Estructura nerviosa: Cuppetelli / Mendoza

Nervous Structure es una instalación interactiva creada por artistas emergentes Annica Cuppetelli (Estados Unidos) y Cristóbal Mendoza (Venezuela). La obra está compuesta por cientos de líneas elásticas verticales iluminadas con infografías interactivas que reaccionan a la presencia y movimiento de los espectadores. La pieza consta de tres planos que se cruzan: el plano físico (la estructura), el plano virtual (la proyección) y el plano perceptivo (el espectador y su interacción). Los artistas señalan que “es en estos diversos puntos de intersección donde funciona la pieza, y nuestro interés radica en los problemas de percepción que surgen dentro de estas intersecciones”.

Un aspecto significativo de la instalación es el patrón muaré, que se crea cuando las líneas proyectadas se mueven sobre la estructura. Un patrón de muaré es el resultado óptico de dos cuadrículas superpuestas que no están en perfecta alineación. El término se usa ampliamente en física y gráficos por computadora; sin embargo, la palabra tiene cientos de años y proviene de un tipo de tejido que tiene un aspecto "acuoso", que se produce mediante capas de tela. El hecho de que gran parte de la terminología de la tecnología moderna tenga su origen en técnicas históricas (particularmente en textiles) es de gran interés para los artistas, ya que conecta sus prácticas individuales y vincula su trabajo con la historia.

Cuppetelli y Mendoza iniciaron su colaboración artística en otoño de 2010. Han expuesto en la Bienal de Video y Artes Mediáticas (Chile, 2012) y festivales como Scopitone 2012 (Francia), ISEA 2012, FILE 2011 (Brasil), FAD 2011 (Brasil ), video_dumbo 2011 (Nueva York, NY) entre otros. Cuppetelli recibió su MFA de Cranbrook Academy of Art (Fibers, 2008) y Mendoza en la Rhode Island School of Design (Digital Media, 2007). Mendoza es profesora asistente en el Departamento de Arte e Historia del Arte de la Universidad Estatal de Wayne en Detroit, MI, donde tienen su sede.

Nike Schröder: 34˚N 118˚W

34˚N 118˚W es una instalación específica del sitio realizada especialmente para el vestíbulo de entrada del MOAH por el artista Nike Schröder de Los Ángeles. La instalación representa una abstracción del momento en que el sol atraviesa el horizonte del desierto al amanecer. Schröder capturó el esquema de color de este momento integrándolo en la obra de arte textil, lo que trae un reflejo del horizonte efímero al museo. Mientras la artista cosía minuciosamente a mano miles de hilos de colores en los lienzos, permitió que colgaran de la manera en que la pintura gotea del lienzo, formando una sinfonía de color que es sensible al movimiento de las personas cuando atraviesan las puertas de entrada y a las corrientes de aire sutiles y cambiantes en el museo. Los dos lienzos se colocan a una distancia prescrita, creando un lugar de conversación entre cada panel. Los hilos superiores tocan ligeramente el lienzo inferior mientras dejan gotas de hilo cortado en el suelo como parte de la discusión entre los materiales y la ubicación.

Nike Schröder obtuvo su título en Terapia de Arte en Alemania en 2008 y se mudó a Los Ángeles en 2012. Trabajando como artista de estudio profesional, Schröder ha cambiado su práctica de motivos figurativos a explorar el mundo de la abstracción a través de precisos sistemas de color. Sus cálculos de color se basan en un lugar y / o tiempo específicos y proporcionan generosamente al espectador gradaciones de color agudas que configura en composiciones lineales y formales sensibles. Con experiencia en pintura, el artista explora la materialidad excepcional de fibras y textiles a medida que se superponen y se extienden más allá del marco tradicional de una pintura hacia el medio ambiente. Además, al utilizar materiales que responden al movimiento, su trabajo invita a la interacción pública mientras activa el espacio del museo. Schröder expone internacionalmente en galerías, ferias de arte y espacios comerciales como Urban Outfitters y Stefanel. MOAH se complace en mostrar la pieza 34˚N 118˚W de Nike Schröder, una obra que celebra el Valle del Antílope a través de su distintiva sensibilidad artística.

Gisela Colón: PODS

PODS, el nuevo trabajo de la artista abstracta residente en Los Ángeles Gisela Colón, presenta un híbrido pintura-escultura de formas plásticas moldeadas por soplado que están meticulosamente saturadas con lacas automotrices en pigmentos iridiscentes, reflectantes y radiantes. El uso de Colón de líneas antropomórficas, amorfas, orgánicas y asimétricas parece hacer que el objeto se disuelva en el entorno circundante, invitando así al espectador a experimentar colores y formas puros en el espacio.

Colón nació en Canadá de madre alemana y se crió en el Puerto Rico natal de su padre. Habiendo pasado las últimas dos décadas viviendo y trabajando en el sur de California, el último cuerpo de trabajo de Colón refleja las influencias de su entorno y adopta la práctica artística por excelencia del perceptualismo en el sur de California, también conocida como "luz y espacio" y "fetichismo final" que se desarrolló aquí. en las décadas de 1960 y 1970.

Megan Geckler: reescrito por la máquina en nueva tecnología

“No puedo dejar de enfatizar la necesidad de jugar, porque en el juego no te apartas de tu actividad. Para inventar sentí la necesidad de hacer del arte una práctica de juego afirmativo o experimentación conceptual ”- Richard Serra.

Las instalaciones de Megan Geckler son divertidas, vamos a sacarlo a la luz. Su trabajo es un placer absoluto de ver, y la inminente sensación de vértigo que uno puede autoinducir al circunnavegar sus instalaciones y estirar el cuello en ángulos precipitados es parte del deleite visceral. Y es un placer que Geckler quiera inducir. Su práctica de construir instalaciones a gran escala y específicas del sitio a partir de materiales industriales comúnmente producidos, en lugar de específicos para el arte, está, en esencia, orientada hacia la figura humana. Geckler crea una especie de gran espectáculo lleno de colores vibrantes para disparar la mirada, mientras que la escala de su trabajo, la investigación de la arquitectura y la manera en que las piezas se despliegan dimensionalmente, provoca una conciencia del espacio atravesado por la figura. Este esfuerzo híbrido que difumina las distinciones entre disciplinas se basa en la historia de la pintura abstracta geométrica, la escultura de finales del siglo XX y las prácticas contemporáneas en la instalación. Geckler se centra en la experiencia fenomenológica del espectador singular, ofreciendo un entorno envolvente que toma nota del vocabulario del minimalismo y su uso de materiales industriales y literalidad.

Rewritten by Machine on New Technology es la primera de las instalaciones de Geckler que se reinventa para un nuevo entorno arquitectónico, se rediseña y se vuelve a implementar. Llénelo y viértalo por el interior, su instalación de 2006 en el Museo de Arte de Torrance fue la primera iteración y presentó un giro en forma de vórtice entre dos rectángulos. La máquina tiene aproximadamente el doble de tamaño e incluye un rombo y un nuevo esquema de color diseñado específicamente para el Museo de Arte e Historia de Lancaster. Su nuevo trabajo invita a la consideración: ¿Qué significa haber creado un trabajo específico para un sitio, temporalmente limitado que resucita y se transforma? ¿Cuáles son las implicaciones ahora que la obra ha pasado al reino de una idea, para ser recuperada de la cueva de Platón, por así decirlo, y precipitada, realizada como una nueva especificidad?

El trabajo de Geckler, en su re-imaginación, adquiere una cualidad autorreflexiva, pero que es alegre y caprichosa, más que irónica. Es un retorno a la idea, una reiteración lúdica y un encantamiento con el tiempo, el lugar y la percepción.

Christopher Michno — Los Ángeles, 2013

Megan Geckler obtuvo su licenciatura en la Tyler School of Art en Filadelfia en 1998 y su maestría en la Claremont Graduate University en 2001. Ha realizado exposiciones individuales en el Wexner Center for the Arts, Utah Museum of Contemporary Art, Pasadena Museum of California Art, Los Angeles World Airport y la Agencia de Artistas Creativos, entre otros, así como en asociación con corporaciones como Nike, Target y Urban Outfitters. Para obtener más imágenes e información sobre Geckler, visite su sitio web: megangeckler.com

Chris Trueman: Slipstream

sustantivo \ slip-strēm \

1. Aeronáutica: corriente o corriente de fluido (como aire o agua) impulsada a popa por una hélice giratoria o un motor a reacción.

2. una fuerza de asistencia que se considera que arrastra algo detrás de otra cosa, como montar en la estela de un vehículo que se mueve rápidamente.

¿Cómo podría comportarse una pintura estacionaria como una estela? El pintor residente en el sur de California, Chris Trueman, responde a esta pregunta de manera hábil y deliberada combinando fuerzas entre las líneas de los bordes duros y los campos orgánicos de color que ocupan sus lienzos expansivos y envolventes. Si bien su dominio de la superficie pintada es evidente en las cualidades formales de su trabajo, al mismo tiempo cuestiona y reconstruye los preceptos ideológicos del expresionismo abstracto, el arte OP, el borde duro y el minimalismo, que lleva su trabajo más allá de lo formal y lo enriquece, y terreno filosófico a menudo opuesto. La fuerza auxiliar de la estela de Trueman es generada por la intersección de estos experimentos formales y filosóficos.

La estela de Trueman gana fuerza y ​​eficiencia adicionales a medida que atraviesa una gama de aplicaciones pictóricas, incluido su uso generoso del color, la tonalidad, la forma, la textura y el registro visible de su exploración de materiales, cada una de las cuales proporciona un contraste tangible entre sí. Trueman seduce al espectador calculando la presión entre los bordes duros y suaves; a través de combinaciones de colores direccionales que vibran en el muaré para engañar a la vista; y liderando la conversación que se produce entre la superficie pintada y las áreas donde revela el lienzo crudo y sin tratar. Su atención a la materialidad, la suavidad del lienzo crudo contra los bordes estrictamente definidos y la profundidad de la textura, expone la verdad del material. La estela pintada de Trueman es igualmente estructural: sus lienzos están compuestos con formas arquitectónicas que hacen referencia a los principios de la abstracción geométrica tal como los define el linaje de Picasso de producir un espacio ilusionista en el que uno se siente obligado a entrar.

Los elementos formales y los estilos históricos se pueden identificar fácilmente en esta exposición, sin embargo, el proceso de análisis de la obra se complica por el acto mismo de ver y, por lo tanto, experimentar la pintura. El efecto de varios patrones ópticos y muaré cambia constantemente de acuerdo con la distancia y el ángulo desde el que se ven y, a menudo, interfiere con la capacidad de ver y visualizar la totalidad de la pintura a la vez. A veces, las formas subyacentes dependen completamente de las capas principales o de primer plano; al igual que un equipo de ciclismo depende del ciclista líder que está creando una estela.

Dentro del nuevo trabajo de Trueman existe otro tipo de estela, una que se ve energizada por una colisión de referencias filosóficas. Yendo más allá de los principios formales del diseño, la estela de Trueman genera un impulso considerable a medida que avanza a través de varios períodos que definen la historia del arte moderno: la naturaleza icónica, egocéntrica y experimental del expresionismo abstracto; el engaño matemático y perceptivo del OP Art; la rigurosa precisión de la pintura Hard-Edge; y los principios tranquilos y contemplativos del minimalismo. Trueman afirma que para él, la colisión más convincente se produce entre la arrogancia filosófica de la pintura de gestos expresionistas abstractos y el humilde acto de "cuello azul" de la pintura de borde duro. Este conflicto ideológico precipita una especie de tensión vigorosa que empuja al espectador hacia la pintura con tanta fuerza como las propiedades formales de sus obras.

Si bien el nuevo cuerpo de trabajo de Trueman está ricamente pintado y contiene principios formales e ideológicos complejos, simplemente atrae al espectador y es agradable participar. Trueman le da la autonomía para moverse entre las capas y crear su propia estela en tiempo real a medida que avanza y se aleja de la pintura.

Chris Trueman se graduó del Instituto de Arte de San Francisco en 2003, obteniendo dos títulos de BFA en Pintura y Medios Digitales. Se mudó al sur de California para asistir a la Claremont Graduate University, obteniendo un MFA con concentración en Pintura en 2010. Trueman actualmente enseña pintura en Fullerton College y Santa Ana College y anteriormente enseñó en Chapman University. Trueman ha exhibido su trabajo a nivel nacional en San Francisco, Los Ángeles, San Diego e internacionalmente en Milán, Italia.

28a Exposición Anual de Arte del Distrito Escolar de Antelope Valley Uniton

Durante 28 años, el Museo de Arte e Historia de Lancaster, anteriormente Museo / Galería de Arte de Lancaster, se enorgullece de presentar las obras de arte de los jóvenes artistas emergentes del Valle. Este año marca la primera vez que el espectáculo se llevará a cabo en las nuevas instalaciones de MOAH. Con el trabajo de más de 100 estudiantes de todo el Valle del Antílope, este espectáculo multimedia llenará tres de las galerías de MOAH. Más de $ 1,000 en premios, donados por Lakes and Valleys Art Guild, Lancaster Photography Association, Lancaster Museum and Public Art Foundation, Beryl Amspoker Memorial, así como premios del alcalde de Lancaster R. Rex Parris, el administrador de la ciudad Mark Bozigian, director de parques, Recreación y artes Ronda Pérez y el curador interino de MOAH, Andi Campognone, se presentarán a los estudiantes alentando su pasión por el arte.