Colorimetría

18 de enero - 16 de marzo
23 de enero - 13 de marzo
Ruth Pastine

Ruth Pastine

Gisela Colon

Gisela Colon

John Eden

John Eden

Karl Benjamin

Karl Benjamin

Dion Johnson

Dion Johnson

Phillip K Smith

Phillip K Smith

Johannes Girardoni

Johannes Girardoni

Anita Ray

Anita Ray

Innovations 29th Annual All-Media Curator's Award

 
 
 
 
 
 
 
Ruth Pastine: Atracción 1993-2013

En el mundo de la percepción humana, quizás ningún estímulo por sí solo evoca una cascada de respuestas más compleja que la del fenómeno del color. Nuestra percepción del espectro de colores depende completamente de la luz y se encuentra miles de veces al día en combinaciones aparentemente infinitas. Ya sea en nuestros hogares, lugares de trabajo, vecindarios, ciudades, en el cine, en el arte, incluso en nuestros sueños, estos encuentros tienen la capacidad de desencadenar respuestas emocionales, fisiológicas, intelectuales, estéticas y espirituales. La creación de esta interacción fenomenológica entre el color, la luz y la percepción es donde prospera la reconocida pintora y teórica del color Ruth Pastine.

Los óleos y pasteles sobre papel de Pastine brindan un campo contemplativo en el que podemos habitar y absorber las relaciones íntimas que presenta entre colores cálidos y colores fríos, entre tonos claros y oscuros, entre dos dimensiones y la ilusión del espacio tridimensional. El trabajo de toda la vida de Pastine está dedicado a desarrollar la experiencia visual del color y redefinir el campo perceptivo mediante la combinación de sistemas de colores contrastantes que desafían nuestras ideas preconcebidas y nos piden que vayamos más allá de la atracción inmediata hacia el ámbito óptico. El trabajo se experimenta mejor en persona, lo que revela la resonancia óptica y visceral de las superficies pintadas a mano. A través de su trabajo, el color y la luz se reducen a su forma más elemental. Miles de pinceladas diminutas aparecen visualmente sin fisuras, produciendo una imagen que es objetiva y pura y está llena de matices y sutilezas que atraen al espectador en el tiempo presente de descubrimiento. Este viaje es paralelo a su proceso de pintura de estar en el momento, en el aquí y ahora, mientras transforma un lienzo neutro en un rico campo de color. El marco cuadrado, vertical y horizontal-rectangular del lienzo proporciona una puerta de salida, un medio para acceder a la obra futura, más allá de lo que parece finito.

Ruth Pastine nació y se crió en la ciudad de Nueva York. Recibió su BFA de The Cooper Union for the Advancement of Science and Art, New York, NY en pintura e historia del arte, y su MFA de Hunter College of the City University of New York en pintura, teoría del color y teoría crítica. Recibió la Beca de la Fundación Elizabeth para las Artes en 1999, y en 2000 junto con la beca de contrapartida de la Fundación Shifting. En 2001 se mudó al sur de California, donde actualmente trabaja y reside. En 2009, recibió un encargo público de Brookfield Properties y creó una instalación específica para el sitio titulada Limitless , que se compone de ocho pinturas verticales a gran escala que se exhiben permanentemente en los vestíbulos de Ernst & Young Plaza en Los Ángeles, CA. El Museo de Arte e Historia se complace en presentar la primera muestra de inspección del museo de Pastine con ensayos del catálogo de exposiciones de Donald Kuspit y Peter Frank. Ha expuesto ampliamente en los Estados Unidos y Japón, y está incluida en muchas colecciones públicas y corporativas en todo el país.

Gisela Colon: Glo-Pods

El trabajo de Gisela Colón, con sede en Los Ángeles, se ha asociado con el minimalismo de California, específicamente los movimientos Light & Space y Finish-Fetish, más ampliamente conocidos como "perceptualismo". Las esculturas de Colón investigan las propiedades de la luz en forma sólida y color luminiscente mediante el uso de materiales plásticos industriales. El cuerpo de trabajo de Glo-Pods , meticulosamente creado a través de un proceso de fabricación patentado de moldeo por soplado y capas de acrílico, marca a Colon como parte de la próxima generación de artistas del sur de California que utilizan la luz como medio exploratorio.

La luz que parece emanar de los objetos es una ilusión basada en el color y la forma. El uso de Colón de líneas amorfas, orgánicas, asimétricas y medios que reflejan y radia la luz hacen que sus objetos parezcan vibrar con luz y energía. Al mismo tiempo, parecen materializarse activamente y disolverse en el entorno circundante, lo que permite la experiencia del color puro y la forma en el espacio. El objetivo de Colon es provocar intrigantes contradicciones perceptuales entre elementos visuales como: masa / ligereza, solidez / delicadeza, opacidad / transparencia, musculatura / feminidad e intensidad / matiz, permitiendo así la exploración de la fenomenología de la luz, el color, la materialidad, y el espacio tal como lo experimentamos a través de la lente humana de los sentidos.

Colón nació en 1966 en Vancouver, Canadá, de madre alemana y padre puertorriqueño. Se crió en San Juan, Puerto Rico y asistió a la Universidad de Puerto Rico, donde se graduó magna cum laude en 1987 con una licenciatura en Economía. Colón se mudó a Los Ángeles para realizar estudios de posgrado, recibiendo un Doctorado en Jurisprudencia de la Facultad de Derecho de la Universidad Southwestern en 1990. La Fundación Harry S. Truman le otorgó un Premio de Beca del Congreso en reconocimiento a su destacada excelencia académica. Pudo dedicarse al arte a tiempo completo en 2002, y rápidamente desarrolló seguidores para sus pinturas abstractas. El creciente interés de Colón por la luz y el espacio y los problemas de percepción visual la llevaron a su actual serie de trabajos y a su asociación consciente con artistas de Light-and-Space y Finish-Fetish como Robert Irwin, James Turrell, Craig Kauffman, DeWain Valentine, Helen. Pashgian, Larry Bell, Ronald Davis, Mary Corse y Peter Alexander.

Colón ha expuesto en escenarios nacionales e internacionales. En 2014, aparecerá en la exposición de encuestas “Trans-Angeles” en el Museo Wilhelm-Morgner Haus en Soest, Alemania.

John Eden: Serie Roundel

En su Serie Roundel , el escultor John Eden presenta discos multicolores que son interpretaciones de los símbolos y colores utilizados para identificar el país de origen de las aeronaves militares. Estos 'Roundels' se inspiraron originalmente en la cinta del uniforme escarapela tricolor de la Revolución Francesa y se reutilizaron nuevamente durante la Primera Guerra Mundial para los combatientes aéreos. El Sr. Eden abstrae aún más estos símbolos en forma y forma puras. Eden comenzó la Serie Roundel a fines del otoño de 2012 y hasta la fecha ha creado veintinueve discos en varios tamaños, con veinticinco diseños diferentes de Roundel. Como muchos de sus contemporáneos dentro del movimiento Finish-Fetish del sur de California, trabaja solo en su estudio, atendiendo cada detalle con orgullo y dedicación a su oficio. Su trabajo se basa en su fascinación de toda la vida por los significados ocultos o secretos: cosas que parecen ser una sola cosa, pero son todo lo contrario, en este caso objetos hermosos con intenciones letales. Esta serie explora la idea de que "todo lo que brilla no es oro" y el lado oscuro de la belleza.

La serie Roundel de Eden se basa en el legado pionero de los artistas del sur de California que unieron los materiales industriales y la cultura automovilística de Los Ángeles con el activismo político a principios de la década de 1960. Eden acredita a la artista feminista Judy Chicago y su Topical Car Hood Series de 1964 como inspiración para su Serie Roundel . Chicago roció laca acrílica en los capós de los automóviles Corvair en patrones precisos y audaces, lo que marcó el comienzo de una nueva era de materiales y contenido en el arte del sur de California.

John Eden recibió su Maestría en Bellas Artes en pintura de la Universidad del Sur de California; Maestría en artes en medios de comunicación de la Universidad Estatal de California de Northridge; y Licenciatura en Bellas Artes en cine independiente del San Francisco Art Institute. Eden atribuye sus habilidades en el manejo de pigmentos sensibles, superficies de alto brillo y materiales no tradicionales desarrollados en gran parte por la industria de la ingeniería aeroespacial de California a su capacitación avanzada con Jack Brogan en su estudio de fabricación de renombre mundial. Desde la década de 1960, Jack Brogan ha sido una faceta importante de la escena artística en el sur de California, trabajando en estrecha colaboración con artistas como John Eden, De Wain Valentine, Robert Irwin, Larry Bell, Helen Pashgian y John McCracken como conservador, fabricante y colaborador. . MOAH se enorgullece de continuar exhibiendo este legado de artistas y fabricantes que han ayudado a ser pioneros en los movimientos Light and Space y Finish-Fetish, todos únicos en el sur de California.

Eden muestra ampliamente en California y ha publicado en The Los Angeles Times, Art Review y The San Diego Union Tribune. Vive y trabaja en Los Ángeles.

Johannes Girardoni: Chromasonic Field Blue / Green, 2013

Johannes Girardoni es un escultor e instalador radicado en Estados Unidos. Girardoni es conocido por su trabajo que difumina la línea entre contenido virtual y material. Dispersa a lo largo de una galería llena de luz natural, Chromasonic Field-Blue / Green es una serie de vigas de resina fundida de color azul semitranslúcido. Los LED blancos los iluminan desde adentro, proyectando luz artificial y permitiendo que pase la luz natural circundante. La instalación está equipada con sensores calibrados para medir la frecuencia de color específica que emana de la resina, así como la luz ambiental. Los sensores accionan un generador de tonos, que convierte la información de la luz en sonido, esencialmente haciendo que la luz sea audible. Estos sensores también registran la presencia del espectador que se mueve a través del espacio, lo que modula aún más el sonido. Los límites entre los fenómenos naturales y digitales se difuminan en un campo de sonido luminoso.

El trabajo de Johannes Girardoni se ha exhibido ampliamente en museos y galerías de Estados Unidos, Europa y Asia. En 2011, la instalación de luz y sonido de Girardoni La (Dis) apariencia de Todo se incluyó en la 54ª Bienal de Venecia, Italia. Otras exposiciones seleccionadas incluyen Estructuras personales en el Museo Ludwig, Alemania, 30 años de arte contemporáneo en el Centro de Arte Contemporáneo y Migración Creativa de California en el Foro Cultural Austriaco, Nueva York. Sus obras están representadas en colecciones públicas y privadas, como el Harvard Art Museum, The Progressive Collection y The Margulies Collection. Girardoni ha sido objeto de artículos y reseñas tanto a nivel nacional como internacional, que incluyen: The New York Times, The Wall Street Journal, ArtNews, Art in America y Sculpture.

En 2013, Girardoni completó una importante obra permanente in situ, Metaspace 1 (The Infinite Room) , una escultura de luz y sonido concebida como parte de la arquitectura en colaboración con el ganador del Smithsonian / Cooper Hewitt National Design Award Tom Kundig de Olson Kundig Architects. Metaspace V2 de Girardoni, un innovador proyecto de escultura interactiva que reúne arte, tecnología y ciencia, se presentó por primera vez en la exposición Off and On en Nye + Brown en Los Ángeles.

Phillip K. Smith: Lucid Stead: Cuatro ventanas y la entrada

Inspirándose en la sensación óptica del movimiento Luz y espacio de California, Phillip K. Smith III crea objetos engañosamente simples que parecen respirar y moverse a medida que se observan y experimentan. Esta exposición muestra un aspecto de Lucid Stead de Smith, 2013, una instalación completamente específica del sitio que incorporó iluminación LED con paneles espejados en una choza de 70 años en el desierto de Mojave. El diseño de Smith de Lucid Stead estuvo profundamente influenciado por su relación con el desierto, donde vive y trabaja, y las cualidades inherentes únicas de Mojave: el espacio silencioso y expansivo, el ritmo reducido de cambio y los campos de color ininterrumpidos que ocurren a medida que avanza. el día cambia a la noche sobre el horizonte. Usando estas cualidades efímeras como material y medio a través del reflejo de la luz y los espejos montados en la casa, Smith pudo colocar el edificio en conversación directa con el paisaje circundante. Las cuatro ventanas y la entrada estaban equipadas con paneles LED que lentamente empaparon de color al espectador. El contexto del desierto desapareció cuando el día se transformó en noche y los paneles de colores parecieron flotar en el cielo negro. Smith alejó felizmente estos paneles de luz de su hogar en el desierto y los introdujo en el MOAH para permitirle enfocar estrictamente el ojo en el color puro. Su modo habitual de trabajar con la luz es de adentro hacia afuera, lo que significa que imbuye sus objetos con luz desde adentro. Ahora, la interacción del color ocurre cuando los colores se reflejan y se mezclan en las paredes de la galería, bañando la galería con luz y color cambiantes. Lucid Stead: Four Windows and the Doorway proporciona un camino directo al sistema sensorial humano, y la instalación en sí adquiere la fisicalidad humana, como si el color estuviera insuflando luz al participante. Smith se preocupa por el tiempo y la naturaleza efímera de la vida. En el pasado fue Lucid Stead. En el presente está: Lucid Stead: Four Windows and the Doorway, un puente hacia el futuro donde Smith reubicará una instalación monumental en el paisaje, donde el desierto del sur de California y la pureza de sus paneles de luz alimentados por energía solar interactúan a la perfección.

Phillip K. Smith III recibió su Licenciatura en Bellas Artes y Licenciatura en Arquitectura en la Escuela de Diseño de Rhode Island. Desde su estudio de Indio, California, continúa traspasando los límites y confrontando las ideas del diseño modernista. Inspirándose en la rigidez del movimiento Bauhaus en sus formas, colores y formas puras, con las geometrías reductoras del minimalismo y la sensación óptica de la luz y el color, Smith III intenta resolver el complejo desafío de encontrar un estado natural de vida y espíritu. dentro de estas constricciones ideológicas.

Encargado para crear más de una docena de obras de arte público monumentales en los últimos 5 años en Kansas City, Nashville, Oklahoma City, Arlington, VA, Phoenix y varios sitios en California, Smith ha disfrutado de un rápido éxito con un artículo de 2008 en Art in America Revisión anual. Además de estas obras de mayor escala, Smith continúa trabajando en una lista cada vez mayor de obras de menor escala para colecciones privadas.

Karl Benjamin (29 de diciembre de 1925-26 de julio de 2012)

Karl Benjamin, nacido en Chicago, comenzó sus estudios de pregrado en la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois en 1943. Interrumpido por el servicio en la Marina de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, Benjamin reanudó sus estudios en la Universidad de Redlands del sur de California en 1946. Se graduó en 1949 con una licenciatura En literatura, historia y filosofía inglesas, Benjamin comenzó su carrera como profesor sin intención de convertirse en artista. Sin embargo, su traslado a Claremont California en 1952, poco después de haber comenzado a "jugar" con la pintura en 1951, impulsó su carrera.

Aunque continuó enseñando en escuelas públicas y, más tarde con gran éxito, para Pomona College, el trabajo del artista floreció en medio de la animada escena del arte, el diseño y la arquitectura en Los Ángeles a mediados del siglo XX. Numerosas exposiciones en galerías de su trabajo durante la década de 1950 culminaron en 1959 con su inclusión en la innovadora exposición del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles "Cuatro clasicistas abstractos: Karl Benjamin, Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin". La exposición atrajo la atención nacional junto con la creación de un apodo para el color y la forma meticulosamente orquestados de Benjamin: Hard Edge Painting. Posteriormente, el trabajo de Benjamin se incluyó en la exposición Purist Painting que viajaba al Walker Art Center en Minneapolis, el Everson Museum of Art en Syracuse y el Columbus Museum of Art. El Museo Whitney incluyó su trabajo en Abstracción geométrica en América. El Museo de Arte Moderno de Nueva York también presentó al artista en su exposición de cuencas hidrográficas The Responsive Eye.

Benjamin fue galardonado con la Beca del Fondo Nacional de las Artes para las Artes Visuales en 1983 y 1989. Su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones y está incluido en las colecciones públicas del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles; Museo de Arte Moderno de Israel; Museo de Oakland, Oakland, CA; Museo de Arte Moderno de San Francisco, CA; Museo de Arte de Seattle, WA; y el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, entre otros. Benjamin enseñó durante muchos años en las instituciones de Pomona Valley y fue nombrado profesor emérito en Pomona College.

Dion Johnson: Secuencia de luces - Acuario, 2013

Dion Johnson está activando la Galería de Educación con una proyección de video animada de campos abstractos de color, rayas y formas arquitectónicas que evolucionan lentamente. Esta es una obra de arte específica del sitio que Dion ha creado exclusivamente para MOAH. Johnson imagina la proyección como una pintura en movimiento que se inspira en cómo siente y experimenta el entorno. Desde observar las sombras que se extienden por el piso de su sala de estar, observar la curvatura del intercambio de la autopista mientras se conduce hacia su estudio y ver la luz del sur de California filtrándose a través de las estructuras urbanas, Light Sequence - Aquarium contiene una gama completa de asociaciones y señales perceptivas que se filtran a medida que la animación de video se desarrolla.

Dion Johnson recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Ohio y su Maestría en Bellas Artes de la Universidad de Graduados de Claremont. Expone a nivel nacional con exposiciones individuales en museos y galerías de California, Nueva York, Florida, Ohio y Texas. Vive y trabaja en Los Ángeles.

Innovaciones 29a Exposición anual de arte con jurado para todos los medios

En la 29ª Exposición anual de todos los medios se destacan 107 piezas creadas por 73 talentosos artistas de High Desert. Los trabajos fueron evaluados por el artista del sur de California Ray Turner, un artista estadounidense conocido principalmente por sus retratos y pintura de paisajes y la premiada escultora Sarah Perry que actualmente reside en Tehachapi. Todo el trabajo de esta exposición se produjo en los últimos tres años y no se había mostrado anteriormente en el Museo de Arte e Historia. Todas las formas de medios artísticos, incluidos, entre otros, la pintura, la fotografía y los medios mixtos fueron bienvenidos. Los ganadores de los premios fueron elegidos por los estimados jueces con premios adicionales otorgados por miembros de la comunidad y líderes de la ciudad.

Lo mejor de la exposición
• Primera (Mejor de) Christine Kline - Origins
• Segundo (lo mejor de) Stevie Love - Paint Thing 2
• Tercera (mejor de) Antoinette de Paiva - Serie de último momento n. ° 5


Menores:
• 1er lugar Hanna Creech (13 años) - El pavo real
• 2do lugar Elizabeth Engeda (10 años) - Cardenal del Norte
• 3er lugar Jack Kozlovsky (7 años) - Jack's Magic Dragon


Premio Beryl Amspoker
• Tina Dorff - Retrato de la joven condesa Deirdra Rose
Premio del Gremio de Arte de Lagos y Valles
• Sal Vasquez - Cosechadoras de viñedos Harris
Premio de fotografía Dean Webb Memorial, presentado por la Asociación de Fotografía de Lancaster
• Betsy Batish - Desenganchada


Premio del alcalde
• Tina Dille - EB
Premio del administrador de la ciudad
• Michael Evans - Sombrero de copa Steampunk
Premio del director
• Regis R. Gagnon - Cinturón de algodón en las afueras
Premio del curador
• Anita Ray - Extremos sueltos


Menciones honoríficas:
• Nay Schuder - Crackin 'Up # 1
• Michael Evans - Steampunk Media Player
• Antoinette de Paiva - Serie de último momento n. ° 7
• Thaddeus Grzelak - Plein Air - Mina de oro antiguo
• Frank Dixon - La era de las máquinas
• Dennis Borak - Campo de flores solares
• Dennis Borak - Artista considerando una pintura
• Susan Cunningham - Dreaming of Zion
• Nancy Scherich - Dulce amargo
• Hossen Mofarrah: partículas en el aire
• Ralph Richeson - El circo llegó a la ciudad
• Christine Kline - Hombre que se ahoga
• Jarnold - Cabeza de carne
• Tina Dorff - Deirdra y Jacques
• Dennis Adams - Antiguo granero
• Cynthia F. McConnell - Vacíos
• Karyl Newman - Terciopelo entre el espacio aéreo
• Stevie Love - Paint Thing 3
• Bruce McAllister - Sarah Says (mientras Neptune nada)
• Katherine Shannon - Bromeando

 
Vea o descargue el catálogo de la exposición de colorimetría haciendo clic en la imagen de portada o aquí.