Swenson, quien ha producido más de 500 películas con los principales artistas, curadores y coleccionistas de Los Ángeles. Las imágenes de los célebres directores de fotografía Marcel Morin y Sarah Mueller de Vitae Sessions junto con hermosas imágenes de agua del artista de MANA Ken Pagliaro complementan la sensibilidad estética de Swenson. Nuestro equipo elaboró ​​un largometraje centrado en la hermandad de un grupo de artistas seleccionados por sus contribuciones artísticas en el mundo del arte del sur de California, cada uno trabajando en sus propios términos dentro de los movimientos Light and Space, Finish Fetish, Design y Assemblage que han surgido. para dar forma y definir la escena artística de Los Ángeles. Por muy divergente que sea el trabajo de cada artista en comparación, todos comparten un hilo conductor en su proceso y visión y están constantemente impulsados ​​por las influencias y fuerzas de la familia, las amistades, el "avivamiento", el aloha y el vínculo común del mana invisible (poder ) de la tierra y el mar.

Sus interacciones y conversaciones entre ellos y con el entorno son el foco de la narrativa visual. La película MANA, que debutó en Hawai en el Festival de Cine de Kona Surf para una multitud que solo estaba de pie en 2014, se convirtió en el ímpetu de la exposición del Museo de Arte e Historia, The Artists of the Film MANA, que abrió para registrar visitantes del museo. en el verano de 2014. Estoy muy orgulloso de presentar esta encarnación de la exposición original del Museo aquí en Nápoles, Italia. Me gustaría agradecer a Cinthia y Renato Penna por su apoyo y facilitación, a todos los artistas por su disposición a participar y especialmente a Eric Minh Swenson por contar la historia.

Allison Renshaw

La artista de Encinitas, Allison Renshaw, emplea la fragmentación como un medio para ofrecer múltiples perspectivas, vocabularios discordantes y límites visuales maleables que abarcan tanto sus pinturas de gran escala como de tamaño más íntimo. Las imágenes explosivas de Renshaw están informadas por partículas de nuestro paisaje urbano y nuestra cultura que se encuentran en la vida cotidiana. La moda, la arquitectura moderna, la cultura del surf y el entorno natural se combinan y chocan. A través de sus superficies activas y frenéticas, Renshaw crea un universo texturizado que es aparentemente aleatorio y difícil de descifrar. Esta caótica cualidad se convierte en una visualización adecuada de la cultura actual de muestreo y reciclaje de código abierto. Las líneas entre lo orgánico y lo humano se vuelven borrosas y se evoca una narrativa más amplia a través de un fragmento banal. Renshaw señala que está “interesada en cómo ocurren los recuerdos y conectan una vida de significados parciales… los fragmentos reconocen ambigüedades interpretativas y abren la obra a secuencias de lapsos espaciales y temporales. La memoria y la fantasía se sintetizan y desentrañan como un sueño medio recordado ". Este enfoque distintivo de la superficie pintada sitúa el trabajo de Renshaw en la encrucijada de múltiples períodos de la historia del arte, incluidos el arte pop, el surrealismo, el expresionismo abstracto y el collage contemporáneo.

Un ávido surfista, Renshaw nació y se crió en el condado de Orange, California. Recibió una licenciatura en economía de la Universidad Pepperdine en Malibu, California y una maestría en bellas artes del Maryland Institute College of Art en Baltimore, Maryland. En 2013, fue incluida en las exposiciones por invitación y bienales de la Cannon Art Gallery. Otras exposiciones recientes incluyen Helmuth Projects en San Diego; La Galería Mirus en San Francisco; el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego y el Museo de Arte Oceanside. Es profesora asociada en Mira Costa College, Oceanside, California.

Pinball vintage: selecciones de la colección Thumperdome

El objetivo de Thumperdome es preservar la historia, la tecnología, el arte y la cultura del pinball en Estados Unidos y promover el pinball para las generaciones futuras. Thumperdome alberga una de las colecciones privadas más grandes y diversas de máquinas de pinball del país. La colección, en constante rotación, atraviesa el desarrollo de las máquinas de pinball desde los primeros juegos tipo bagatela de la década de 1930, hasta la introducción de las aletas de pinball en la década de 1940, pasando por el arte cautivador y vibrante de la década de 1950 y los temas de los juegos de pinball de la década de 1960 que reflejan la cambio en la cultura juvenil y eventos actuales. Los juegos de estado sólido de la década de 1970 progresaron junto con la era de las computadoras, culminando con las décadas de 1980 y 1990, cuando la amenaza de los videojuegos finalmente derribó al pinball de los corazones de los buscadores de diversión estadounidenses. Esta colección comparte la belleza de las máquinas y el desafío de los juegos para entretener, educar y cautivar a una nueva generación.

Estas máquinas antiguas llevan a la gente a una época en la que un bolsillo lleno de monedas significaba horas de diversión veraniega dedicadas a los juegos favoritos de uno con los mejores amigos. Los juegos aquí en Vault Gallery representan a cada uno de los 3 principales fabricantes de pinball de la época: Gottlieb, Williams y Bally. Estos fueron elegidos por su conexión con el surf, el verano y la cultura pop.

Thumperdome es el nombre que recibe la histórica colección de pinball de Amanda Cole y Art Perez en Pasadena, CA. Ambos crecieron asombrados por la bola plateada, ahorrando sus monedas para ir a la máquina de pinball más cercana. Un hallazgo casual de una máquina de pinball Evel Knievel en descomposición le dio a Art la oportunidad de restaurar su máquina favorita de la infancia y comenzar la colección que se convertiría en Thumperdome. Amanda trabaja en tecnología y arte y es artista / fotógrafa con experiencia en ingeniería. Juntos, sus intereses y experiencia combinados se utilizan para restaurar y rejuvenecer las máquinas que han recolectado en todo el país.

John Van Hamersveld: carteles gráficos

Reconocido diseñador gráfico e ilustrador, la búsqueda de John Van Hamersveld de conectar imágenes o símbolos a través de una abstracción de la realidad refuerza la conexión emocional que establecemos con sus imágenes y captura su metáfora de la vida moderna. Utiliza el lenguaje del diseño gráfico para comunicarse a través de representaciones visuales de tipo, espacio, símbolo e imagen. La esencia del diseño gráfico es dar orden a la información, forma a las ideas y expresión y sentimiento a los artefactos que documentan nuestra experiencia humana desde la Edad Media. John Van Hamersveld combina estas herramientas de diseño gráfico con opciones de color atrevidas, a menudo imágenes psicodélicas y eventos de importancia cultural para crear su icónico y único cartel de arte.

Esta celebración de los 50 años del icónico póster de John Van Hamersveld The Endless Summer traerá un toque de cultura y color a la galería principal del museo. El trabajo de John Van Hamersveld es conocido por sus tonos de colores brillantes, líneas audaces y comentarios sobre las ideas culturalmente dominantes de los años sesenta hasta la actualidad. Al mirar sus carteles podemos ver su relación con el color y los diferentes estilos e influencias que lo impactaron a él y a su trabajo, desde su educación en Art Center College of Design y Chouinard Art Institute, hasta su trabajo con la revista Surfer, y la influencia de sus compañeros. como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha y Rick Griffin. Sus carteles son parte de los momentos decisivos de la cultura pop, que se ve como una reacción y una expansión del expresionismo abstracto. MOAH exhibirá el arte de John Van Hamersveld, que va desde el icónico póster de la película The Endless Summer de 1964 hasta el póster de Cream Reunion de 2005 en la Galería principal. La muestra estará formada por sus ochenta y cinco carteles de Pop Art de los últimos cincuenta años. En el centro de la sala está el núcleo de su trabajo, creado como estudiante y como profesional, cada cartel representa un experimento con la técnica, el color y la cultura.

La película y el póster Endless Summe r dieron origen a la cultura del surf del sur de California, que prometía playas poco concurridas, nuevos amigos y la ola perfecta. Introdujo un nuevo "deporte" y definió el estilo de la cultura del surf, dejando atrás un legado de moda, música, literatura y términos populares que incluyen surf's up, hang ten, dude, gnarly y stoked. La imagen creada por John Van Hamersveld es cultural, histórica y estéticamente significativa, habiendo sido creada en Dana Point, un lugar de surf pionero, impactó a las comunidades costeras locales de Santa Mónica, Venecia y Malibú. La composición de su póster Endless Summer , la ubicación de los surfistas y el tono de color único y el borde duro de cada imagen, exploran el lado psicodélico y espiritual de la cultura del surf, además de cerrar la brecha entre los lugareños y los visitantes.

 
 
 
 
 
 
 
Vea o descargue el catálogo de la exposición Spirit of Summer haciendo clic en la imagen de portada o aquí.