Artefactos del deseo en decadencia: Gregory Martin

Aunque se pueden clasificar más fácilmente como paisajes, las pinturas de Gregory Martin pueden considerarse espacios contemplativos en los que experimentar dualidades y polaridades dentro de la naturaleza humana, el mundo natural y la práctica de la pintura. Por ejemplo; crecimiento y decadencia, la ilusión de profundidad y planitud, la "verdad" de la fotografía y la "ficción" de la pintura, las diferencias entre nuestros ideales y nuestras acciones.

La figura contemporánea: declaración de la exposición de presencia pasada

Embarcarse en un viaje a través del arte figurativo contemporáneo es sumergirse en una rica historia de la creación de imágenes como un medio fundamental para comprender e interpretar nuestro mundo a la imagen de nosotros mismos. En esta historia, desde el Paleolítico hasta mediados del siglo XIX, la representación de la forma humana es abundante, pero se mantuvo prácticamente sin cambios tanto en el enfoque artístico como en la intención hasta la era moderna. Desde las figurillas de fertilidad de 30.000 años desenterradas en Çatalhöyük, en el sur de Anatolia, hasta el apogeo del Renacimiento italiano y francés, la creación artística se centró principalmente en la representación hábil y realista de la figura humana en un intento de reconciliar el lugar de los humanos en el mundo, tanto física como espiritualmente. Durante la Edad Media, por ejemplo, los artistas aprendieron sus habilidades a través de gremios de artesanos y en los monasterios —la academia de la época— creando manuscritos iluminados y altamente representativos al servicio de la iglesia. Del mismo modo, durante el apogeo del Renacimiento, un artista se sometió a una rigurosa formación técnica como aprendiz de un maestro, copiando las obras maestras hasta que sus habilidades fueron exquisitamente refinadas. Estas habilidades fueron esenciales para crear arte litúrgico elevado y las mejores pinturas, retratos, frescos y esculturas para los ricos. Sin embargo, desde alrededor de 1850 d.C. hasta finales de la década de 1960, se produjo un cambio radical: la representación artística de la figura y los medios por los cuales se desarrollaron y emplearon las habilidades creativas cambiaron drásticamente, lo que finalmente dio paso a la nueva era del arte moderno (1860-1970). .

Este cambio notable se produjo a manos de la vanguardia: un pequeño grupo de artistas que abandonaron gradualmente sus habilidades adquiridas con rigor y rechazaron el enfoque maestro-aprendiz de imitar obras maestras históricas en favor de la experimentación. La invención y la idea del artista individual pasaron a primer plano, proporcionando al mundo del arte períodos especialmente pioneros a partir de mediados del siglo XIX en las obras de Claude Monet (1840-1926), Mary Cassatt (1844-1926) y los impresionistas. Aprovechando el impulso del impresionista, se produjo un aumento en la toma de riesgos creativos y la experimentación desde 1900 hasta la década de 1920 cuando el arte de Georges Braque (1882-1963), Pablo Picasso (1881-1973), Wassily Kandinsky (1866-1944) y Georgia Surgió O'Keefe (1887-1986). Estos artistas reemplazaron las normas de representación, composición, color y luz con forma y estructura puras, emoción e intuición, imágenes y expresión de sueños y, en última instancia, pura abstracción. En igual medida, buscaron examinar la forma humana —y la condición humana— como una búsqueda de la idea del artista fuera de un conjunto definido de consumibles socialmente aceptables. Estas trayectorias eventualmente conducen a la creación generalizada de imágenes no representativas que siguen siendo una fuerza popular en el arte contemporáneo de hoy.

The Contemporary Figure: Past Presence muestra a un grupo de artistas figurativos del sur de California a la vanguardia de un desarrollo igualmente importante en el arte contemporáneo. En primer lugar, las obras en este documento representan un cambio que se aleja del dominio de la creación de imágenes no representativas en el arte contemporáneo. Al emplear la figura en su trabajo, estos artistas presentan una línea de conexión inmediata y accesible para el espectador a través de las imágenes, lo que a menudo nos brinda la oportunidad de identificarnos dentro de la obra. Igualmente ricas son las oportunidades para comprender las preguntas que estos artistas se hacen —a través de formas representativas— acerca de la condición humana en general. Al igual que sus predecesores que trabajaron hace más de ciento cincuenta años, muchos de estos artistas han recibido una formación rigurosa en técnicas tradicionales de dibujo y pintura a través de la academia. Durante una época en la que un plan de estudios tan tradicional a menudo se considera obsoleto o relevante solo para la era premoderna, estos artistas han perfeccionado intencionalmente sus habilidades de dibujo y pintura para ejecutar con destreza sus ideas. Una vez más, la habilidad y el oficio del artista se revelan en la obra. Finalmente, la profundidad de la investigación sobre la idea del artista a menudo se expresa a través de referencias históricas inteligentes que cuestionan las normas actualmente establecidas dentro del mundo del arte, la academia y la sociedad en general. Al hacerlo, estos artistas están revitalizando el movimiento figurativo, remontándose a los primeros días del arte moderno, cuando los artistas estaban altamente capacitados, eran magníficamente expresivos y tenían un gran conocimiento del canon de la historia del arte. Al utilizar una forma más tradicional de formación académica en figura y retrato como trampolín para dar rienda suelta a sus ideas contemporáneas, los artistas de The Contemporary Figure: Past Presence honran y reconocen el pasado mientras lo invitan a explorar obras hábilmente ejecutadas al borde de una revolución. en el arte figurativo.

Me quito el sombrero: Sally Egan y Amy Bystedt

En esta serie, Bystedt y Egan reverencian íconos de la fotografía que los han influenciado e inspirado a lo largo de los años, desempeñando el papel de fotógrafo y sujeto en estas emulaciones. La atención al detalle en estas fotos reconocibles fue tan importante como elegir qué fotógrafo e imagen reproducir. Hats Off es un saludo en la forma más alta a aquellos que les han precedido, cuyo rastro en las artes ha allanado el camino para algunas de las imágenes más progresistas de la fotografía.

Mercedes Helnwein: dibujo de la declaración de exposición de figuras

Mercedes Helnwein es una artista visual y escritora nacida en Austria que vive en Irlanda y Los Ángeles. Como artista autodidacta, el dibujo y la literatura han sido el centro de su vida creativa desde que tiene memoria. Aunque de ascendencia europea, muchas influencias de Helnwein son claramente estadounidenses, cruzando géneros y lugares artísticos, incluida la fascinación por la cultura y los valores del Medio Oeste estadounidense y el cinturón bíblico, la música del blues del Delta y las obras literarias de John Steinbeck, Mark Twain y Charles Bukowski.

Mercedes Helnwein: Drawing from the Figure muestra una selección de trabajos recientes de 2006 a 2010, incluidos varios de su serie aclamada internacionalmente "Whistling Past the Graveyard", "Temptation to Be Good" y "East of Eden". Estas imágenes dibujadas por expertos representan a mujeres envueltas en dramas tranquilos pero inquietantes que a menudo sostienen el juguete de un niño u ocupan un contexto vagamente doméstico. Helnwein presenta al espectador el misterio de las circunstancias de su personaje. El artista explica: “A juzgar por sus expresiones, diría que probablemente hay algo de lo que las chicas de estos dibujos preferirían no hablar, algo en lo que preferirían sentarse. Y lo mantienen, pero se les escapa de la cara ". Mientras que sus figuras están dibujadas con meticulosa atención al detalle y representadas con la precisión y la técnica de un artista de formación clásica, Helnwein a menudo baña a sus sujetos con una luz áspera y rasante. Esta tensión proporciona al espectador un antagonista invisible que opera fuera del borde del marco. El crítico de arte Peter Frank (ArtLtd, enero de 2010) escribe sobre su trabajo:

“Escritora y artista visual, Mercedes Helnwein no cuenta historias o incluso captura momentos en sus dibujos, sino que desencadena posibilidades: las posibilidades son vagamente improbables, vagamente desagradables y no tan vagamente amenazantes, más bien como Magrittes inverso . El ingrediente básico de Helnwein es la figura humana completamente vestida a la moda, la mayoría de las veces con respecto al espectador o a punto de hacerlo; ocupando un espacio peculiarmente iluminado, pero familiar, se muestran inmersos en un soliloquio solipsista, ensimismados y empapados en un aburrimiento casi urgente, con alguien y / o algo más ... "

Igualmente misteriosos son los cortometrajes de Helnwein. Aquí se incluyen "Silbando más allá del cementerio" y "Tentación de ser bueno", donde las figuras de los dibujos saltan de la página a la película. Al igual que los dibujos, sus sujetos están inundados de una combinación despiadada de luz y oscuridad, pero animada en secuencias segmentadas en cámara lenta a lo largo de la pantalla. Aunque están envueltos en una especie de lucha indiscernible, los personajes están cargados de pistas: vestidos con ropa de época, acompañados de objetos colocados a propósito y moviéndose dentro de un contexto duro y doméstico. Se pueden encontrar pistas adicionales en las partituras musicales, que están compuestas por el hermano del artista, Ali Helnwein. Helnwein comenzó a combinar sus dibujos con películas en 2008 con su debut de “Temptation to Be Good”. Mercedes Helnwein: Drawing from the Figure presenta una selección de obras figurativas ambientadas en una serie de narrativas vagamente definidas donde alguien falta o algo anda mal. MOAH lo invita a usted, el espectador, a participar en este trabajo y preguntar, como sugiere el crítico de arte Peter Frank, qué puede ser esa persona y / o esa otra cosa.

El gremio de arte de los lagos y valles: la figura occidental

Como parte de nuestra serie continua de artistas locales, The Vault Gallery muestra el trabajo del gremio de arte Lakes and Valleys que celebra la figura en pinturas de temática occidental. El gremio de arte Lakes and Valley se encuentra en la aldea cercana de Lake Hughes, California. Este grupo de artistas se ha dedicado a las técnicas tradicionales de pintura de acuarela, óleo sobre lienzo e imágenes representativas, así como a las composiciones de técnica mixta.

Jennifer Glass: cianotipos

Cianotipo Griego: kyano (azul; azul oscuro) + Griego: errores tipográficos (tipo o forma; letra impresa) Inglés 1835-1845

Jennifer Glass captura momentos en la vida de las mujeres a través de sus cianotipos de vestidos vintage. Seleccionados de su colección privada, estos vestidos se reproducen como cianotipos a través de un proceso que la artista ve como una declaración profundamente metafórica sobre los roles de la mujer, la política, el poder y la moda. Específicamente, este cuerpo de trabajo enfatiza la afinidad del artista por la moda como una narrativa polarizada. Las reproducciones a gran escala son fuertes en sus impresiones de azul de Prusia, mientras que son frágiles en su traslucidez fantasmal. Glass explica que su conexión con el mundo de la moda provoca una "fuerte respuesta emocional a cómo [la moda] puede empoderar o restringir a una mujer dependiendo de cómo la use" ... continúa: "la moda ha sido utilizada como una herramienta por las mujeres para años y aunque los ha confinado de muchas formas, también los ha liberado ... estas prendas le pertenecieron a alguien ”. Glass señala que aunque las mujeres que usaban estas prendas ahora se han ido, en su tiempo bailaron, dieron nueva vida, sintieron placer y dolor, y probablemente cambiaron de política, dejando su propia huella en el mundo, por grande o pequeña que sea. Las impresiones de vidrio se crean a través de métodos engañosamente básicos de exposición a la luz y preparación química de las telas.

Sir John Herschel fue pionero en el cianotipo en 1842 como un método fotográfico para duplicar rápidamente dibujos técnicos que normalmente requieren mucho tiempo para dibujar y reproducir. Herschel descubrió que cuando las sales de hierro reaccionan con la luz solar, dejan una huella azul permanente. Cuando se trata papel o tela porosa con una solución de citrato de amonio férrico y ferricianuro de potasio, se puede reproducir casi cualquier imagen si se dibuja sobre una superficie transparente, se coloca sobre el papel fotosensible en un cuarto oscuro y luego se expone a la luz solar. Las áreas del papel fotosensible (o lienzo / tela) que están ocultas por las líneas del dibujo permanecen blancas mientras que las áreas expuestas se vuelven de un azul insoluble, dando como resultado una silueta invertida. En 1843, poco después de que Herschel desarrollara el cianotipo, su amiga y colega Anna Atkins, una reconocida botánica, utilizó el método del cianotipo para catalogar su extensa colección botánica. Al colocar sus muestras de algas en el papel fotosensibilizado, creó el primer volumen conocido de fotogramas de cianotipo. Atkins continuó autoeditando sus cianotipos en su libro: Fotografías de algas británicas: Impresiones de cianotipos. Atkins publicó tres volúmenes y solo se reprodujeron diecisiete copias. Como fotógrafa, Jennifer Glass continúa con esta tradición en la época contemporánea, un método que se ha subutilizado desde el advenimiento de las reproducciones digitales.

Nacida en Florida, Jennifer Glass obtuvo una licenciatura en Ciencias Sociales y Políticas de la Universidad Estatal de Florida. Glass pasó a estudiar fotografía en el Art Institute of Fort Lauderdale, además de realizar talleres en Nueva York con las reconocidas fotógrafos Debbie Fleming Caffery y Mary Ellen Mark. Glass reside actualmente en Copenhague, Dinamarca.